Miguel Escudero es director de cine. Un director atípico, salido de un barrio de Parla, que, a pesar de su corta carrera, está triunfando con su cortometraje Mala Sombra. Su experiencia como director, productor, guionista y realizador, le ha llevado a convertirse en un gran profesional del medio. En la actualidad, prepara lo que será su primer largometraje Tormenta de cerebros Pincho de cine ha hablado con él.

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Pincho de Cine: ¿Cómo fueron tus inicios en el mundo del cine?
Miguel Escudero: Hace ya más de diez años, con una colaboración en uno de los cortometrajes de David Utrilla, un realizador madrileño amigo mío. Nos juntamos varios jóvenes, sedientos de aprender en esto del cine, y asumimos cada uno diferentes funciones que eran necesarias para la edición del corto. Lo acabamos a finales del año 95. Durante el proceso de creación, surgieron miles de problemas, pero al ser la primera vez que trabajaba en algo así, no sabía si me iba a gustar estar en un rodaje o no. Tras esa experiencia, descubrí que no me gustaba. Me encantaba. Descubrí que no sólo era un apasionado del cine desde fuera, sino que también quería participar desde dentro.
PdeC: Ahora, con el paso del tiempo, eres director, productor, guionista y realizador de tus proyectos. ¿Un buen director puede ser, a la vez, un buen productor o deberían pertenecer a dos mundos totalmente opuestos?
M.E: Desde mi punto de vista, y en lo que concierne a mi trabajo, normalmente un director es más productor, sobre todo en el mercado del cortometraje, en el que el director es el productor en la mayoría de los casos. En mi caso es más fácil. El director de un producto audiovisual conoce cuáles son sus limitaciones, mientras que la figura del productor es más tétrica, es aquel que intenta limitarte. Ser director y productor al mismo tiempo, te sirve para conocer todos los aspectos de un rodaje y eso te enriquece mucho a la hora de dar el salto profesional.

PdeC: Además de director y productor, también escribe sus guiones, algo en lo que o se es deslumbrante o no se es nada.
M.E: Bueno yo creo que lo más importante es distinguir si uno está contando cosas interesantes, que enganchen al espectador, o tonterías. Alguien que escriba, aunque lleve años haciéndolo, tiene que plantearse en un momento dado, si sirve para ello o si no le interesa a nadie lo que le estás contando. Dicen que para contar hay que vivir. Yo no sé si he vivido mucho o poco, lo único que sé es que me involucro mucho en todo lo que escribo y no dejo que una idea se quede en eso. Le saco el mayor partido posible a todo.

PdeC: ¿Cómo describiría la experiencia de recorrer miles de puntos de la geografía española con un corto bajo el brazo y presentándose a los festivales de cine? ¿Qué pesa más, el hambre de la fama o del triunfo o el hacerse un hueco en la profesión?
M.E: Hay que decir una cosa que es importante. Cuando alguien está dispuesto a hacer un cortometraje, lo primero con lo que tiene que contar es que la inversión que va a hacer no la va a recuperar. En el momento de terminarlo, cuando ya está todo listo, la ilusión que tienes es que la gente lo vea y disfrute con lo que has hecho. Si lo que quieres es ganar dinero con el corto, es que en realidad no estás en la profesión adecuada.
En este mundo no es todo tan sencillo como pueda parecer. Hay miles de trabajos de cortometrajes que no se llevan ningún premio, lo que no quiere decir que estén mal hechos o que sean malos. El director de un cortometraje tiene que desear que su corto se vea, más que obtener un gran triunfo. Además, el hecho de que te seleccionen en un festival, ya es un premio.

PdeC: Usted vive en Parla desde niño, ¿se le ha pasado por la cabeza rodar algo o escribir un guión sobre Parla o con personajes inspirados en habitantes del municipio?
M.E: La verdad es que no había pensado en nada de eso. Ya tengo escrito un largometraje que estoy moviendo por productoras españolas. Se llama Tormenta de cerebros y estoy muy ilusionado con este nuevo proyecto. Al fin parece que me estoy acercando a lo que siempre soñé, peldaño a peldaño, poquito a poco. Llevo ya más de diez años en el mundo del cine, y el largometraje es el final de la escalera para ver cumplido uno de mis sueños. Aun asi, y refiriéndome a la pregunta, todas mis historias anteriores, han estado rodadas en Parla, de alguna o de otra manera, porque desde mi punto de vista es un pueblo ideal para ser filmado. Hay muchos directores de cine que son muy localistas y que han grabado en sus barrios de procedencia, como Miguel Albaladejo o Santiago Segura. Incluso Almodóvar, uno de los grandes, rodó en Parla una secuencia de La flor de mi secreto.

PdeC: ¿Crees que estamos escasos en industria cinematográfica en este país?
M.E: Sin lugar a dudas, falta industria y la que tenemos es enana, lo que hace que se pierdan multitud de buenos proyectos que no pueden ser abarcados en su totalidad. Muchas veces responden a intereses comerciales los trabajos que se producen, ya sean largometrajes o cortometrajes, con la salvedad de que a la hora de hacer una película, sabes que la vas a rentabilizar desde un comienzo, y con un corto eso no pasa nunca. Sería bueno también que la industria les diese más oportunidades a jóvenes promesas porque éstas tienden a buscar a las que ya están catapultadas. La industria es difícil que cuente contigo si no has ganado algún premio de escala importante, aunque tu trabajo sea mejor que el del ganador del Goya.

PdeC: ¿Podrías darle algún consejo a todos aquellos que quieren introducirse en el mundo del cine?
M.E: Para todos aquellos que quieran dedicarse al mundo del cine, sea de la forma que sea, en dirección, producción, realización, guión, puesta en escena... Sólo decirles que se dediquen a ello si de verdad saben que les gusta, esforzándose en todo lo que puedan, sin escatimar en horas. No voy a mentir, tendrán que invertir mucho tiempo personal y profesional, además de una bastante suma de dinero. Pero compensa.
Como principal consejo, la constancia.

Para saber más sobre Mala Sombra, pincha aquí

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Si una cosa tenemos que tener clara es que tanto Dan Brown como Ron Howard, director de la adaptación de El código Da Vinci a la pantalla, tienen algo en común: una pasmosa capacidad para envasar emociones en sus obras, y aburrirnos de la manera más intolerable.
Dan Brown, creador del fast food literario, nos sorprendió hace algunos añitos con su hiperconsumida novela “El código Da Vinci”. Fascinados por la historia que encerraba entre sus páginas, alienados totalmente, devoramos su libro con pasión, creyéndonos una historia que, años después y gracias al visionado de la película de Howard, hemos podido comprobar que no se sostenía por ningún lado.

Y si el libro era querellable, la película no se queda muy atrás. El director, con Dan Brown a la chepa como productor ejecutivo, se ha preocupado más en la estética de la película, que en la propia historia. Aún así, ni una cosa ni la otra. No hay planos maestros, la fotografía no es de las mejores y el recurso de los flashbacks (abundantes y cansinos) no era la mejor solución para contarle los antecedentes al espectador.
Muchos minutos de metraje, que hacen que aquel que vaya al cine se dé de dos a tres cabezaditas, siendo espectador de una historia que ya conoce y que no le aporta nada nuevo.

Y luego los actores son caso aparte. Un Tom Hanks (Salvad al Soldado Ryan, Apolo XIII) que no aporta ni físico a un Robert Langdon por el que todos nos sentíamos atraídos en las páginas del best-seller, en la película lo único que nos dan es ganas de abofetearlo.
Audrey Tautou (Amelie, Venus salón de belleza), espléndida en la mayoría de sus trabajos, en esta superproducción aburre. Sólo aporta belleza, a una Sophie Neveu que no es tan intrépida como nos imaginábamos, sino que más bien es una francesita tonta, que parece más que va detrás de Langdom que del Santo Grial. Y un Jean Reno (Godzilla, Léon) al que, su papel de inspector, no le da más de sí que para decir dos frases sin fundamento alguno.

Unos personajes que son cabezas parlantes más que intrépidos aventureros, recorriendo escenarios insólitos que parecen no tener la menor importancia para ellos.
Un montaje lleno de cortes que no vienen a cuento, una historia poco creíble y de la que sobra más de una hora de película y unos diálogos más cercanos a los cómics de Mortadelo y Filemón que a los de una novela histórica.
En definitiva, un fiasco de película, como la han bautizado los críticos cinematográficos más importantes de todo el mundo. Un fracaso de una de las superproducciones más esperadas para este verano. Una tomadura de pelo.
Usted, espectador intrépido que lee estas líneas y se echa las manos a la cabeza ante esta crítica feroz, no se deje engañar e invierta esos preciados seis euros que reposan en su bolsillo en una película alternativa.
No pierda el tiempo.

Los cines Renoir están de cumpleaños. Veinte son los años que llevan funcionando estas emblemáticas salas que surgieron en Madrid. Con motivo de este aniversario, los Renoir han organizado un ciclo cinematográfico en el que se proyectarán películas memorables al precio de un euro.

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Hace veinte años ya desde que Enrique González Macho se lió la manta a la cabeza y, muerto de miedo, decidió abrir un cine en Madrid en el que proyectar las películas que más le gustaban. Nacían, de esta manera, los emblemáticos cines Renoir.
Sus inicios no fueron fáciles, los créditos estaban al 21% y las salas empezaron flojas. Aun así, el propietario de los Renoir se metió en el proyecto que, veinte años más tarde, le harían ser uno de los grandes empresarios de la industria cinematográfica en España.

Esta semana los cines Renoir cumplen veinte años y, según González Macho, no se han despojado de esta incertidumbre inicial ya que “no son buenos tiempos para el séptimo arte o, al menos, para su exhibición”. El dueño de los Renoir no mira al futuro con optimismo, aunque afirma conservar una cierta fe. Es una época cambiante para el cine y los espectadores, que demandan un cine mucho más comercial.

El primer cine Renoir que se abrió en España, fue el que está situado en la Plaza de España madrileña. Se inauguró el 5 de junio de 1986. Tras él, se fueron abriendo muchos más cines en Madrid, Barcelona, Zaragoza, Palma de Mallorca, Bilbao y Santa Cruz de Tenerife. En total, 61 salas repartidas en seis comunidades españolas, en las que se calcula que más de 23 millones de espectadores han disfrutado de casi 1.376 películas.

Cinefilia y buen gusto

Los cines Renoir, se han convertido en un referente para todos aquellos cinéfilos que desean disfrutar de cine de autor en versión original. Eso es lo que pretendía el propietario, crear una cadena de cines con “personalidad”, en el que sus pantallas proyectaran un cine independiente, inquieto, distinto.
Pero no son sólo cinéfilos del pueblo llano los que disfrutan con estas salas; para muchos directores de cine, los Renoir constituyen un verdadero tesoro.

“Mi cine no hubiera sido igual sin los cines Renoir”, afirma Manuel Gutiérrez Aragón, director que ha estrenado en estas salas todas sus películas, a excepción de las dos primeras porque entonces no existían los cines.
En contra de lo que pueda parecer, el propietario, ni gusta ni elige de cine “raro o vanguardista”.

“La elección de las películas es muy subjetiva, en primer lugar, me tiene que gustar, después tiene que tener unos ciertos niveles de calidad y si, además, es divertida, mucho mejor”, explica González Macho.

Los cines Renoir, desde su inauguración, han tenido gran capacidad para hacer grandes éxitos de películas que, con anterioridad, habían sido desterradas de las salas más comerciales. El apartamento, de Billy Wilder, Senderos de Gloria de Stanley Kubrick o Léolo, de Jean-Claude Lazon, son algunas de ellas. Clásicos que, en el momento de su estreno no estuvieron bien vistos por las críticas del momento y que, una vez estrenados en los Renoir, tuvieron un gran éxito y fueron bien acogidos. Estas tres películas, además, son las preferidas de González Macho.
Para que una película se cubra de éxito, estar en la cartelera de los Renoir es un gran paso, pero no es fácil de conseguir. En un principio, dicha película tendrá que haberse ganado la confianza del propietario para que éste deposite su fe en ella. El segundo requisito es la paciencia. Muchas películas han estado en cartel durante meses sin pena ni gloria y, de repente, ya sea por algún premio recibido en un festival de renombre o por un cambio de moda en los espectadores, al final han conseguido obtener grandes éxitos de taquilla.

“En mi primera película, “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto”, nos dieron premios en San Sebastián pero no terminó de arrancar. Enrique la aguantó hasta los Goya y luego nos fue muy bien”, comenta Agustín Díaz Yanes, que volverá a colgar el cartel de Alatriste en las puertas de los Renoir en el próximo mes de septiembre.

Algo parecido le ocurre al director novel, Daniel Sánchez Arévalo con su primer largometraje. Indudablemente, su ópera prima Azuloscurocasinegro, ha cosechado grandes éxitos de taquilla gracias al boca a boca de los espectadores que han podido disfrutarla en estos cines, en los que se estrenó la película.

Entradas a un euro

A causa de este vigésimo cumpleaños, los cines Renoir han organizado un ciclo de películas, la mayoría de producción nacional, que se proyectarán el fin de semana del 8 al 11 de junio.

Además, los cinéfilos están de suerte, ya que el precio de las entradas para disfrutar de estas películas serán de un euro, algo casi ridículo en los tiempos que corren.

“La selección ha sido difícil, no están todas las que son, porque hemos tenido problemas con las copias de algunas películas que queríamos incluir”, explica González Macho.

La pianista, de Michael Haneke; Los amantes del círculo polar, de Julio Medem; Mi nombre es Joe, de Ken Loach o Todo sobre mi madre, de Pedro Almodóvar; son algunas de las películas que se exhibirán en este repaso cinematográfico, con el que los cines Renoir sorprenderá a sus fieles.
La iniciativa ha sido un acierto, según las expectativas que se muestran en muchos foros cinéfilos de la red y otros blogs sobre cine, en los que se alaba que el precio de las entradas sea tan bajo. Algunos foreros creen que la venta de entradas será toda una odisea, ante la demanda de la gente para ver estas películas.

Jean Renoir, director de cine francés en los años 30 cuyo apellido le da el nombre a esta cadena de cines, no podía faltar en el aniversario. En este ciclo de películas, se estrenará un film exclusivo del director que no había visto la luz en España: Una partida en el campo, rodada en 1936.
La película será apadrinada por Fernando Trueba, director que también tiene un pequeño homenaje en este ciclo con la proyección de Belle Epoque, porque es una de sus favoritas.

Sin embargo, Trueba no será el único director que participe en este vigésimo cumpleaños, sino que serán muchos los que participen en diferentes encuentros y coloquios.

El aniversario de los cines, se completa además con la edición de un libro de tres tomos, con los resúmenes de todas las películas que se han exhibido en las sales Renoir en estos 20 años. Un libro del grosor de un listín telefónico, que resume la larga vida de los Renoir y su cine.

Chileno de nacimiento, pero madrileño desde pequeño, Alejandro Amenábar se ha convertido en uno de los directores españoles más influyentes del panorama cinematográfico nacional. Abordar su trayectoria profesional supone abordar un cine poco convencional tanto en la temática como en la estética de sus películas.

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“Mi cine no es un cine de preguntas, sino de respuestas”. Con esa frase, Alejandro Amenábar, director de origen chileno pero madrileño de corazón, abre su página web oficial.
Un cine que, aunque inusual, no ha pasado inadvertido a los espectadores de todo el mundo que, normalmente, alaban sus obras y esperan impacientes sus nuevos proyectos. Proyectos que, eso sí, van despacio. Pocos detractores y muchos seguidores son los que elogian a este director que, con pocas películas a sus espaldas, ha logrado conseguir el record de recaudación en taquilla en lo que a cine español se refiere.

La afición por el cortometraje

Alejandro Amenábar nació en Santiago de Chile en 1972. Para entonces, el marco político en el que se desenvolvía el país no era el más propicio para una familia como la del director. El gobierno de Salvador Allende, en poco tiempo empezó a almacenar detractores que hicieron que estallara un golpe militar que, finalmente, instauró una dictadura en Chile. Quince días antes de dicho golpe, la familia del director había emigrado a España, instalándose en Madrid.
En un principio, la adaptación del pequeño Alejandro en la capital de España, no fue un camino de rosas.

“Cuando llegué a Madrid, según cuentan mis padres, dejé de hablar durante un año, porque, aunque era muy pequeño, antes de mi llegada ya decía 'mamá' y 'papá'. Incluso me llevaron al médico... Ése es otro recuerdo de mi infancia: mi impotencia, sin saber muy bien por qué, para jugar con los otros niños en la calle. Ahora supongo que el motivo era que no me podía comunicar con ellos”.

En 1990, con 18 años, comienza sus estudios en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, en la especialidad de Imagen; pero la limitada práctica que otorgaba la carrera y el desánimo de proseguir con unos estudios que no le aportaban nada que le interesara, le llevan a abandonarlos frente al interesante panorama que le ofrecía la realización de cortometrajes.

“Desde el principio, yo deseaba dirigir, aunque no tenía claro lo que suponía. Fue quizá en el primer año de carrera cuando llegué a comprender su significado y cuando Mateo Gil y yo hicimos nuestro primer corto”.

Fue ya con 19 años cuando presentó su primer cortometraje La cabeza (1991), que le valió el galardón de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs (AICA). En él, inició su relación creativa con Mateo Gil, un compañero de clase de Amenábar que compartía su afición por la realización de cortometrajes y por la dirección escénica. Mateo Gil (Nadie conoce a Nadie (1999). Su siguiente trabajo, Himenóptero (1992), le valió el premio al mejor cortometraje en los festivales de Elche (Alicante) y Carabanchel (Madrid).

Es en 1994 cuando dirige y escribe su tercer cortometraje, y quizás el más reconocido de todos ellos, Luna , que le hizo poseedor del Premio Luis García Berlanga al mejor guión y el Premio de la AICA a la mejor banda sonora. Como haría después en sus películas, Alejandro ya ejercía las funciones de director, guionista, editor, actor y músico en sus cortometrajes, otorgándole un precoz prestigio cinematográfico. A la vez que escribía, rodaba y editaba sus trabajos, trabajaba como operador de cámara, editor y compositor musical en los cortometrajes de su amigo y colaborador Mateo Gil: Antes del beso y Soñé que te mataba.

Con los galardones y las buenas críticas que le supusieron sus tres cortometrajes, Amenábar encontró contactos valiosos en el mundo del cine y una modesta cantidad de dinero que le permitiría llevar a cabo su sueño más inmediato: rodar un largometraje.

Tesis: ópera prima

A partir de los tres cortometrajes anteriores, José Luis Cuerda (El bosque Animado(1987), La Lengua de las Mariposas (1999)), tras leer el guión de la que sería la ópera prima del director decide tomar el mando como productor del proyecto.
Tesis, que es el título de su primer largometraje, ve la luz en 1996, ante un público que ve con asombro una de las mejores historias que nos ha dado el cine español.
La película cuenta la historia de Ángela (Ana Torrent), una estudiante de periodismo que prepara una tesis sobre violencia en el mundo del cine y su impacto en la sociedad. Debido a una extraña casualidad, encuentra una cinta en los fondos fílmicos de la facultad, en la que encuentra el vídeo de un asesinato de la que fue una estudiante de la misma facultad y que, años antes, había desaparecido. Desde ese momento, su tesis cambiará, viéndose envuelta en una serie de situaciones que la conducirán a vivir escenas inesperadas.

“Había leído sobre las snuff-movies y lo único que tenía claro es que quería una historia que transcurriese en la facultad, donde todo está plagado de freaks a quienes les gusta el mundo de la imagen y donde todos los profesores estuvieran involucrados, profesores que fueran los 'malos'”.

En la película, además de la veterana Ana Torrent, protagoniza la cinta un desconocido, por entonces, Eduardo Noriega que se convirtió en uno de los descubrimientos del panorama cinematográfico español. Un actor que llegó por casualidad.

“Mateo Gil y yo nos habíamos hecho amigos de un tercer chico que se llamaba Carlos Montero y que también quería dirigir. Con el fin de hacer una prueba en su colegio mayor, puso un cartel pidiendo actores sin remuneración y aparecieron alumnos de la Escuela Superior de Arte Dramático, entre ellos un tal Eduardo Noriega al que conocí ese día. Yo lo veía muy soso, pero hizo una prueba con un texto de Woody Allen y fue el más natural y el que mejor se defendía”.

Tesis, fue un éxito de taquilla para el cine español, algo impensable para un director novel. La crítica a este thriller fue impecable, desde su estreno en la sección Panoramas del Festival de Berlín. Posteriormente, obtuvo siete premios Goya, entre los que destacaron los de Mejor Película, Mejor Guión Original y Mejor Dirección Novel.

Abre los ojos: camino del éxito

En 1997, apenas un año después del éxito obtenido con su ópera prima, su segundo largometraje se estrena en las pantallas españolas: Abre los ojos.
Abre los ojos supuso de nuevo un éxito para el cine español. Con esta película, el director borda la intriga psicológica añadiendo ingredientes de ciencia ficción, algo poco frecuente en las producciones españolas.

"Abre los ojos habla sobre la alienación. Sobre todas las alienaciones. ¿Qué sabemos de lo que nos rodea? ¿De cuántas maneras diferentes se puede percibir una misma realidad? En este sentido Abre los ojos es para mí, más que nunca, un reto en lo que respecta a la colocación de la cámara, al punto de vista a adoptar como director. Jamás había dudado tanto sobre mi papel como observador”.

Esta película es, de nuevo, protagonizada por, ya un consolidado, Eduardo Noriega que le hace merecedor de muchos premios y que impulsa su carrera como actor en nuestro país y fuera de nuestras fronteras; y por Penélope Cruz, que ya había actuado en películas de directores tan importantes como Bigas Luna o Pedro Almodóvar.
La película, se exhibió en numerosos festivales europeos y fue tal el éxito que Tom Cruise, maravillado por el argumento de la misma, compró los derechos para rodar un desafortunado remake (Vanilla Sky) que protagonizarían él mismo, junto con Penélope Cruz, recreando el mismo personaje que en la película original.

Los otros: proyección internacional

Gracias al acercamiento con Tom Cruise con Abre los ojos, y tras leer el guión de lo que sería su tercer largometraje, Tom decide producirla.
Los otros, es la tercera película del director y con la que se consolidó como uno de los mejores directores del panorama cinematográfico español.
En esta película, rodada íntegramente en inglés y protagonizada por una Nicole Kidman, genial en su papel protagonista, el director realiza una apuesta personal en su aproximación al género de terror (poco consolidado en España hasta entonces).

“Mientras estaba inmerso en el rodaje de Abre los ojos, con todo aquel baile de localizaciones y saltos en el tiempo, pensé que me apetecería explorar una propuesta radicalmente distinta, juntar un puñado de personajes en una sola localización y tirar la llave, crear tensión con la menor cantidad posible de elementos, hacer una película casi minimalista. También sentí que aquella historia debería ser de terror, terror del bueno, porque como gran seguidor que soy de este género, echo en falta películas de terror que, al menos, se tomen la propuesta en serio”.

La película se estrenó en la sección oficial del Festival de Venecia en 2001, y obtuvo el record de taquilla en España durante el fin de semana de su estreno, convirtiéndose en una de las películas más taquilleras de la historia del cine español. Obtuvo ocho premios Goya y recibió una nominación al Premio de la Academia de Cine Europeo en su categoría a la Mejor Película.

Mar adentro: la consolidación

Ha sido con su última película estrenada hasta la fecha, con la que Alejandro Amenábar, se ha alzado con el rango de uno de los mejores y más internacionales directores de cine de España.

Con su estreno en 2004, Mar Adentro ha roto barreras y ha impuesto unos límites muy difíciles de sobrepasar para directores venideros.
La película que narra la historia verídica de Ramón Sanpedro, puso al país entero en un debate político sobre la eutanasia, mientras Alejandro, afirmaba que no pretendía llegar a esos extremos, sino que lo que pretendía era contar una historia que le conmovía desde hacía mucho tiempo. Una historia que es un canto a la vida y a la muerte, segúna la experiencia de cada uno, sin entrar en subjetividades personales.
La película, protagonizada por un estupendo Javier Bardem, y Belén Rueda, en su primer papel en un largometraje, le supuso al director el record en premios Goya: 14 galardones que han hecho de sus películas, una de las mejores del cine español.

El Madrid más cosmopolita y más castizo se refleja en las pantallas de medio mundo con infinidad de películas que han contado con la ciudad como escenario. Todo aquel que quiera conocer Madrid puede darse una paseo por películas de producción actual que intentan reflejar el modo de vida en la capital.

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Madrid está tomando conciencia de personaje. Ha pasado de ser un espacio que servía como escenario a directores y actores, para convertirse en un personaje más, inundando a las películas del modo de vida de todos los que habitamos en la capital.

Muchas son las películas, desde los inicios del cine, en las que sale reflejada la ciudad de Madrid. Sus calles, plazas y monumentos les han servido a infinidad de directores de cine como escenario para contar sus historias.

Desde hace varios años, más concretamente en la década de los 80, los directores han intentado transmitirle al público el lado más cospomolita de la capital de España.
Si bien es cierto que, muchos de ellos, no han obviado los barrios obreros de la periferia en Madrid (en El Bola (2000) de Achero Mañas aparecía el barrio de Urgel, o en Barrio (1998) de Fernando León de Aranoa); la parte más moderna de la ciudad es la más elegida por el séptimo arte y la ideal para tener una primera toma de contacto con la ciudad.

El Madrid moderno

Los barrios de Chueca y Lavapiés son dos de los más modernos de la capital, por lo que no pasa desadvertido por los directores de cine. Dos barrios que han hecho del mestizaje y la vanguardia su estilo de vida propio y que no podía dejar indiferentes a los directores de cine del momento.

Toda la zona aledaña a las calles de Fuencarral y Hortaleza, en el barrio de Chueca, ha sufrido una gran transformación desde mediados de los 80. La comunidad homosexual hizo de ella su zona. Una zona en la que mostrar abiertamente las inquietudes, emociones y sentimientos sin complejos. Por esto, ¿qué mejor que zona para ambientar una película basada en la historia de un homosexual y sus relaciones con los demás?.
Ésta debió ser una de las preguntas que se hizo Miguel Albaladejo a la hora de rodar Cachorro (2004), llegando a la misma conclusión: el barrio de Chueca era perfecto para su película en cuanto a localización. La película de Albaladejo cuenta la historia de un dentista homosexual (José Luis García) que tiene que hacerse cargo por una temporada de su sobrino pequeño, ejerciendo de padre.

Lavapiés, otro de los barrios más modernos de la capital, ha servido a los inmigrantes como sitio de recreo y en el que afincarse y los antiguos vecinos del barrio, en lugar de contrariarse, les han dado la bienvenida, haciendo del barrio uno de los más bohemios de la capital, en el que el mestizaje no sobra. Descongélate (2003) de Félix Sabroso y Dunia Ayaso, es una comedia costumbrista, que retrata la vida de la familia Santos en dicho barrio.

En Noviembre(2003) de Achero Mañas, película en la que un grupo de amigos se dedica a hacer teatro independiente por las calles, Madrid toma conciencia de personaje. No es un espacio en el que los personajes conviven, sino que es tan importante su presencia como la de ellos mismos. El Paseo del Prado, la calle Preciados, los alrededores del Museo Reina Sofía y la Plaza Mayor, son algunos de los espacios que tienen cabida en esta película.


Amor y desamor en Madrid

Si de una cosa hay que estar seguro, es de la influencia de Madrid como escenario en las historias de amor y de desamor contadas en el cine contemporáneo español.
En El otro lado de la cama (2002), Emilio Martínez Lázaro, contaba la historia de un grupo de amigos madrileños que, rozando la treintena, convivían en un Madrid que, desde una posición privilegiada, observaba sus movimientos y era testigo directo de sus acciones. Un musical en el que aparece, por ejemplo, el Museo de Ciencias Naturales; en el que una pesada María Estévez se declaraba ante un aturdido Guillermo Toledo a ritmo de canción.

En Los peores años de nuestra vida (1993), el mismo director, junto con un jovencísimo David Trueba (Bienvenido a casa), Madrid también jugaba como espectador de un joven Gabino Diego, acostumbrado a pasear sus decepciones y fracasos amorosos por los pasillos del metro de la capital de principios de los noventa.

Antonio del Real, es otro de los directores que elegía la capital para desarrollar una comedia romántica. Cha cha chá (1998), protagonizada por María Adánez y Eduardo Noriega, la película refleja muchos de los sitios de moda para la juventud madrileña. En ella, es famosa la escena en la que los personajes de Noriega y Jorge Sanz, se dan un baño en la fuente de la Cibeles.

Tres directores en Madrid

A la hora de hablar de Madrid, sin embargo, no podemos obviar tres directores españoles que han reflejado la cotidianidad de la capital en la mayoría de sus películas.
Hablar de cine en Madrid es hablar de Pedro Almodóvar. Con Almodóvar, hemos asistido a una verdadera excursión por los sitios más emblemáticos de Madrid, y también por los más inhóspitos. Hemos podido entender la famosa “movida madrileña” de los 80 a través de sus películas y nos hemos dejado llevar por los barrios más marginales de la capital.
Un Madrid muy variado que, el director manchego, no ha permitido que pasara inadvertido:

“Madrid es tan inabarcable como un ser humano. Tan contradictoria y variada. Lo mismo que las personas están hechas de miles de facetas [...] esta ciudad contiene para mí mil ciudades en una. Muchas de ellas han aparecido en mis películas. Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del montón (1980) combinaba lo rústico con lo metropolitano. Sus personajes lo mismo hacían punto sobre una mesa camilla que se iban de petardeo a la discoteca más petarda. Los exteriores manifestaban esa polarización: las esquinas del barrio de Prosperidad, el perfil neoyorquino de Azca, los bajos de Princesa, el Rastro... En Laberinto de Pasiones (1982) ya proponía un Madrid explosivo y cosmopolita, centro neurálgico del mundo. Puterío y recogimiento en Entre tinieblas (1983) en un convento de la calle Fuencarral. La desolación del barrio de la Concepción en ¡Qué he hecho yo para merecer esto! (1984). El insondable viaducto de las Vistillas, la Casa de Campo y el matadero de Legazpi en Matador (1985). La noche estival llena de sudor, terrazas y meaderas en La ley del deseo (1986). Y un Madrid recién maquillado, con la telefónica y la Gran vía al fondo en Mujeres al borde de un ataque de nervios (1987)”
(“Venir a Madrid”, Diario 16, 1989).

Otras películas, posteriores al artículo que el cineasta publicó en 1989, como La flor de mi secreto (1995) o Carne Trémula (1997), también se han encargado de mostrarnos paisajes madrileños como la calle Alcalá, la Plaza Mayor o el castizo cementerio de la Almudena.

Álex de la Iglesia es otro de los directores que más ha influido en el público madrileño y que se ha encargado de mostrarnos un Madrid disparatado. El día de la bestia (1995), supuso su consagración como director. En la película, todo el mundo recuerda la escena en la que Santiago Segura se cuelga del anuncio de Schweppes en la Plaza de Callao. Pero De la Iglesia fue mucho más allá, cuando enfrentó al personaje interpretado de Álex Angulo con el mismísimo diablo, en las mismísimas Torres Kío (que aún se encontraban en construcción).
En La Comunidad (2000), su tercer largometraje, el director nos mostraba una visión aérea de Madrid, a través del personaje de Carmen Maura que, perseguida por sus perturbados vecinos, trataba de escapar saltando de tejado en tejado.

El último de los cineastas que ha reflejado un Madrid extraño ha sido Alejandro Amenábar que, en su primera película, Tesis (1996), contaba la historia de unos estudiantes de Imagen y Sonido de la facultad de Ciencias de la Información de la Complutense de Madrid que coqueteaban con las "snuff movies".
Pero fue en su segunda película, Abre los ojos (1997), en la que un Eduardo Noriega paranoico corría por la Gran Vía madrileña con el estupor de encontrar todo en un vacío absoluto.
Una de las escenas que, el director, ha logrado grabar en nuestras retinas, mostrándonos un Madrid cinematográfico e inquietante.

El verano es una de las épocas favoritas por las productoras para estrenar los bombazos de taquilla del año. Junto con las navidades, el período estival es el momento de los grandes éxitos (y también de los grandes fracasos) de la cartelera. ¿Te gustaría saber con qué acompañar a las palomitas este verano?

María Porcel Estepa/Madrid

Los estrenos de la temporada primavera/verano de 2006 son muy dispares. De ciencia ficción a melodrama, de estrellas consagradas a cine independiente, hay mucho cine por ver este verano. Lo que más vamos a ver son las secuelas de películas que triunfaron otras temporadas, en especial las terceras partes de algunas.Con unas a punto de estrenarse, otras a algunas semanas, y otras para las que tendremos que esperar casi hasta septiembre, aquí destacamos los estrenos que más suenan.

MISSION: IMPOSSIBLE III

Ya en los cines

Con todo el empeño que ha puesto Tom Cruise en su promoción, es evidente que la tercera película de la taquillera saga no iba a pasar desapercibida. Y eso que de la película se sabe bien poco, tan sólo que el agente Ethan Hunt tendrá que enfrentarse a rivales q se lo pondrán bien difícil.


Junto a Cruise estarán actores como Philip Seymour Hoffman (Capote), Laurence Fishburne o la televisiva Keri Russell (Felicity). Estrenada ya en nuestro país, se ha colocado en su primera semana como número uno en taquilla con casi tres millones de euros de recaudación. Incluso la página web de la película es una de las más visitadas acerca de cine en la Red.


Un fotograma de la película con Tom Cruise y Keri Russell

EL CÓDIGO DA VINCI

Estreno 19 de mayo

Una de las películas más esperadas. Desde que apareció el best-seller de Dan Brown, muchas eran las voces que aclamaban una película sobre esta historia de misterios, acertijos, sectas y religión. A principios de 2004 se confirmó, y en noviembre del mismo año Tom Hanks se convirtió en el protagonista definitivo.

Ahora protagoniza la cinta junto a Audrey Tautou (Amèlie) en el papel de Sophie (papel que se habían disputado actrices como Julie Delpy o Sophie Marceau) y Jean Réno (Godzilla, Los ríos de color púrpura) como el inspector Bezu Fache. La polémica está servida, ya que multitud de organizaciones católicas han asegurado que intentarán boicotear el estreno de El Código da Vinci y que incluso harán huelgas de hambre.


X-MEN III: LA DECISIÓN FINAL

Estreno 26 de mayo

Las películas de superhéroes están viviendo uno de sus mejores momentos. Y el caso de la saga de X-Men es paradigmático: ya van por una tercera entrega con muchos y conocidos actores y una gran acogida de taquilla. En esta tercera cinta, estos superhombres podrán elegir entre seguir con sus poderes o converitirse en seres humanos normales, lo que podría causar un gran guerra.



Lo mejor de la cinta es que está plagada de caras conocidas que no han dudado en unirse (para muchas de ellas es volver a reunirse) en una cinta cargada de efectos especiales. Entre otros, podremos ver a Hugh Jackman(Van Helsing, Kate&Leopold), Halle Berry (Monster's Ball, Catwoman), Ian McKellen (El hombre que vino del mar, saga de El señor de los anillos), Anna Paquin (El Piano) o Rebecca Romijn (Femme fatale, Rollerball).

LA PROFECÍA

Estreno 6 de junio

Hasta la fecha de esta película está pensada para infundir miedo: 6.6.06. Y su página web oficial ofrece un trailer que dura exactamente 66 segundos.

El argumento de la película es sencillo: el retorno del anticristo, que ha venido al mundo como un bebé que unos nobles adoptarán sin saber que el pequeño encierra en su interior a un futuro Satanás. Una película que ya está creando expectación, y que cuenta en su reparto con Mia Farrow (La semilla del diablo, Hannah y sus hermanas) o Julia Stiles (La sonrisa de Mona Lisa, El caso Bourne).

Fotograma del niño de La profecía

CARS

Estreno 5 de julio

Esta es la película de animación del verano. Dibujos, coches de carreras, búsqueda de la amistad, un viaje por la mítica Ruta 66... Cars tiene todas las papeletas para convertirse en uno de los bombazos de la Pixar para este año.

En EE.UU. ha tenido mucho éxito, y lo cierto es que sus dobladorres origianales eran gentes de la talla de Owen Wilson, Bonnie Hunt o el mismísimo Paul Newman. Aquí en España, la importancia de unas buenas voces era vital, por lo que se ha contado con estrellas del deporte (Fernando Alonso, Nani Roma, Marc Gené, De la Rosa...) y también del periodismo (Pedro Piqueras, Hilario Pino, Lorenzo Milá, Inmaculada Galván). El tema principal será interpretado por El Sueño de Morfeo, y el trailer de la película está en la red.

El cartel de la película

SUPERMAN RETURNS

Estreno 12 de julio

El regreso de Superman se venía escuchando desde meses atrás. Al final se ha retrasado más de lo previsto, ya que la elección del cásting ha sido muy complicada. Para el papel estelar de Clark Kent se ha optado por un joven actor prácticamente desconocido, Brandon Routh. Antes que él se barajaron nombres como Brendan Fraser o Josh Hartnett. Pero se prefería que bajo el actor se dejara ver el cómic, y no a una cara conocida.

Lex Luthor, el malo malísimo de la saga, será interpretado por Kevin Spacey, una apuesta casi segura desde el principio. Además, el fue quien recomendó a Kate Bosworth (El hombre que susurraba a los caballos, Beyond the Sea) para el papel de Lois Lane, que también fue muy disputado por Elisha Cuttbert (Love Actually) o Claire Danes (Mujercitas, Romeo&Julieta).

Los actores principales han firmado un contrato para hacer dos películas más. La que se estrena ahora, pese a ser la quinta filmada y denominarse Superman Returns, se ubica cronológicamente tras Superman II. Además, en ella aparecerá el fallecido Marlon Brando como el padre de Superman, todo gracias a una técnica en la que se usarán imágenes de 1978.

POSEIDÓN

Estreno 26 de julio

Poseidón será, casi sin ninguna duda, la película del verano y una de las más importantes del año. Este film es un remake de la cinta La aventura del Poseidón , del año 1972. El argumento de ambas es el de un lujoso y enorme crucero que en plena travesía es golpeado por una ola gigante, y las peripecias que vivirán sus pasajeros para conseguir salvarse.


En este fotograma se observa como la gran ola llega hasta el barco

El reparto de la película está encabezado por Kurt Russell (Tango y Cash, Dark Blue), Josh Lucas (American Psycho, Hulk), Richard Dreyfuss (American Graffiti, Tiburón), Emmy Rossum (Mystic River, El fantasma de la Ópera) y Mike Vogel (Dicen por ahí...). Además, la cantante del grupo Black Eyed Peas, Fergie, aparecerá en la película interpretando a la cantante de la orquesta del barco.


PIRATAS DEL CARIBE II: EL COFRE DEL HOMBRE MUERTO

Estreno 11 de agosto

La secuela de la exitosa La maldición de la Perla Negra no es la única que nos queda por ver. Y es que la tercera parte llegará a los cines en verano de 2007. El bombazo de la Disney ha conseguido reunir de nuevo a sus tres protagonistas principales: Johnny Depp (Eduardo Manostijeras, Charlie y la fábrica de chocolate), magnífico como el capitán Sparrow, Orlando Bloom (Saga de El señor de los anillos) y Keira Knightley (Quiero ser como Beckham, Love actually). También volverá el temible Capitán Barbossa, interpretado por Geoffrey Rush (Shakespeare in love, Elizabeth).

El argumento es muy similar a la de su primera parte. En esta, el capitán Sparrow se verá de nuevo muy cerca de la muerte por una antigua deuda con un capitán. Para salvarse, necesitará de sus amigos Will y Elizabeth, a los que estropeará sus planes de boda. Toda una aventura de la que mientras tanto podéis disfrutar gracias a su cuidada página web.

El cartel original de Piratas del Caribe II


Si quereis consultar otros estrenos de actualidad, podéis consultar en distintas páginas web de cine, como CineOl o Estrenos de Cine.

El director evoca en su ópera prima a todos los españoles que fueron emigrantes españoles durante la década de los 60, buscando una vida mejor fuera de nuestras fronteras. La historia que narra es la de su propia familia.

SRS| Madrid

Carlos Iglesias acaba de estrenar en los cines Un franco, 14 pesetas, su primer largometraje como director y que, en tono de tragicomedia, homenajea a todas aquellas familias de emigrantes españoles que huyeron de nuestro país durante la posguerra, para ganarse la vida fuera de nuestras fronteras, como lo hiciera su propia familia. La película, de hecho, narra la historia de sus padres y la suya propia.

Dejando los motivos sentimentales aparte, una de las razones de Carlos Iglesias para emprender el proyecto fue la de no perder la memoria histórica y hacernos ver a los espectadores la importancia que tuvieron aquellos cuatro millones de emigrantes que se marcharon de nuestro país durante la década de los 60. Para ello, y para dotar a la película de un rigor histórico certero, el director se entrevistó con más de setenta familias, aparte de las conversaciones con su padre, que habían vivido una situación similar.

La película cuenta la historia de Martín, un hombre que vive en la España de los 60, y que al perder su trabajo en una fábrica, se ve obligado a emigrar a Suiza junto a su familia y un amigo. Tras seis años en Suiza, la muerte del padre de Martín les devuelve a España, por lo que tendrán que cambiar la belleza de los valles, las montañas y las casas de Suiza, por un barrio hostil y grotesco de la periferia de Madrid.

La película la protagoniza el propio Carlos Iglesias, que sólo había tenido un papel protagonista en cine en El caballero Don Quijote y en la serie que le hizo popular Manos a la obra. Completan el reparto Javier Gutiérrez, famoso por su participación en El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo y en la serie de televisión Los Serrano; Nieve de Medina, a la que pudimos ver en Los lunes al sol; Isabel Blanco y Eloísa Vargas, la esposa del director.

Página web oficial de la película

Esta semana se ha estrenado en los cines Remake, una película de Roger Gual, que habla de la lucha generacional entre padres e hijos en tono de comedia.

SRS| Madrid

Roger Gual, director catalán de 33 años, que se estrenó como tal en Smoking Room, ha vuelto a la carga con su segundo largometraje Remake; un proyecto demasiado ambicioso al abordar un género y una temática que se aleja de lo comercial; una película independiente y para independientes. Aun así, según palabras del propio director “hacer una segunda película es mucho más complicado que hacer una primera. No por problemas de financiación, sino porqué supongo que es inevitable tener un listón puesto, y se hace muy difícil no comparar. Siempre se puede decir: era mejor la primera. En mi caso, era inevitable hacer una segunda. Simplemente lo necesitaba y en algún momento había que correr el riesgo”.

Remake se mueve en dos tiempos. Por un lado, los años 70, cuando en una especie de masía aislada en la montaña, un grupo de jóvenes amigos deciden instalarse en ella para huir de los standars de la sociedad y montar un sistema paralelo que les permitiese vivir de una forma más libre. Por otro lado, la película nos enseña el reencuentro de estos jóvenes, treinta años después, con motivo de la venta de la masía por parte Max, el único de ellos que nunca abandonó la comuna. En el reencuentro participan también los hijos de cada uno de ellos. Los mayores pasaran la noche recordando viejos tiempos, viendo videos en súper 8; mientras que los jóvenes –que vivieron en la masía cuando eran niños- proponen hacer un “remake” de las películas encontradas.

El reparto es de lujo con actores de la talla de Juan Diego, Silvia Munt, Eusebio Poncela, Mario Paolucci, Gustavo Salmerón, Álex Brendemühl y Marta Etura.

SRS | Madrid

Con Los peores años de nuestra vida en la que intervino como guionista, David Trueba, hermano menor del prestigioso director de cine Fernando Trueba, triunfó en el género de la “comedia amarga”, término que él inventa para definir aquellas películas en las que la comedia se mezcla con el drama. En su nueva película, Bienvenido a casa, el pequeño de los Trueba repite con este género que tantos elogios le supuso hace ya más de una década con aquella película en la que hablaba del paso de tres personajes, de la adolescencia a la madurez.

Esta vez, son dos los personajes que sufrirán esta angustiosa transformación. Bienvenido a casa cuenta la historia de un joven fotógrafo que se traslada a vivir a Madrid para convivir con su novia e independizarse de sus padres. Gracias a una recomendación de su madre, encuentra trabajo en una revista. La nueva vida en Madrid junto a su novia, la extraña relación que guarda con su madre y los nuevos compañeros de trabajo, conformarán un entramado del que no sabrá escapar.

La película está protagonizada por dos jóvenes actores que tan de moda se están poniendo últimamente: la ya consagrada Pilar López de Ayala, que ya había intervenido en papeles de jovencita problemática como en la película (ya casi de culto) Báilame el agua o en la serie Al salir de clase; y el televisivo Alejo Sauras, también salido de la cantera de esta serie cazatalentos.
Además la película cuenta con la participación de otros actores entre los que destacan Jorge Sanz y Ariadna Gil (fetiches del director y protagonistas de Los peores años de nuestra vida), Juan Echanove, Concha Velasco, Carlos Larrañaga y Vicente Haro.

Sin embargo, y aunque pueda parecer lo contrario, esta película no es sólo una película hecha por y para adolescentes. Es una comedia con tintes amargos y con una temática seria. Tanto es así que muchos críticos ya la han comparado con muchas de las películas escritas por el guionista Rafael Azcona. "Yo reconozco que he querido hacer una película con muchos actores, con todos hablando a la vez, por seguir la estela de Berlanga y Azcona, que la he envuelto en una historia de amor más sentimental", afirma David Trueba a colación de estas comparaciones.

Bienvenido a casa probablemente no será la mejor película del director (recordemos que su anterior película Soldados de Salamina fue escogida candidata por la Academia para representar a España en los Oscars de Hollywood), pero sí que puede ser una magnífica opción para pasar un rato entretenido en las salas de cine. No dejen de verla.

Más información en la web oficial de la película
Página oficial de David Trueba

Tras el éxito que obtuvo con sus películas históricas Juana la loca y Carmen, Vicente Aranda estrena su nuevo film Tirante el blanco.

SRS | Madrid

Hacía ya tres años que no se estrenaba una película de Vicente Aranda, director catalán que nos ha conquistado en cada una de las historias que ha narrado. El motivo no ha sido otro que el rodaje de su nuevo film Tirante el blanco que ha mantenido al director apartado del ámbito público.

Un rodaje que ha supuesto un “largo camino hacia la búsqueda de uno de los géneros más difíciles que se puedan narrar: la épica. No es una película militarista, ni siquiera histórica, sino que en ella se encierran otras temáticas más profundas como el amor, la amistad, los celos, la pasión, la rabia y el sexo”, según palabras del director.

Tirante el Blanco cuenta la historia de cómo el afamado caballero Tirante recibe el encargo del Emperador de Bizancio para que le libere del asedio que los turcos están infligiendo a la ciudad de Constantinopla. Tirante no defrauda a las esperanzas que ponen en él los Emperadores. Se trata de vencer y vence. Y será a partir de ese momento, cuando tenga que vencer otra batalla: la de enamorar a Carmesina, hija de los Emperadores, para obtener su poder y con él, su Imperio. Pero esta batalla no será tan fácil de librar, al oponerse ésta a entregarle lo que para ella es lo más preciado con lo que cuenta: su virginidad.
Amor, encuentros y desencuentros, celos, obsesión, amargura, dolor y mucho sexo, son los ingredientes que nos ofrece esta película que no se aleja tanto al estilo de Vicente Aranda.

Pero no solo la trama es extensa. El reparto que protagoniza la cinta también lo es. Tirante es Caspar Zafer, actor británico poco conocido en nuestro país; Carmesina es Esther Nubiola, actriz catalana que algunos recordaréis por su papel de Berta en Krampack de Cesc Gay; y Placerdemivida es Leonor Watling, actriz española que cuenta con un largo recorrido en su carrera cinematográfica con títulos como Hable con ella o Mi vida sin mí. Completan el reparto Ingrid Rubio, Charlie Cox, Victoria Abril, Giancarlo Giannini, Jane Asher, Sid Mitchel y Rafael Amargo.

Más información en la web oficial de la película
Filmografía de Vicente Aranda

SRS/ Madrid

Esta semana se ha estrenado en las salas más importantes de toda España Azuloscurocasinegro, ópera prima del debutante Daniel Sánchez Arévalo.

Azuloscurocasinegro, según las propias palabras del director, es “un estado de ánimo, un futuro incierto, un color. Un color que a veces no reconocemos, que dependiendo bajo qué luz, qué prisma y qué actitud se mire, cambia. Un color que nos recuerda que muchas veces nos equivocamos y, a veces, las cosas no son del color que las vemos”.

En la película, Sánchez Arévalo ha contado con la colaboración tanto de actores noveles como Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo y Eva Pallarés; como de actores veteranos como Marta Etura, Antonio de la Torre y Héctor Colomé.

Azuloscurocasinegro cuenta la historia de Jorge, un estudiante que se ve obligado a hacerse frente del negocio de su padre al sufrir éste un infarto cerebral. Con el paso de los años, Jorge intenta compaginar sus estudios, con su trabajo y el cuidado de su padre; pero también centra sus esfuerzos por encontrar un trabajo mejor. A través de su hermano, conoce a Paula, con la que empezará a mantener una relación inusual y hará que Jorge deje de sentirse como responsable de todo y enfrentarse a sus deseos, sin importarle lo que los demás esperen de él.

Daniel Sánchez Arévalo, metió la cabeza en el mundo del cine gracias al terreno de los cortometrajes. De él, directores como Achero Mañas, Julio Medem o Fernando León de Aranoa han llegado a decir que es uno de los mejores del género. Con su cortometraje Express, que presentó para Notodofilmfest.com, arrasó en los premios del jurado y desde ahí, no ha parado de rodar cortometrajes alabados por la crítica. Su corto Física II estuvo preseleccionado para los Oscars 2005, y recientemente ha dirigido La culpa del alpinista, con guión de Julio Medem.

Gracias a este salto del cortometraje al largometraje, podemos disfrutar de una película íntima, cercana y en la que se entremezclan el llanto y las sonrisas. Disfrutar de un color incierto: azul oscuro, casi negro.

Más información en la página web oficial de la película
Blog del director de la película, Daniel Sánchez Arévalo

Los aires difíciles, el último film de Gerardo Herrero basado en la novela de Almudena Grandes, gana la Biznaga de Oro del Festival de Málaga.


María Porcel Estepa/ Madrid
La última película de Gerardo Herrero sabe mostrar la condición humana, la dificultad que puede suponer algunas veces el simple hecho de vivir. Y eso parece haber visto en ella el Jurado del IX Festival de Cine de Málaga. Presidido por el actor Imanol Arias, este órgano confiesa su dificultad este año a la hora de elegir los premios.

“De lo único que no dudábamos”, asegura Imanol, “es de que la Biznaga de Plata a la Mejor Actriz debía ir a parar a Silvia Abascal.” La impresionante actuación de la actriz por su papel en la película La Dama Boba, inspirada en el clásico libreto de Lope de Vega, bien le valía el premio. Como mejor actor, el premio ha recaído en manos de Jaun Diego por sus dos films El Triunfo y Remake.




Imagen de la Biznaga, el original premio del Festival de Cine de Málaga


Las películas de directores noveles también han salido muy bien paradas de Málaga. Las dos que se presentaban, Un franco, 14 pesetas, un film de bajo presupuesto que trata acerca de unos emigrantes españoles en Suiza, de Carlos Iglesias, y la aclamada azuloscurocasinegro, de Daniel Sánchez Arévalo, sobre un joven que lucha por salir de su vida en una portería de barrio, se han colado al final en el palmarés. Según el Jurado, cualquiera podía haberse llevado el máximo galardón.

Gerardo Herrero lleva al cine la adaptación de la novela de Almudena Grandes


María Porcel Estepa /Madrid

Gerardo Herrero apuesta de nuevo por Almudena Grandes. Si ya llevó a la gran pantalla Malena es un nombre de tango, uno de los primeros grandes éxitos de la escritora madrileña, ahora deja que se cuelen los aires del sur en su adaptación de Los aires difíciles. Y una adaptación muy lograda, pues cuenta para el guión con la colaboración de Ángeles González Sinde, premiada guionista y directora.



Cartel de la película


En el film se recrea el universo en el que Almudena sitúa a sus personajes, pero con las inevitables necesidades de espacio y tiempo que exige el celuloide. Y es que no es fácil condensar una novela de varios cientos de páginas en dos escasas horas. Por eso el director prefiere centrarse en una de las tres principales historias que se cruzan en el libro, para poder explicar una historia que la Grandes narra con un compás inigualable.

Así, Herrero se centra en el personaje de Juan (José Luís García-Pérez), un médico madrileño maltratado por el pasado que decide escapa de él marchándose a la costa gaditana con su sobrina y su hermano discapacitado. Tras él deja la capital y su pasado, en el que mucho tenían que ver su hermano y su cuñada fallecidos (Roberto Enríquez y una genial Pilar Castro). En torno a él Sara (Carme Elías), una vecina de Cádiz también huida de Madrid; y Maribel (extraordinariamente limpia y fuerte en su papel Cuca Escribano), su asistenta, una mujer franca y vital, con su hijo pequeño, se harán mutua compañía y vivirán el presente sin más.



Fotograma de Los aires difíciles


Aunque las dos mujeres no salen en el film demasiado bien reflejadas, más por falta de tiempo en pantalla que por interés, la autora lo comprende. “Cuando un director lleva a la pantalla una de mis obras, prefiero que sea bonita a que sea fiel”, asegura Almudena Grandes en una entrevista concedida a El País. La película no es el libro, evidentemente, y no consigue retratar con la profundidad con que lo hace la autora todo el universo de los personajes, así como sus tramas y sus relaciones. Pero consigue acercarnos más que bien a una historia bella y profunda, sencilla y compleja, que no es más que una verdadera historia vital, pasional, sorprendente y conmovedora.

Gerardo Herrero ha quedado muy satisfecho con la adaptación, igual que Almudena. Ambos preparan ya la adaptación a la pantalla de otras dos obras de la autora Atlas de Geografía Humana, que será en pantalla Geografía humana, que dirigirá esta vez Azucena Rodríguez; y Castillos de Cartón, dirigida por Salvador García Ramos con guión de Enrique Urbizu. Herrero producirá ambas.


Los aires difíciles está en cines de toda España desde el viernes 24 de marzo.
Los aires difíciles está editada por Tusquets Editores.

Desde hoy y, semana tras semana, en Pincho de Cine vas a encontrar todo lo relacionado con el cine del momento.
Estrenos, proyectos y cualquier tema relacionado con el mundo del celuloide lo podrás encontrar en este nuevo blog creado por y para cinéfilos y amantes del séptimo arte.

Desde aquí esperamos que nuestros pinchos sean de vuestro agrado y... ¡que empiece la degustación!