Armas de mujer fatal
Enigmática, ambigua, deseada y odiada a la vez, pocos personajes han atraído tanto en la gran pantalla como la femme fatal. Un personaje que ha existido desde los inicios del cine, alcanzando su máximo esplendor con el cine negro americano de los años 40 y 50, pero cuya esencia ha perdurado hasta el cine actual. A éstas dedicaremos este estudio.
El personaje de la mujer fatal fue una de las novedades más importantes del cine negro norteamericano. Su poder de seducción y su fantástico cuerpo, no fueron las únicas armas de la femme fatale.
Sus técnicas: la pasión y la mentira.
La femme fatal pretende provocar, intrigar, mentir y manipular al hombre con su mejor arma, su cuerpo. Utilizando la belleza y la sexualidad, buscará beneficios de ascensión social: el poder, el dinero, el lujo.
Por todo esto, generalmente se encuentra fuera de los límites de la familia nuclear y se opta por el triángulo amoroso como la fórmula más adecuada y, por tanto, repetida en este tipo de películas. Su fina sensualidad y sus pérfidas miradas llaman la atención de todo el que la mira y se permitiran el lujo de utilizar un arma, fumar, cantar, conducir intrépidamente, desear el dinero sin pudor, etc. Y es que la femme fatale empleará las apariencias como mejor forma de engaño: primero bajo un aspecto amable con repetidas caras de ángel, pero en el momento de hacer emerger el rostro negativo surge la parte devastadora que se esconde tras cada gesto.
En referencia a esto es destacable como las facciones del rostro pueden resaltar claramente la intención de la mujer fatal en cada situación. Quizás el caso más célebre es el de la Joan Bennett de “La mujer del cuadro”, en la secuencia en la que intenta envenenar a un chantajista avaricioso, usa su sensualidad para seducirlo dulcemente, pero cuando éste las ignora, contrae todos los músculos de la cara, como si se tratara de una escena de cine mudo.
En el cine negro se relacionará su inteligencia con el fatalismo. Frecuentemente se emplean unos métodos establecidos, que se repiten en las novelas y películas de este género. En primer lugar se parte de una mujer atada con un hombre adinerado cuya presencia no puede soportar y del que desea librarse. Un día aparece otro hombre en su vida, un hombre inseguro, dubitativo o incauto incapaz de resistir la tentación que esa mujer supone. En este momento la pasión y las armas de seducción juegan su papel más importante para que la fatal logre su objetivo: desacerse del hombre al que se siente atada. Todas las pruebas implicaran a este segundo hombre como culpable, aunque pudo no cometer el delito del que se le acusa, pero del cual resultó cómplice voluntario o involuntario. Cuando todo se descubre ya es tarde en este mundo de mentiras y seducción donde el sexo se convierte en un elemento central de la narración.
Aunque los esquemas varíen la mujer fatal suele actuar siempre del mismo modo. Por poner un ejemplo destacamos “Cara de ángel” de Otto Preminger con la actriz Jean Simmons encarnando a la malísima Diane Tremayne. Con cara de ángel, Diane tiene un objetivo claro, ejecutar un minucioso plan que elimine a la nueva esposa de su padre. Para deshacerse de la madrastra, Diane se sirve de Frank Jessup (Robert Mitchum), al que conseguirá tener totalmente controlado utilizando sus poderosas armas de seducción. Frank, fracasado conductor de ambulancias, se deja deslumbrar por la magia encantadora de Diane y, nublada su mirada, decide seguir los pasos de su diosa. Diane, maneja a Frank con la astucia de hacerle creer que podrá retomar una exitosa carrera de piloto que, con el estallido de la guerra, hubo de abandonar. Diane, conoce el deseo más apreciado por Frank por lo que lo utilizará aprovechando su inocencia para conducir este vigor hacia objetivos particulares.
Un arma: el agua
Los franceses, como hemos afirmado denominan a este arquetipo de mujer Femme fatale, pero no es la única denominación. En EEUU, se emplea el término Spider woman. Anteriormente hemos relacionado esta expresión con la araña, como animal que atrapa a su presa, pero la araña no es la única raíz del término. Spider Woman es el resultado de la relación entre la araña y el pulpo, dos animales que atrapan las presas con sus lazos destructores. Pero el cine negro tiene más referencias al universo oceánico. Pongamos algunos ejemplos clásicos.
La protagonista de “Callejón sin salida”, Coral Chandler, compone su nombre y apellido con el significado de dos palabras del universo oceánico (coral y velero). Así mismo, la Vivian Sternwood de “El sueño eterno” lleva en la primera parte de su apellido la palabra popa, y Phyllis de “Perdición” hace referencia a la trágica historia de Filis, personaje mitológico que acaba suicidándose en el mar cuando sospecha que su amante no volverá a buscarla.
Pensemos, también, en la importancia que llegan a tener todos los símbolos negativos de las profundidades marinas en “La dama de Shangai”, en la que la protagonista se llama Circe, la hija del Sol y de Perseis, hija, entonces, del Océano, que encanta con sus brebajes a los marineros de la Odisea. O recordemos a Lana Turner de “El cartero siempre llama dos veces”,que aprovecha en un baño nocturno en la playa, en dominios de aguas negras, para inducir al amante a asesinar a su marido. Burt Lancaster, en la última escena de “El abrazo de la muerte”, representa claramente la masculinidad atrapada en las redes de la mujer y el océano. La mujer fatal y una imperturbable masa oceánica, en una casa que da al mar, está atrapado por el abrazo de Yvonne De Carlo. Burt Lancaster muere preso de la mujer fatal y del mar que a su espalda se aprecia oscuro y amenazador. Entre aguas, esta figuración femenina demostrará su capacidad para controlar perfectamente al hombre.
Pero la relación con el mar se entablará también indirectamente. La cabellera femenina, con el pelo al viento, ondulándose como olas de mar, será una de las mejores armas de la Femme fatale. Coral Chandler, por ejemplo subraya su imagen de feminidad fatal con el movimiento ondulado de su cabellera que simula el movimiento de las aguas turbulentas. Una cabellera que se ondula y que podemos encontrar en multitud de figuras femeninas del cine negro, pero quizás la más significativa será la de Barbara Stanwick en “Perdición”. Presentada como una sirena que acaba de salir del baño, con un peinado exageradamente ondulado, su cabellera se mueve casi llegando a la inverosimilitud en la escena en la que, más tarde, ella muestra toda su perversidad como resucitando a la Medusa que en vez de pelo tenía serpientes y petrificaba al enemigo con la mirada.
Ondulaciones que también se representarán en los cuerpos, que poco a poco se enfundan en ropa estrecha para acentuar la seducción femenina.
Claro ejemplo es Marilyn Monroe en “Niágara” que rompe con la moda vampiresca del color negro para exhibir un insinuante vestido fucsia, que lleva a su marido a un violento ataque de celos. En este film también encontraremos referencias al agua concretamente bajo la forma de las cataratas que encarcelan al protagonista. Georges Loomis al inicio de la película ya se representa como un punto insignificante en relación con la magnitud de las aguas que caen violentamente. Y el protagonista lo deja remarcado: “¿Porqué me habrán arrastrado hasta aquí las cataratas a las cuatro de la mañana? ¿Para demostrarme lo grandes que son ellas y lo pequeño que soy yo”.
Música y perversidad
La música, elemento fundamental para crear la tensión del cine negro, se convertirá en una nueva arma de mujer fatal.
En “Perversidad” Rip Murdock necesita para investigar la misteriosa muerte, servirse del oído para identificar a la femme fatale. Rip oye la voz de Coral Chandler antes de tener imagen de ella. Nada más llegar a un bar con motivos marinos pintados en los muros, se sienta frente a la barra y, con la copa entre las manos, oye una voz femenina que le atrapa hasta el punto de no mirarla inmediatamente, retiene la mirada. En este momento, como si se tratase del canto de una sirena, Rip ya no podrá librarse de la femme fatale.
“¿Quieres escuchar un consejo? Deja de escuchar este arpa dorada, Swede. Te creará muchos problemas...”. Estas son las palabras que un amigo dirige al protagonista de “Forajidos” para advertirle del peligroso atraco en el que se inmiscuirá sólo por estar cerca de Kitty Collins.
En “Cara de ángel”, la música, en este caso surgidas en este caso de los dedos de Diane Tremayne, volverán a convertirse en el canto de sirena, la llamada mortal para Frank Jessup. El protagonista, después de socorrer a la madrastra de un misterioso accidente, está a punto de salir de la mansión, pero la música de Diane, le hace retroceder para encontrarse con la mujer que le reclama. Son los mismos compases que, más tarde, acompañan el siniestro plan que Diane ha urdido para asesinar a su madrastra. Diane utiliza la música que interpreta como si se tratase de un auténtico ritual.
Y una última referencia a la importancia de la música sería el caso de Edward G. Robinson en “Perversidad” que descubre que su querida tiene un amante, justo en el momento en que un disco de vinilo gira, acompañando los abrazos de los dos jóvenes amantes. Pero el disco se ralla y repite, una y otra vez, la misma frase musical. Como la música rallada del disco de vinilo, las palabras de amor oídas cuando los descubrió suenan incansablemente en la mente de Edward G. Robinson.
El hombre.
Por su parte, el arquetipo masculino se revela desprovisto de la energía que le es habitual. Podemos fijarnos en un vulgar vendedor de seguros como Fred MacMurray en “Perdición”, en un vagabundo dubitativo, como John Garfield en “El cartero siempre llama dos veces”, en el insignificante Edward G. Robinson de “Perversidad” o en un inseguro Joseph Cotten en “Niágara”.
Seductoras, farsantes, mortíferas desde el primer beso, anulan también todo intento de linealidad argumental y, despiadadas, conducen al héroe a una trampa sin salida. Ejemplo claro de esto aparece en “Callejón sin salida”, en la que el protagonista se presenta, antes de exhibir su rostro, como un hombre errático, solitario, perdido entre las calles mojadas de una gran ciudad. El que espectador desconoce el motivo de esta situación pero en un momento el protagonista se detiene y se muestra su rostro: Humphrey Bogart frente a un gran escaparate de sombreros de mujer y entre las mujeres que admiran los complementos de moda; Bogart aparece en el universo femenino, atrapado y amenazado, tal y como se desvelará al final del film, por la potencia destructora de la femme fatale, aquella que domina el azar incierto del protagonista.
En el cine negro de los años 40 y 50 el contexto que rodea al protagonista masculino no es anecdótico: todo héroe de cine negro tiene un pasado activo, lleno de promesas y proyectos, que pierde, con la irrupción de la Segunda Guerra Mundial, de forma que unos claros objetivos masculinos se truncan en una actitud lacónica y pasiva. Es así como este debilitamiento de la masculinidad dinamiza a aquella feminidad que aspira a poseer algo más y encuentran la oportunidad de ir a la búsqueda de bienes materiales y, retomando hábitos pasados (satén negro, largas cabelleras, largos cigarrillos...), se convierten en mujeres presas del ocio y de la corrupción que prefieren estar al lado de hombres que, lejos del combate, se enriquecen con las pérdidas de la guerra.
La obsesión del hombre hacia la fatal es tremendamente intensa. El hombre mira a la mujer egoísta, interesada y sensual. Está dispuesto a jugar con fuego y ella lo enciende. El hombre percibe la fatalidad, pero se niega a ignorar a esta figura inalcanzable que le desafía.
Fatales memorables del cine negro americano:
- Barbara Stanwyck fue Phyllis Dietrichson en Perdición (Double Indemnity).
- Ava Gardner fue la bellísima y mortífera Kitty Collins en Forajidos;
- Mary Astor era la embaucadora Brigid O'Shaughnessy en El halcón maltés;
- Lana Turner fue Cora Smith en El cartero siempre llama dos veces;
- Rita Hayworth encarnaba a Elsa Bannister en La dama de Shangai;
- De nuevo Rita Hayworth en la mítica Gilda;
- Jean Simmons fue Diane Tremayne en Cara de ángel;
- Jane Greer era Katherine en Retorno al pasado;
- Joan Bennett vuelve a ser fatal en Perversidad;
- Joan Bennett fue Alice en La mujer del cuadro;
- Lizabeth Scott era Coral Chandler en Callejón sin salida;
- Gloria Grahame era Vicki Bucley en Deseos humanos;
- Yvonne de Carlo fue Anna en El abrazo de la muerte;
- Marilyn Monroe era Rose Loomis en Niagara;
- Veronica Lake era Ellen en El cuervo;
- Lauren Bacall fue Vivian en El sueño eterno.
Podeís consultar todas estas películas en imdb.com
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Enlaces de interés:
Todo sobre el cine negro y sus personajes
El cine negro en wikipedia
Definición y orígenes de la mujer fatal
Todo sobre las malas del cine
El personaje de la mujer fatal fue una de las novedades más importantes del cine negro norteamericano. Su poder de seducción y su fantástico cuerpo, no fueron las únicas armas de la femme fatale.
Sus técnicas: la pasión y la mentira.
La femme fatal pretende provocar, intrigar, mentir y manipular al hombre con su mejor arma, su cuerpo. Utilizando la belleza y la sexualidad, buscará beneficios de ascensión social: el poder, el dinero, el lujo. Por todo esto, generalmente se encuentra fuera de los límites de la familia nuclear y se opta por el triángulo amoroso como la fórmula más adecuada y, por tanto, repetida en este tipo de películas. Su fina sensualidad y sus pérfidas miradas llaman la atención de todo el que la mira y se permitiran el lujo de utilizar un arma, fumar, cantar, conducir intrépidamente, desear el dinero sin pudor, etc. Y es que la femme fatale empleará las apariencias como mejor forma de engaño: primero bajo un aspecto amable con repetidas caras de ángel, pero en el momento de hacer emerger el rostro negativo surge la parte devastadora que se esconde tras cada gesto.
En referencia a esto es destacable como las facciones del rostro pueden resaltar claramente la intención de la mujer fatal en cada situación. Quizás el caso más célebre es el de la Joan Bennett de “La mujer del cuadro”, en la secuencia en la que intenta envenenar a un chantajista avaricioso, usa su sensualidad para seducirlo dulcemente, pero cuando éste las ignora, contrae todos los músculos de la cara, como si se tratara de una escena de cine mudo.
En el cine negro se relacionará su inteligencia con el fatalismo. Frecuentemente se emplean unos métodos establecidos, que se repiten en las novelas y películas de este género. En primer lugar se parte de una mujer atada con un hombre adinerado cuya presencia no puede soportar y del que desea librarse. Un día aparece otro hombre en su vida, un hombre inseguro, dubitativo o incauto incapaz de resistir la tentación que esa mujer supone. En este momento la pasión y las armas de seducción juegan su papel más importante para que la fatal logre su objetivo: desacerse del hombre al que se siente atada. Todas las pruebas implicaran a este segundo hombre como culpable, aunque pudo no cometer el delito del que se le acusa, pero del cual resultó cómplice voluntario o involuntario. Cuando todo se descubre ya es tarde en este mundo de mentiras y seducción donde el sexo se convierte en un elemento central de la narración.
Aunque los esquemas varíen la mujer fatal suele actuar siempre del mismo modo. Por poner un ejemplo destacamos “Cara de ángel” de Otto Preminger con la actriz Jean Simmons encarnando a la malísima Diane Tremayne. Con cara de ángel, Diane tiene un objetivo claro, ejecutar un minucioso plan que elimine a la nueva esposa de su padre. Para deshacerse de la madrastra, Diane se sirve de Frank Jessup (Robert Mitchum), al que conseguirá tener totalmente controlado utilizando sus poderosas armas de seducción. Frank, fracasado conductor de ambulancias, se deja deslumbrar por la magia encantadora de Diane y, nublada su mirada, decide seguir los pasos de su diosa. Diane, maneja a Frank con la astucia de hacerle creer que podrá retomar una exitosa carrera de piloto que, con el estallido de la guerra, hubo de abandonar. Diane, conoce el deseo más apreciado por Frank por lo que lo utilizará aprovechando su inocencia para conducir este vigor hacia objetivos particulares.
Un arma: el agua
Los franceses, como hemos afirmado denominan a este arquetipo de mujer Femme fatale, pero no es la única denominación. En EEUU, se emplea el término Spider woman. Anteriormente hemos relacionado esta expresión con la araña, como animal que atrapa a su presa, pero la araña no es la única raíz del término. Spider Woman es el resultado de la relación entre la araña y el pulpo, dos animales que atrapan las presas con sus lazos destructores. Pero el cine negro tiene más referencias al universo oceánico. Pongamos algunos ejemplos clásicos.
La protagonista de “Callejón sin salida”, Coral Chandler, compone su nombre y apellido con el significado de dos palabras del universo oceánico (coral y velero). Así mismo, la Vivian Sternwood de “El sueño eterno” lleva en la primera parte de su apellido la palabra popa, y Phyllis de “Perdición” hace referencia a la trágica historia de Filis, personaje mitológico que acaba suicidándose en el mar cuando sospecha que su amante no volverá a buscarla.
Pensemos, también, en la importancia que llegan a tener todos los símbolos negativos de las profundidades marinas en “La dama de Shangai”, en la que la protagonista se llama Circe, la hija del Sol y de Perseis, hija, entonces, del Océano, que encanta con sus brebajes a los marineros de la Odisea. O recordemos a Lana Turner de “El cartero siempre llama dos veces”,que aprovecha en un baño nocturno en la playa, en dominios de aguas negras, para inducir al amante a asesinar a su marido. Burt Lancaster, en la última escena de “El abrazo de la muerte”, representa claramente la masculinidad atrapada en las redes de la mujer y el océano. La mujer fatal y una imperturbable masa oceánica, en una casa que da al mar, está atrapado por el abrazo de Yvonne De Carlo. Burt Lancaster muere preso de la mujer fatal y del mar que a su espalda se aprecia oscuro y amenazador. Entre aguas, esta figuración femenina demostrará su capacidad para controlar perfectamente al hombre.Pero la relación con el mar se entablará también indirectamente. La cabellera femenina, con el pelo al viento, ondulándose como olas de mar, será una de las mejores armas de la Femme fatale. Coral Chandler, por ejemplo subraya su imagen de feminidad fatal con el movimiento ondulado de su cabellera que simula el movimiento de las aguas turbulentas. Una cabellera que se ondula y que podemos encontrar en multitud de figuras femeninas del cine negro, pero quizás la más significativa será la de Barbara Stanwick en “Perdición”. Presentada como una sirena que acaba de salir del baño, con un peinado exageradamente ondulado, su cabellera se mueve casi llegando a la inverosimilitud en la escena en la que, más tarde, ella muestra toda su perversidad como resucitando a la Medusa que en vez de pelo tenía serpientes y petrificaba al enemigo con la mirada.
Ondulaciones que también se representarán en los cuerpos, que poco a poco se enfundan en ropa estrecha para acentuar la seducción femenina.
Claro ejemplo es Marilyn Monroe en “Niágara” que rompe con la moda vampiresca del color negro para exhibir un insinuante vestido fucsia, que lleva a su marido a un violento ataque de celos. En este film también encontraremos referencias al agua concretamente bajo la forma de las cataratas que encarcelan al protagonista. Georges Loomis al inicio de la película ya se representa como un punto insignificante en relación con la magnitud de las aguas que caen violentamente. Y el protagonista lo deja remarcado: “¿Porqué me habrán arrastrado hasta aquí las cataratas a las cuatro de la mañana? ¿Para demostrarme lo grandes que son ellas y lo pequeño que soy yo”.Música y perversidad
La música, elemento fundamental para crear la tensión del cine negro, se convertirá en una nueva arma de mujer fatal.
En “Perversidad” Rip Murdock necesita para investigar la misteriosa muerte, servirse del oído para identificar a la femme fatale. Rip oye la voz de Coral Chandler antes de tener imagen de ella. Nada más llegar a un bar con motivos marinos pintados en los muros, se sienta frente a la barra y, con la copa entre las manos, oye una voz femenina que le atrapa hasta el punto de no mirarla inmediatamente, retiene la mirada. En este momento, como si se tratase del canto de una sirena, Rip ya no podrá librarse de la femme fatale.“¿Quieres escuchar un consejo? Deja de escuchar este arpa dorada, Swede. Te creará muchos problemas...”. Estas son las palabras que un amigo dirige al protagonista de “Forajidos” para advertirle del peligroso atraco en el que se inmiscuirá sólo por estar cerca de Kitty Collins.
En “Cara de ángel”, la música, en este caso surgidas en este caso de los dedos de Diane Tremayne, volverán a convertirse en el canto de sirena, la llamada mortal para Frank Jessup. El protagonista, después de socorrer a la madrastra de un misterioso accidente, está a punto de salir de la mansión, pero la música de Diane, le hace retroceder para encontrarse con la mujer que le reclama. Son los mismos compases que, más tarde, acompañan el siniestro plan que Diane ha urdido para asesinar a su madrastra. Diane utiliza la música que interpreta como si se tratase de un auténtico ritual.
Y una última referencia a la importancia de la música sería el caso de Edward G. Robinson en “Perversidad” que descubre que su querida tiene un amante, justo en el momento en que un disco de vinilo gira, acompañando los abrazos de los dos jóvenes amantes. Pero el disco se ralla y repite, una y otra vez, la misma frase musical. Como la música rallada del disco de vinilo, las palabras de amor oídas cuando los descubrió suenan incansablemente en la mente de Edward G. Robinson.
El hombre.
Por su parte, el arquetipo masculino se revela desprovisto de la energía que le es habitual. Podemos fijarnos en un vulgar vendedor de seguros como Fred MacMurray en “Perdición”, en un vagabundo dubitativo, como John Garfield en “El cartero siempre llama dos veces”, en el insignificante Edward G. Robinson de “Perversidad” o en un inseguro Joseph Cotten en “Niágara”.
Seductoras, farsantes, mortíferas desde el primer beso, anulan también todo intento de linealidad argumental y, despiadadas, conducen al héroe a una trampa sin salida. Ejemplo claro de esto aparece en “Callejón sin salida”, en la que el protagonista se presenta, antes de exhibir su rostro, como un hombre errático, solitario, perdido entre las calles mojadas de una gran ciudad. El que espectador desconoce el motivo de esta situación pero en un momento el protagonista se detiene y se muestra su rostro: Humphrey Bogart frente a un gran escaparate de sombreros de mujer y entre las mujeres que admiran los complementos de moda; Bogart aparece en el universo femenino, atrapado y amenazado, tal y como se desvelará al final del film, por la potencia destructora de la femme fatale, aquella que domina el azar incierto del protagonista.En el cine negro de los años 40 y 50 el contexto que rodea al protagonista masculino no es anecdótico: todo héroe de cine negro tiene un pasado activo, lleno de promesas y proyectos, que pierde, con la irrupción de la Segunda Guerra Mundial, de forma que unos claros objetivos masculinos se truncan en una actitud lacónica y pasiva. Es así como este debilitamiento de la masculinidad dinamiza a aquella feminidad que aspira a poseer algo más y encuentran la oportunidad de ir a la búsqueda de bienes materiales y, retomando hábitos pasados (satén negro, largas cabelleras, largos cigarrillos...), se convierten en mujeres presas del ocio y de la corrupción que prefieren estar al lado de hombres que, lejos del combate, se enriquecen con las pérdidas de la guerra.
La obsesión del hombre hacia la fatal es tremendamente intensa. El hombre mira a la mujer egoísta, interesada y sensual. Está dispuesto a jugar con fuego y ella lo enciende. El hombre percibe la fatalidad, pero se niega a ignorar a esta figura inalcanzable que le desafía.
Fatales memorables del cine negro americano:
- Barbara Stanwyck fue Phyllis Dietrichson en Perdición (Double Indemnity).
- Ava Gardner fue la bellísima y mortífera Kitty Collins en Forajidos;
- Mary Astor era la embaucadora Brigid O'Shaughnessy en El halcón maltés;
- Lana Turner fue Cora Smith en El cartero siempre llama dos veces;
- Rita Hayworth encarnaba a Elsa Bannister en La dama de Shangai;
- De nuevo Rita Hayworth en la mítica Gilda;
- Jean Simmons fue Diane Tremayne en Cara de ángel;
- Jane Greer era Katherine en Retorno al pasado;
- Joan Bennett vuelve a ser fatal en Perversidad;
- Joan Bennett fue Alice en La mujer del cuadro;
- Lizabeth Scott era Coral Chandler en Callejón sin salida;
- Gloria Grahame era Vicki Bucley en Deseos humanos;
- Yvonne de Carlo fue Anna en El abrazo de la muerte;
- Marilyn Monroe era Rose Loomis en Niagara;
- Veronica Lake era Ellen en El cuervo;
- Lauren Bacall fue Vivian en El sueño eterno.
Podeís consultar todas estas películas en imdb.com
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Todo sobre el cine negro y sus personajes
El cine negro en wikipedia
Definición y orígenes de la mujer fatal
Todo sobre las malas del cine
Nos ponemos al día
El mundo del cine no so sólo las películas. Actores, directores, estrenos y toda la esfera que rodea al séptimo arte son los protagonistas de decenas de noticias diariamente. En Palomitas Curiosas queremos hacer un repaso a la actualidad del cine y destacar las noticias que más no han llamado la atención.En el cine yanki, el cineasta cubano-estadounidense Luis Moro ha sido sancionado por viajar de Washington a Cuba para filmar su próxima película en ese país caribeño. La cinta de Moro "Love and Suicide" (Amor y suicidio) hizo que los funcionarios norteamericanos investigaran a Moro por la posible violación de las leyes estadounidenses que prácticamente impiden a los norteamericanos visitar Cuba. El director cubano ha asegurado que aunque las autoridades decidan procesarlo, se negará a pagar multa alguna, incluso si ello significa ir a la cárcel.
Escritor, actor y productor, Moro asistió a un festival cinematográfico en La Habana en diciembre del 2003 y utilizó la ocasión para filmar su película con una pequeña cámara digital.
Pocos días después de ser mostrada la cinta en el American Black Film Festival de Miami Beach en July, se notificó a Moro que su viaje a Cuba estaba siendo investigado. Aunque la ley estadounidense permitió a los cubano-estadounidenses como Moro visitar la isla sin permiso especial hasta el 2004, se alega que el motivo eran las visitas familiares, no filmar una película.
El cine de animación tambié trae noticias curiosas esta semana. Marilyn Manson va a debutar en el mundo del cine y aunque parezca sorprendente, por la excentricidad que le caracteriza, dará vida a Lewis Carroll en una película sobre la vida del escritor británico de "Alicia en el país de las maravillas". Con 37 años recién cumplidos, debutará como actor en "Phantasmagoria: The Visions Of Lewis Carroll". El guión de la película es del propio Manson y está basado en el poema 'Phantasmagoria' de Lewis Carrol que escribió su surrealista ópera prima en 1865 y fue acusado de pedófilo. Aunque de momento no se conoce quién será el director de la película, la modelo Lily Cole será la encargada de dar vida a la joven Alicia y la conocida actriz Angelina Jolie podría interpretar a la Reina de Corazones. Una película cuanto menos curiosa.En Europa destacamos la realización de una película de caracter social.
El director de cine italiano Bernardo Bertolucci realizará un filme sobre el asalto y ocupación de la residencia del embajador de Japón en Lima en 1996 de parte de un comando del Movimiento Revolucionario Tumac Amaru (MRTA). El asalto se produjo el 17 de diciembre de 1996 durante una recepción en honor del emperador y tomó como rehenes a 72 personas, entre ellas diplomáticos, generales, jefes de la policía, el ministro de Relaciones Exteriores del Perú y un hermano del entonces presidente Alberto Fujimori. En abril de 1997, las fuerzas especiales peruanas liberaron a los rehenes y mataron a los 13 guerrilleros y a su jefe, Néstor Cerpa. El director italiano ha declarado que quiere mostrar como durante cuatro meses que duró el secuestro se perdió la noción del tiempo y del mundo y sobre todo la importancia de la música. No es la primera película que Bertolucci realiza sobre acontecimiento históricos con gran transcendencia social. Ejemplo de ello es "The dreamers", su último filme sobre la revuelta del 68 en París.
Y terminamos con el cine asiático, con una mención especial al cineasta japonés Shohei Imamura, ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes en dos ocasiones, por La balada de Narayama (1983) y por La anguila (1997), que falleció el 30 de mayo en Tokio a los 79 años por un cáncer de hígado.
Imamura, máximo representante de lo que se llamó “Nueva Ola” japonesa, nació en 1926 en Tokio. Se crió en los colegios más elitistas de Japón y años después ingresó en una escuela técnica para evitar ser reclutado en el Ejército Imperial. Antes de crear su propia productora destacó por películas como "Los pornógrafos" (1966) en la que describe las aventuras laborales de un director de ese género ilegal en el Japón de entonces. En su filmografía, dedicada sobre todo a los marginados y olvidados por la sociedad japonesa, destacan películas como Doctor Akagi (1998), Eijanaika (1981), La venganza es mía (1979), La mujer insecto (1963) y Lluvia negra, en la que narra el desastre de Hiroshima. Su última participación en el cine fue con un corto para la película 11' 09" 01 Once de septiembre en el año 2002.
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Enlaces de interés:
Video de la película "Love and suicide"
Marilyn Manson
Filmografía Bernardo Bertolucci
Un repaso a los musicales más curiosos...
El musical de cine vuelve a estar de moda. Esta semana en Palomitas Curiosas queremos hacer un homenaje especial a este género, en el que por supuesto hemos encontrado curiosidades.
El musical, aunque está más unido al cine de Hollywood, también ha protagonizado películas de otros géneros. El cine de animación, el cine asiático, el español o incluso el cine indie albergan musicales a los que haremos un repaso destacando los datos más significativos.
Cine yanki
En el cine yanki, sobre el que tenemos un completo repaso del musical en la página de Palomitas Yankis encontramos películas emblemáticas pero con algún gazapo. Emepecemos por el Mago de Oz, una película inocente como pocas pero sobre la que corre un rumor: un técnico murio en el rodaje de la película y además su muerte quedo grabada. En la escena en la que Doroty, el espantapajaros y el hombre de hojalata bailan antes de encontrarse con el leon podran ver en el fondo de la escenogfrafia una mano moviendose. Pero aparte de los podibles rumores la película entraña más misterios. Cuando Dorothy está en el ciclón, el papel que pone en el escritorio cerca de la ventana no se mueve, pero el cuadro en la pared sí lo hace. Además, cuando Dorothy se encuentra por primera vez al espantapájaros puedes oírlo hablar en varias ocasiones pero su boca no se mueve. Una película con muchos misterios que podréis investigar en la página del imdb
Seguimos el repaso por los musicales por un mítico del cine: "cantando bajo la lluvia". Del famosos musical podemos destacar algún anacronismo y algún fallo curioso. Respecto a los anacronismos, En la película se hace referencia al diario "variety", un periódico que no se publicó hasta 1933 y que aparece en el musical, que está situado en 1927. Otro fallo similar aparece con la inscripción de los policías "L.A.P.D.", que no se empieza a usar hasta 1944, pero aparece en algunas escenas del film. Respecto a los fallos, son sobre todo de continuidad. Cuando el poli aparece en el número de la danza de la lluvia”, sostiene el paraguas con ambas manos, pero en la imágen siguiente él lo lleva sólo con una mano. Además durante la escena "Fit as a Fidle", Don y Cosmo aparecen sólamente n dos planos, uno medio y otro largo. Una buena prueba de que ellos no tocaban el violín.
Avanzamos rápidamente en el tiempo hasta llegar al nuevo milenio, sin abandonar el musical norteamericano, pero en este caso visitamos las calles de Paris, concretamente el "Moulin Rouge". Una película llena de mágia, pero con algún que otro fallo. Por ejemplo los miembros del equipo que se colaron en alguna escena. Durante “Roxanne”, una cámara fotográfica, y un miembro del equipo con modernos pantalons cortos, aparecen claramente en el lado derecho de la pantalla.
Pero no es el único intruso. En la escena final, un cámara aparece reflejado en el vestido de Satine y en el baile del Can-Can, aparece de nuevo un miembro del equipo, al fonde de la escena. Intrusos que no han pasado desapercibidos, igual que algún otro fallo. Mientras que Satine y Cristhian descienden del elefante y entranen el interior, los ornamentos que cuelgan sobre la entrada se empiezan a mover por sí mismos.
Cine animado
Abandonamos el continente americano y llegamos al mundo animado. En palomitas muy animadas encontramos dos clásicos del cine infantil: Mary Poppins y La Bella y La bestia.
En Mary Poppins podemos destacar algún dato curioso relacionado con problemas de guión y elección de personajes. Cuando Julie Andrews ganó el Oscar a la mejor actriz en 1964, se lo agradeció al director George Cukor, que era el director de la película rival de "Mary Poppins", "My Fair Lady". Esto fue un gran sarcasmo pues George Cukor había desechado a una poco conocida Julie Andrews, que era la protagonista original en la puesta teatral de My Fair Lady y había optado por la más conocida Audrey Hepburn, quien ni siquiera fue considerada para las nominaciones a mejor actriz de ese año. Fue Walt Disney quien propuso a Julie Andrews para que interpretase a Mary Poppins después de verla en Broadway en la obra "Camelot.
Dejando a los actores a un lado, hablemos de alguna curiosidad. Por ejemplo, Mary y Mrs Banks nunca hablan el uno con el otro en la película, que por cierto fue rodada completamente en interiores. También encontramos fallos de racord. Al principio, cuando Mary Poppins está leyendo la carta de Jane y Michael, que anteriormente había sido rota por su padre y arrojada a la chimenea; en uno de los planos aparece con un guante de color blanco y en otro plano de esa misma escena aparece con un guante de color negro. Lo mismo ocurre tras aparecer con la cara negra, y en la imagen siguiente completamete limpia...Disney también tenía sus fallos.
En la Bella y la Bestia, a la que ya hicimos referencia en otra ocasión cuando hablamos de los gazapos Disney, ya que La bella aparece en otro título de Disney sentada en una fuente mientras lee, en "El Jorobado de Notre Damme". Pero encontramos gran cantidad de fallos de contiunuidad. Destacamos alguno como cuando Gaston entra en la casa para pedir matrimonio a Bella, la puerta se deja abierta. Cuando Bella fuerza a Gaston fuera de casa, la puerta está cerrada. Seguimos con fallos en los mismo personajes porque cuando Gaston intenta besar a Bella, y ella abre la puerta, Gaston sale volando hacia fuera y cae en el fango delante de la casa. Pero la puerta delantera de Bella está en el lado del porche, no frente al fango. Terminamos con otro dato curioso. Cuando Gaston roba el libro a Bella, él dice, “cómo puedes lees esto, si no tiene ningún dibujo?” En la escena anterior cuando Bella está enseñando el libro a las ovejas y está cantando, podemos ver claramente que el libro contiene dibujos.
Y terminamos el repaso al mundo animado con un musical más reciente, "Tarzán". Tarzan había protagonizado 47 películas, pero nunca hasta ahora una de dibujos animados, pese a que el propio Burroughs (creador del personaje) siempre afirmó que esa sería la forma más fiel de llevar su personaje a la gran pantalla. Aunque la película no pudo realizarse hasta que Danton Burroughs, nieto del creador del personaje en 1912, Edgar Rice Burroughs, diese el visto bueno al proyecto.
Respecto a las curiosidades del film destacamos el movimiento de Tarzan por los árboles. Para mejorar el efecto de desplazamiento del personaje entre arboles y lianas se recurrió al deep canvas, técnica similar a la que se consigue con la steadycam pero para películas de animación. Pero las canciones de la película, que también están en español también tienen datos curiosos. Phil Collins, para que se le entendiera bien en las canciones en español, las grabó con un lápiz en la boca mientra cantaba. Además, compuso cinco nuevas canciones para la película, que insistió en cantar en las versiones inglesa, francesa, alemana, italiana y española.
Pero vamos a destacar un pequeño detalle que nos remite a "La bella y la Bestia". La tetera y las tazas de té que hay en el campamento de los exploraderes son en realidad la señora Potts y su hijo que salen en la película "La bella y la bestia".
Cine Indie.
Aunque hablar de musicales nos recuerde a las películas de Hollywood o los musicales Disney, el cine independiente también ha elaborado musicales. Destacamos "Bailar en la Oscuridad" de Lars Von Trier, aunque en Palomitas de Culto, podemos encontrar otros títulos del musical en el cine de autor.
"Bailar en la oscuridad" no es especialmente una película con demasiados fallos, pero podemos destacar algunas curiosidades entorno a su elaboración. Antes de su creación hubo algún cambio de personajes. En el guión original que Lars von Trier había escrito, el personaje de Cathy era una mujer afroamericana, pero cuando Catherine Deneuve se mostró interesada por este proyecto, Lars reescribió su personaje para que fuera una mujer francesa inmigrante. El papel de Jeff en un principio iba a ser interpretado por el actor Stellan Skarsgård, pero no pudo hacerlo por estar ocupado con el proyecto de "Aberdeen", aunque si consiguió tener un cameo como doctor; finalmente dicho personaje fue representado por Peter Stormare. Además, el papel de Selma no estaba pensado en principio para ser interpretado por Björk, sin embargo, tras escuchar la banda sonora compuesta por ella, el director, Lars Von Trier le ofreció ser la protagonista. No sólo hubo problemas con los actores, el proceso de filmación de la película fue tan dura para Bjork que dijo que nunca más actuaría en otra película de Von trier. Y un último apunte: el nombre del juez es A.D. Mantle, una referencia a Anthony Dod Mantle, director de fotografía que ha trabajado en varias películas al lado de Lars Von Trier.
Cine asiático.
Desde el Lejano Oriente también hay musicales destacados. En Palomitas Samuráis encontramos todos los detalles y las películas más destacadas de este género en oriente. Pero en palomitas curiosas nos vamos a centrar en los fallos de un reciente musical de la India: "Lagaan: Once Upon a Time in India".
Los principales errores de esta película aparecen en la continuidad.
Cuando Kachra está golpeando en el partido, el marcador del fondo una 314. Sin embargo, después de dos jugadas más, el marcador anterior muestra 313. Durante la secuencia del entrenamiento, hay un breve tiro del padre de Ismayal que cae dentro de su choza pequeña. A través del umbral abierto, puedes ver a dos mujeres que ayudan a Ismayal porque tiene el pie dañado. Sin embargo, la secuencia del entrenamiento ocurre antes de que Ismayal sea lastimado. Y un último dato curioso, el musical está protagonizado por su productor Aamir Khan.
Cine español
En el cine español la música ha sido, sin duda, una protagonista. Películas de Lola Flores, Mari Sol o tantos otros actores que cantaban y actuaban en casi todas las películas. Pero actualmente el musical español, aunque con mucha menos fuerza, sigue teninendo éxito. Un ejemplo claro de ello es "el otro lado de la cama" o "Los dos lados de la cama".El otro lado de la cama fue la película ganadora del Festival de Málaga. La comedia, dirigida por Emilio Martínez Lázaro, consiguió los premios a mejor película, mejor dirección y el premio del público. Según su director, es una comedia que habla de la amistad y el amor que utililza las canciones para expresar sentimientos. La primera película arrasó en la taquilla y causó una gran sensación en un público que quedó sorprendido con la gratificante mezcla que dio lugar a esta comedia musical. Desde entonces, hasta el correo eléctrónico del director, Emilio Martínez Lázaro, fueron llegando una auténtica avalancha de e-mails pidiendo la segunda parte de la película. María Esteve y Secun de la Rosa repiten su participación en Los dos lados de la cama. Lucía Jiménez, Pilar Castro y Verónica Sánchez se suman a la nueva aventura dispuestas a dar el do de pecho para 'ganar' a la primera. En el caso de Lucía Jiménez hay que destacar que ya participó en la adaptación teatral de la primera película, por lo que el papel no le resultó extraño. Además 'repiten' respecto a la primera película Tequila, Los Ronaldos o Los Rodriguez. Se suman desde Loquillo, Alaska y los Pegamoides hasta Pablo Abraira o José Luis Perales. Una mezcla explosiva que las voces de los protagonistas hacen, si cabe, más potente.
Otro musical destacado y curioso es "Días de Fútbol". El guión lo escribió David Serrano en dos meses. Y muchos de los personajes, como el de Ernestio Alterio, se fueron perfilando y reescribiendo sobre la marcha. Esta reescritura llevó otros dos meses.
Una secuencia que dio mucho la lata fue la del atraco a la tienda de deportes por parte de Antonio y Serafín. El robo comenzaba por romper el escaparate con un bate de beisbol. Pero el cristal se resistió más de una vez. Los actores, salvo Roberto Álamo, no tenían ni idea de jugar a fútbol. La mayor parte de ellos detestaban ese deporte y durante un mes estuvieron practicando para conseguir jugar (después de alguna que otra lesión y mucho cansancio) aunque eso sí, de manera desastrosa. El rol de Alterio surgió porque el director le preguntó al actor qué tipo de personaje quería que le escribiera. Alterio contestó: Carlos, el Yoyas de Gran Hermano. Roberto Álamo iba a interpretar en un principio a Charlie. Pero dos semanas antes del rodaje el director le cambió el rol; sería el malhumorado Rober. Charlie fue para Pere Ponce. Cinco semanas antes de empezar, la responsabilidad de un cambio de registro tan enorme para tener que interpretar su papel, llevó a Alterio a declinar su participación en la película. Afortunadamente, cambió de opinión. Y por último destacar un cameo del director que aparece como pasajero en un taxi, así como Guillermo Toledo.
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Enlaces recomendados:
En Ciudadano Palomita encontraréis todo sobre los musicales en sus diferentes estilos.
En la base de datos de imdb.com hay información sobre todos los musicales y los datos más curiosos.
Reportajes sobre los musicales de Hollywood
Descargas de algunas canciones de los musicales más conocidos
El musical según Wikipedia
El musical, aunque está más unido al cine de Hollywood, también ha protagonizado películas de otros géneros. El cine de animación, el cine asiático, el español o incluso el cine indie albergan musicales a los que haremos un repaso destacando los datos más significativos.
Cine yanki
En el cine yanki, sobre el que tenemos un completo repaso del musical en la página de Palomitas Yankis encontramos películas emblemáticas pero con algún gazapo. Emepecemos por el Mago de Oz, una película inocente como pocas pero sobre la que corre un rumor: un técnico murio en el rodaje de la película y además su muerte quedo grabada. En la escena en la que Doroty, el espantapajaros y el hombre de hojalata bailan antes de encontrarse con el leon podran ver en el fondo de la escenogfrafia una mano moviendose. Pero aparte de los podibles rumores la película entraña más misterios. Cuando Dorothy está en el ciclón, el papel que pone en el escritorio cerca de la ventana no se mueve, pero el cuadro en la pared sí lo hace. Además, cuando Dorothy se encuentra por primera vez al espantapájaros puedes oírlo hablar en varias ocasiones pero su boca no se mueve. Una película con muchos misterios que podréis investigar en la página del imdb Seguimos el repaso por los musicales por un mítico del cine: "cantando bajo la lluvia". Del famosos musical podemos destacar algún anacronismo y algún fallo curioso. Respecto a los anacronismos, En la película se hace referencia al diario "variety", un periódico que no se publicó hasta 1933 y que aparece en el musical, que está situado en 1927. Otro fallo similar aparece con la inscripción de los policías "L.A.P.D.", que no se empieza a usar hasta 1944, pero aparece en algunas escenas del film. Respecto a los fallos, son sobre todo de continuidad. Cuando el poli aparece en el número de la danza de la lluvia”, sostiene el paraguas con ambas manos, pero en la imágen siguiente él lo lleva sólo con una mano. Además durante la escena "Fit as a Fidle", Don y Cosmo aparecen sólamente n dos planos, uno medio y otro largo. Una buena prueba de que ellos no tocaban el violín.Avanzamos rápidamente en el tiempo hasta llegar al nuevo milenio, sin abandonar el musical norteamericano, pero en este caso visitamos las calles de Paris, concretamente el "Moulin Rouge". Una película llena de mágia, pero con algún que otro fallo. Por ejemplo los miembros del equipo que se colaron en alguna escena. Durante “Roxanne”, una cámara fotográfica, y un miembro del equipo con modernos pantalons cortos, aparecen claramente en el lado derecho de la pantalla.
Pero no es el único intruso. En la escena final, un cámara aparece reflejado en el vestido de Satine y en el baile del Can-Can, aparece de nuevo un miembro del equipo, al fonde de la escena. Intrusos que no han pasado desapercibidos, igual que algún otro fallo. Mientras que Satine y Cristhian descienden del elefante y entranen el interior, los ornamentos que cuelgan sobre la entrada se empiezan a mover por sí mismos.
Cine animado
Abandonamos el continente americano y llegamos al mundo animado. En palomitas muy animadas encontramos dos clásicos del cine infantil: Mary Poppins y La Bella y La bestia.
En Mary Poppins podemos destacar algún dato curioso relacionado con problemas de guión y elección de personajes. Cuando Julie Andrews ganó el Oscar a la mejor actriz en 1964, se lo agradeció al director George Cukor, que era el director de la película rival de "Mary Poppins", "My Fair Lady". Esto fue un gran sarcasmo pues George Cukor había desechado a una poco conocida Julie Andrews, que era la protagonista original en la puesta teatral de My Fair Lady y había optado por la más conocida Audrey Hepburn, quien ni siquiera fue considerada para las nominaciones a mejor actriz de ese año. Fue Walt Disney quien propuso a Julie Andrews para que interpretase a Mary Poppins después de verla en Broadway en la obra "Camelot.Dejando a los actores a un lado, hablemos de alguna curiosidad. Por ejemplo, Mary y Mrs Banks nunca hablan el uno con el otro en la película, que por cierto fue rodada completamente en interiores. También encontramos fallos de racord. Al principio, cuando Mary Poppins está leyendo la carta de Jane y Michael, que anteriormente había sido rota por su padre y arrojada a la chimenea; en uno de los planos aparece con un guante de color blanco y en otro plano de esa misma escena aparece con un guante de color negro. Lo mismo ocurre tras aparecer con la cara negra, y en la imagen siguiente completamete limpia...Disney también tenía sus fallos.
En la Bella y la Bestia, a la que ya hicimos referencia en otra ocasión cuando hablamos de los gazapos Disney, ya que La bella aparece en otro título de Disney sentada en una fuente mientras lee, en "El Jorobado de Notre Damme". Pero encontramos gran cantidad de fallos de contiunuidad. Destacamos alguno como cuando Gaston entra en la casa para pedir matrimonio a Bella, la puerta se deja abierta. Cuando Bella fuerza a Gaston fuera de casa, la puerta está cerrada. Seguimos con fallos en los mismo personajes porque cuando Gaston intenta besar a Bella, y ella abre la puerta, Gaston sale volando hacia fuera y cae en el fango delante de la casa. Pero la puerta delantera de Bella está en el lado del porche, no frente al fango. Terminamos con otro dato curioso. Cuando Gaston roba el libro a Bella, él dice, “cómo puedes lees esto, si no tiene ningún dibujo?” En la escena anterior cuando Bella está enseñando el libro a las ovejas y está cantando, podemos ver claramente que el libro contiene dibujos. Y terminamos el repaso al mundo animado con un musical más reciente, "Tarzán". Tarzan había protagonizado 47 películas, pero nunca hasta ahora una de dibujos animados, pese a que el propio Burroughs (creador del personaje) siempre afirmó que esa sería la forma más fiel de llevar su personaje a la gran pantalla. Aunque la película no pudo realizarse hasta que Danton Burroughs, nieto del creador del personaje en 1912, Edgar Rice Burroughs, diese el visto bueno al proyecto.Respecto a las curiosidades del film destacamos el movimiento de Tarzan por los árboles. Para mejorar el efecto de desplazamiento del personaje entre arboles y lianas se recurrió al deep canvas, técnica similar a la que se consigue con la steadycam pero para películas de animación. Pero las canciones de la película, que también están en español también tienen datos curiosos. Phil Collins, para que se le entendiera bien en las canciones en español, las grabó con un lápiz en la boca mientra cantaba. Además, compuso cinco nuevas canciones para la película, que insistió en cantar en las versiones inglesa, francesa, alemana, italiana y española.
Pero vamos a destacar un pequeño detalle que nos remite a "La bella y la Bestia". La tetera y las tazas de té que hay en el campamento de los exploraderes son en realidad la señora Potts y su hijo que salen en la película "La bella y la bestia".
Cine Indie.
Aunque hablar de musicales nos recuerde a las películas de Hollywood o los musicales Disney, el cine independiente también ha elaborado musicales. Destacamos "Bailar en la Oscuridad" de Lars Von Trier, aunque en Palomitas de Culto, podemos encontrar otros títulos del musical en el cine de autor.
"Bailar en la oscuridad" no es especialmente una película con demasiados fallos, pero podemos destacar algunas curiosidades entorno a su elaboración. Antes de su creación hubo algún cambio de personajes. En el guión original que Lars von Trier había escrito, el personaje de Cathy era una mujer afroamericana, pero cuando Catherine Deneuve se mostró interesada por este proyecto, Lars reescribió su personaje para que fuera una mujer francesa inmigrante. El papel de Jeff en un principio iba a ser interpretado por el actor Stellan Skarsgård, pero no pudo hacerlo por estar ocupado con el proyecto de "Aberdeen", aunque si consiguió tener un cameo como doctor; finalmente dicho personaje fue representado por Peter Stormare. Además, el papel de Selma no estaba pensado en principio para ser interpretado por Björk, sin embargo, tras escuchar la banda sonora compuesta por ella, el director, Lars Von Trier le ofreció ser la protagonista. No sólo hubo problemas con los actores, el proceso de filmación de la película fue tan dura para Bjork que dijo que nunca más actuaría en otra película de Von trier. Y un último apunte: el nombre del juez es A.D. Mantle, una referencia a Anthony Dod Mantle, director de fotografía que ha trabajado en varias películas al lado de Lars Von Trier.Cine asiático.
Desde el Lejano Oriente también hay musicales destacados. En Palomitas Samuráis encontramos todos los detalles y las películas más destacadas de este género en oriente. Pero en palomitas curiosas nos vamos a centrar en los fallos de un reciente musical de la India: "Lagaan: Once Upon a Time in India".
Los principales errores de esta película aparecen en la continuidad.
Cuando Kachra está golpeando en el partido, el marcador del fondo una 314. Sin embargo, después de dos jugadas más, el marcador anterior muestra 313. Durante la secuencia del entrenamiento, hay un breve tiro del padre de Ismayal que cae dentro de su choza pequeña. A través del umbral abierto, puedes ver a dos mujeres que ayudan a Ismayal porque tiene el pie dañado. Sin embargo, la secuencia del entrenamiento ocurre antes de que Ismayal sea lastimado. Y un último dato curioso, el musical está protagonizado por su productor Aamir Khan.
Cine español
En el cine español la música ha sido, sin duda, una protagonista. Películas de Lola Flores, Mari Sol o tantos otros actores que cantaban y actuaban en casi todas las películas. Pero actualmente el musical español, aunque con mucha menos fuerza, sigue teninendo éxito. Un ejemplo claro de ello es "el otro lado de la cama" o "Los dos lados de la cama".El otro lado de la cama fue la película ganadora del Festival de Málaga. La comedia, dirigida por Emilio Martínez Lázaro, consiguió los premios a mejor película, mejor dirección y el premio del público. Según su director, es una comedia que habla de la amistad y el amor que utililza las canciones para expresar sentimientos. La primera película arrasó en la taquilla y causó una gran sensación en un público que quedó sorprendido con la gratificante mezcla que dio lugar a esta comedia musical. Desde entonces, hasta el correo eléctrónico del director, Emilio Martínez Lázaro, fueron llegando una auténtica avalancha de e-mails pidiendo la segunda parte de la película. María Esteve y Secun de la Rosa repiten su participación en Los dos lados de la cama. Lucía Jiménez, Pilar Castro y Verónica Sánchez se suman a la nueva aventura dispuestas a dar el do de pecho para 'ganar' a la primera. En el caso de Lucía Jiménez hay que destacar que ya participó en la adaptación teatral de la primera película, por lo que el papel no le resultó extraño. Además 'repiten' respecto a la primera película Tequila, Los Ronaldos o Los Rodriguez. Se suman desde Loquillo, Alaska y los Pegamoides hasta Pablo Abraira o José Luis Perales. Una mezcla explosiva que las voces de los protagonistas hacen, si cabe, más potente. Otro musical destacado y curioso es "Días de Fútbol". El guión lo escribió David Serrano en dos meses. Y muchos de los personajes, como el de Ernestio Alterio, se fueron perfilando y reescribiendo sobre la marcha. Esta reescritura llevó otros dos meses.
Una secuencia que dio mucho la lata fue la del atraco a la tienda de deportes por parte de Antonio y Serafín. El robo comenzaba por romper el escaparate con un bate de beisbol. Pero el cristal se resistió más de una vez. Los actores, salvo Roberto Álamo, no tenían ni idea de jugar a fútbol. La mayor parte de ellos detestaban ese deporte y durante un mes estuvieron practicando para conseguir jugar (después de alguna que otra lesión y mucho cansancio) aunque eso sí, de manera desastrosa. El rol de Alterio surgió porque el director le preguntó al actor qué tipo de personaje quería que le escribiera. Alterio contestó: Carlos, el Yoyas de Gran Hermano. Roberto Álamo iba a interpretar en un principio a Charlie. Pero dos semanas antes del rodaje el director le cambió el rol; sería el malhumorado Rober. Charlie fue para Pere Ponce. Cinco semanas antes de empezar, la responsabilidad de un cambio de registro tan enorme para tener que interpretar su papel, llevó a Alterio a declinar su participación en la película. Afortunadamente, cambió de opinión. Y por último destacar un cameo del director que aparece como pasajero en un taxi, así como Guillermo Toledo.----------------------------------------------------
Enlaces recomendados:
En Ciudadano Palomita encontraréis todo sobre los musicales en sus diferentes estilos.
En la base de datos de imdb.com hay información sobre todos los musicales y los datos más curiosos.
Reportajes sobre los musicales de Hollywood
Descargas de algunas canciones de los musicales más conocidos
El musical según Wikipedia
"Cada película es un eniga que hay que investigar"
Palomitas Curiosas ha entrevistado esta semana a un experto en cine. Roberto Cueto asegura ser un amante del séptimo arte. Colabora como crítico en revistas como “Dirigido por”, “Cinemanía” o “El Cultural” de El Mundo y es profesor en la Universidad Carlos III de Madrid. Con su colaboración intentaremos acercarnos a todos los géneros que abarca nuestro anillo de blogs mediante la crítica.¿Por qué decidiste dedicarte a la crítica de cine?
Desde muy pequeño me encantaba quedarme por las noches viendo las películas, pero poco a poco esta afición empezó a ocupar casi todo mi tiempo. En la universidad me encantaba investigar por mis propios medios sobre nuevas películas, ir a la filmoteca…no me conformaba con las películas que proyectaban en los cines o que echaban en la televisión. Estudié Filología Hispánica pero comencé a trabajar como periodista de cine en la revista TP y me fui profesionalizando. Las claves son ver muchas pelis y leer mucho sobre cine.
Como crítico, ¿qué exiges a una película para poder calificarla de “buena”?
Ante todo que sean coherentes. Si una película es coherente con sus objetivos, ya sea una comedia, una peli de terror o una típica de policías, para mi será buena. Hay que tener en cuenta que las películas son opciones estéticas. Hay unos valores muy rígidos que normalmente se aplican a películas muy diferentes, y ese es el error porque son modelos de cine clásico que se intentan adaptar a las nuevas tendencias. Hay que ver las películas como enigmas, intentar descubrir por qué están ahí las cosas.
En la foto Pablo Fernández, Roberto Cueto, Javier G. Romero, Carlos Aguilar, Frank G. Rubio y Roberto Curti, durante la presentación del nº 6 de la revista Quatermass en la XV Semana de Cine Fantástico de San Sebastián (noviembre 2004)
En nuestro anillo de blogs tenemos diferentes estilos de cine. ¿Qué podría decirme sobre el cine asiático?, ¿Algún director destacado?
Es el más potente ahora mismo. Japón, Cores, Tailandia y Honk Kong son los que más han renovado. Rompen los esquemas tradicionales de contar las historias y aunque a muchos desconcierta, a mi por ejemplo me atrae mucho. Directores como Takeshi Kitano (en la foto), Kore-Eda o Takasi Miike ahora mismo son los más destacados. Aunque para curioso Takasi Miike. Ahora mismo es uno de los directores más sorprendentes del cine mundial. Dirige aproximadamente 3 o 4 películas al año por lo que presenta films en casi todos los festivales. En 15 años tiene unas 60 películas y todas muy variadas.¿Y alguna curiosidad sobre el cine de autor?
Podemos destacar una corriente muy reciente en EEUU. Autores como Richard Nelly o Jared Hess con “Napoleón Dynamite”, una peli sobre frikis, pertenecen a esta corriente. Pero hacer cine de autor en EEUU es muy difícil. Pronto las grandes productoras te tientan con cantidades insólitas de dinero y se pasan a un cine más comercial. Un ejemplo es el director de “Memento” que grabó “Batman”. En Europa es diferente. Está más arraigado el sentimiento de autor y no suelen pasarse a “lo comercial”. Es curioso el caso de Amenábar. Después de hacer “Los Otros” le ofrecieron dirigir “Harry Potter”. Imagínate el dinero que le pondrían sobre la mesa, pero decidió seguir con una propuesta mucho más arriesgada comercialmente “Mar adentro”.Hablando del cine más comercial, ¿alguna crítica al cine yanki?
El cine norteamericano tiene un problema. Se vende más merchandasing que películas en sí. Hay camisetas, muñecos, videojuegos…puedes comprar todo lo que quieras de tus héroes o películas favoritas. Son productos muy manufacturados porque mueven mucho dinero y no pueden arriesgar. Pero hay películas buenas e incluso películas comerciales con estructura de cine de autor. “Syriana”, “Buenas noches y buena suerte” o “Munich”, son algunas de ellas. También es curioso el caso de Spielberg. Puede hacer cualquier tipo de película: son todas comerciales, por los actores y por él mismo, pero cada película muestra formas diferentes y algunas muy arriesgadas.También tenemos un blog sobre animación. Últimamente se critica mucho el cine de dibujos por contener temas que no son para niños, ¿qué opina?
No me parece que esta crítica sea acertada. Ahora mismo creo que hay de todo pero las películas de animación más interesantes vienen de Japón. Películas como “el viaje de Chihiro” o “El castillo ambulante”, aunque los doblajes en español son muy infantiles y la película pierde bastante. En España se tiene la concepción del cine de animación para familias. Pero el hecho de que aparezcan dibujos no significa que sea para niños. Cuando estrenaron “South Park” muchos padres se quejaban por el contenido de esos dibujos, pero no entendían que no eran para niños. Lo mismo ocurre con el cine japonés. Son películas de animación pero para adultos, y los padres deben ser conscientes de esto y no llevar al niño a ver cualquier película porque sean dibujos.Y por último, el cine español. Se nos está diciendo que no está tan mal como parece, ¿es cierto esto?
No. Si conoces la industria por dentro claramente se ve que el cine español está muy mal. Hay tres películas al año que consiguen buenos resultados, pero se producen aproximadamente una 120. 115 películas aproximadamente nadie ve. Pero no creo que sea porque la gente odie el cine español, simplemente es que el cine español no conecta con el público. Es un cine que depende mucho de las subvenciones y eso anquilosa mucho y da poca movilidad y pocas oportunidades al cine joven. El Ministerio vende este falso triunfalismo por el éxito de dos directores, como mucho tres, e incluso se falsean cifras introduciendo en las cuentas producciones norteamericanas con colaboración española.
Este blog habla de curiosidades del cine, ¿nos destacas alguna?
Un reportaje que escribí hablaba de los falsos tópicos del cine. Hablamos de abrir una cerradura disparándola, o la explosión de dos coches cuando chocan. Hablé con policías y cerrajeros y me dijeron que esto era imposible. Si disparas una cerradura, la atascas. Si dos coches chocan es muy difícil, casi imposible que exploten al instante. Pero esto influye mucho en el espectador y en caso de accidente no irán a socorrer a los heridos por miedo a que explote el coche, porque lo han visto en las pelis.Con respecto a esto, ¿el cine puede influir en la conducta de la gente?
Hay mucha polémica por la influencia del cine para generar comportamientos violentos o agresivos sobre todo en jóvenes, pero no estoy de acuerdo. Un joven sabe distinguir perfectamente la ficción de la realidad. El problema surge en jóvenes que no están bien psicológicamente. Quizás al ver una película puede tener la idea de hacer algo, pero no porque la película genere en el ese acto violento, sino porque el muchacho no está sano.
Y para terminar, algo curioso sobre ti, ¿cuál es tu película y por qué?
Es difícil decidirme pero mi género favorito es fantástico o de terror y mi película… “King Kong”. Cuando era pequeño fue la primera película de la que era totalmente consciente y hay una escena que no se me olvida y que me marcó mucho. Cuando sacan a la chica del poblado a la zona oscura para ofrecérsela al monstruo y todos están observando desde el poblado, en la parte “segura”, me recordaba a cuando tenía que atravesar mi pasillo a oscuras para ir al baño y al volver veía la luz del comedor como la parte “segura”. Es un miedo muy infantil que me trae muchos recuerdos.----------------------------------------------
Lo que no nos ha contado...
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Ha escrito 5 libros como "Dentro y Fuera de Hollywood, la Tradición Independiente en el Cine Americano" junto a Antonio Weinrichter que presentó en el Festival de cine de Gijón- Sus otros libros:
Cien bandas sonoras en la historia del cine (Madrid, Nuer, 1996)
Co-autor de Drácula: De Transilvania a Hollywood (Madrid, Nuer, 1997)
Coordinador de Los desarraigados en el cine español (Gijón, Festival de Cine de Gijón, 1998)
Autor de El lenguaje invisible. Entrevistas con compositores del cine español (Alcalá de Henares, Festival de Cine de Alcalá de Henares, 2003).
En la tienda ciberdark.net se encuentran más títulos suyos.
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Organizó junto a Jesús Palacios La muestra de cine fantástico y de ciencia ficción de Calle 13Es autor de más de una treintena de artículos y ha participado en conferencias por toda españa:
“Una introducción a la música de cine”, dentro del ciclo Cine y música, organizado por La Universidad de Castellón y el Festival de Benicassim (Castellón, 1998)
- “La música en el cine americano de los años setenta: De la ruptura al nuevo clasicismo”, dentro del curso Voces y ecos del nuevo cine americano: El relevo de los setenta organizado por Caja de Asturias (Oviedo, 1999)
- “Seis aproximaciones a Drácula”, en las jornadas sobre Drácula organizadas por la tertulia cinematográfica Sala oscura (Sama de Langreo, 2000).
-Algunas de sus críticas:
En Pasadizo.com
En La coctelera
Crónica de un festival curioso: Cannes
El Festival de Cannes ha ocupado las portadas del mundo del cine durante la última semana. En palomitas Curiosas haremos un pequeño repaso por alguna polémicos, el cine hispano y alguna que otra noticia curiosa.Un Festival que venía repleto de los más grandes de la gran pantalla: Almodóvar, Ken Loach, Nanni Moretti, González Iñárritu, Kaurismaki, Sofia Coppola, Guillermo del Toro, Ron Howard, Oliver Stone...
Todo empezaba con la esperada proyección de 'El Código Da Vinci'. La película que tanto ha dado que hablar en las semanas pasadas resultó no ser del agrado de los críticos de Cannes. Ni un solo aplauso se escuchó en su primera proyección para la prensa especializada en el certamen, y según se ha comentado ya se conoce su secreto: el aburrimiento. Precedido de un secretismo sin precedentes, sin y con una expectación mantenida hasta el último minuto, el equipo de El Código Da Vinci llegó el martes por la tarde a Cannes en un tren, rodeados por un despliegue policial en la estación similar al de las grandes cumbres de las superpotencias mundiales. Y con la polémica de la Iglesia a sus espaldas. Pero tanto el director como sus actores insistieron en que se trata de pura ficción y una oportunidad para iniciar un debate. El director del film, tras la polémica que ha levantado, recomendó a la gente que se pueda sentir ofendida no ir al cine hasta que hable con alguien que haya visto su película. "Esto es entretenimiento, no teología", aseguró.
Con esta cinta se abrió el festival en el que han competido 20 películas, cuatro de ellas hispanas, durante diez días. Diez intensos días en los que no ha faltado la polémica.
Según anunciaba la prensa local china, Lou Ye, el único director chino cuya película, "Summer Palace", aspiraba a la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes podría ser penalizado por asistir al evento sin el permiso del Gobierno chino. La película ha llamado la atención por su contenido, que se desarrolla con el telón de fondo de las protestas estudiantiles de 1989 (que acabaron en masacre) y por sus secuencias sexuales, dos tabúes para el gobierno comunista, explica el "South China Morning Post" (SCMP). Un cine, el asiático, que a pesar de la alta representación que ha tenido en ediciones anteriores, este año solo ha contado con Lou Ye. No obstante y para subrayar la importancia de ese cine, por primera vez en la historia del certamen un chino, Wong Kar Wai, presidió el jurado internacional. Pero no estuvo mal acompañado. Las actrices Monica Bellucci, Helena Bonham Carter y Zhang Ziyi y los actores Samuel L. Jackson y Tim Roth, así como de los directores Patrice Leconte, Elia Suleiman y la argentina Lucrecia Martel acompañaron al director chino en el jurado del festival.
Pero no podemos olvidarnos de la alta representación hispana en el festival. Almodóvar, Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu (en la foto con su premio), Adrián Caetano y Pedro Costa. La primera vez en 59 años que cinco películas iberoamericanas compiten por la Palma de Oro, el galardón cinematográfico seguramente más cotizado.Representación hispana muy variada pero el cine español ha salido muy bien parado. Aunque no podemos olvidarnos de la felicitación para Iñárritu que consiguió la Palma a mejor Director, Almodóvar también se llevó su premio. Conseguía el galardón especial a "las chicas Almodóvar" y el premio al mejor guión, aunque el director español no parecía satisfecho.
El rostro del pasado domingo parecía mostrar decepción por no haber conseguido la Palma de Oro, pero en declaraciones al diario "Le Parisien", Almodóvar explicaba lo que pasaba: "El Festival le comunicó en la mañana del domingo que «Volver» había ganado los galardones del mejor guión y la interpretación femenina, y obligó a Almodóvar y a cinco de las seis actrices premiadas a correr hacia un avión para llegar a la clausura, que comenzaba a las 19:30 horas.
«Tengo que decirle una cosa a los organizadores: la próxima vez, si es que la hay, que no esperen a la mañana del palmarés para pedirnos que saltemos a un avión. Es verdaderamente estresante, absolutamente horrible para mis actrices y para mí. Lo digo sin acritud, pero que quede claro»", comentó Almodóvar enojado en el citado periódico.
A pesar de estas incidentes y de que para algunos, el festival no ha resultado de la calidad cinematográfica esperada, el cine español se ha quedado con un buen sabor de boca, con un Almodóvar que de nuevo ha demostrado que nuestro cine también tiene presencia fuera de nuestras fronteras. Como sabeís tenéis todo sobre el cine español en Palomitas a la Española.
Antes de terminar parece interesante hacer un breve repaso por la historia del Festival, que ya desde sus comienzos trajo algún que otro problema.
Se pueden buscar las raíces del actual festival en la Venecia del 32, donde se organizó el primer festival internacional de cine. En aquella época el acontecimiento tenía mucho más que ver con los problemas políticos que con las películas en sí mismas y en Venecia se empezaban a favorecer las filmografías alemana e italiana. En 1938 la ciudad gala se siente muy ofendida al no encontrar ningún reconocimiento a 'La gran ilusión', de Jean Renoir. Los franceses se marcharon del festival, al igual que los representantes británicos y estadounidenses, por la irrupción de la política que consideraban había en el arte. Poco después, un grupo de críticos y cineastas franceses se reunieron para pedir al gobierno francés que estudiase las posibilidades de crear un festival internacional de cine en Francia, donde los filmes pudieran competir y ser vistos apartando los problemas políticos y la represión.Y así fue como finalmente en 1 de septiembre del 1939 se inauguró el Festival International du Film aunque tuvo que ser cancelado un día después por el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Hubo que esperar al 20 de septiembre de 1946 para que se celebrara la primera edición del festival en la Riviera francesa, que acogió trabajos de cineastas como Billy Wilder, Roberto Rosellini, Alfred Hitchcock y Walt Disney. Louis Lumière presidió el primer jurado.
Sin duda un comienzo muy agitado para un festival que tiene una historia llena de grandes glorias del cine: Orson Welles, Ingmar Bergman, Federico Fellini, Luis Buñuel, Robert Mitchum, Brigitte Bardot (en la foto), Olivia de Havilland (la primera mujer que presidió un jurado) o Jane Campion, la única fémina galardonada con la Palma de Oro, por 'El Piano' (1993). --------------------------------------
PREMIOS
PALMA DE ORO 'El viento que agita el centeno', de Ken Loach (Reino Unido)
GRAN PREMIO del JURADO 'Flandres', de Bruno Dumont (Francia)
MEJOR DIRECTOR Alejandro González Iñárritu, por 'Babel' (México)
MEJOR ACTOR Los cinco actores de 'Indigenes', de Rachid Bouchareb (Francia-Argelia)
MEJOR ACTRIZ Las seis actrices de 'Volver', dirigida por Pedro Almodóvar (España)
MEJOR GUIÓN 'Volver', de Pedro Almodóvar (España)
MEJOR CORTO 'Sniffer', de Bobbie Peers (Noruega)
PREMIO DEL JURADO Read Road, de Andrea Arnold (Reino Unido)
MEJOR DIRECTOR NOVEL Corneliu Porumboiu, por 'A fost sau n-a fost' (Rumanía)
CORTO PREMIO DEL JURADO Primera nieve, de Pablo Agüero (Argentina)
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ENLACES DE INTERÉS:
Página oficial del Festival de Cannes 2006
Toda la historia de Cannes:
- Blogdecine.com
Resumen Cannes:
-zinema.com
Especial Cannes y Almodóvar:
-elmundo.es