Suspense, Intriga y... Acción!!
Marion decide, tras la cena con Norman, darse una ducha antes de dormir. Se desnuda, se mete en la ducha y abre el grifo. De repente, una mano empuñando un puñal entra en escena y la asesina. Adiós a la protagonista, bienvenidos a la mejor escena rodada por el gran maestro del suspense cinematográfico: Alfred Hitchcock.
Todo espectador, sea cinéfilo o no, ha oído hablar, al menos una vez en su vida, de Alfred Hitchcock. Y es que, tanto para los teóricos como para los propios cineastas, Hitchcock es el gran maestro del suspense, uno de los autores que mejor ha entendido el thriller a lo largo de la Historia del Cine. Nadie como él ha sabido entender los miedos y las angustias de los espectadores. Nadie como él ha sido capaz de mantener la tensión del público durante la hora y media de duración de la película. Nadie como él ha entendido el miedo del ser humano y ha sabido traducirlo en imágenes.
Si eres un gran experto en la obra de este director, este artículo te ayudará a refrescar tus conociemientos e incluso a aprender algo más sobre el tema. Si, por el contrario, todavía no has tenido la oportunidad de sumergirte en el fabuloso mundo "hitchcockiano", ésta es tu oportunidad.
1. Biografía
Alfred Hitchcock nació en Londres en 1899, en el seno de una familia católica (algo poco común Inglaterra) amante del teatro. Siempre fue un niño solitario, bueno e introvertido, tal y como seguiría siendo toda su vida. Creció en un ambiente de alta religiosidad, ya que estudió en un internado jesuita, el Saint Ignatius College. Allí desarrolló gran parte de sus miedos, tal y como él reconocía: "Probablemente durante mi estancia con los jesuitas el miedo se fortaleció en mí. Miedo moral a ser asociado a todo lo que está mal. Siempre he permanecido apartado de ello". De hecho, en sus películas simpre triunfan los buenos, los que representan el ideal moral (aunque en algunos momentos puedan pecar levemente), y no hay ninguna escena explícita de sexo o desnudos.
Al dejar la escuela entró en laSchool of Engineering and Navigation , pues su primera vocación fue la de ingeniero. Pronto se dio cuenta de que no quería dedicarse a ello, pero ganó algunos conocimientos que luego le resultaron muy útiles en el cine sobre movimiento y electricidad. Más tarde, a los dieciniueve años, empezó a trabajar en la Compañía Telegráfica Henley a la vez que hacía cursos de Bellas Artes en la Universidad de Londres. Ya en esa época sentía fascinación por el cine y le gustaba especialmente la pelicula de Griffith "Nacimiento de una nación"
Cambió ese trabajo por el de diseñador de intertítulos de la productora americana "Famous Players-Lasky". Desde alli, fue ascendiendo hasta convertirse en director artístico. En esos años, descubrió los entresijos de la industria cinematográfica.
Pocos años después le ofrecieron la oportunidad de rodar su primera película, "El jardín de la alegría". A partir de entonces, rodó muchas películas en Inglaterra. Cuando los estudios comenzaron a tomarlo en serio, lo reclamaron desde Estados Unidos, donde rodó sus mejores películas. Su obra estuvo plagada de grandes éxitos, pero también conoció el fracaso.
El gran artista del suspense murió el 29 de abril de 1980, pero su obra se mantiene tan viva como cuando se rodó.
●Para saberlo todo sobre la vida de este gran artista
●Lo que dice de él la Wikipedia
●Hitchcock poco antes de morir, según Truffaut
2. El suspense y Hitchcock
El director inglés conocía a la perfección a los espectadores, sabía cómo hacerles sentir miedo, compasión, alegría o cualquier otra emoción. Él, que era un gran miedoso, tenía una cierta predilección por el suspense, por la tensión, porque crea una doble sensación en el público que le resultaba muy interesante: por un lado, el espectador siente una gran angustia mientras ve la película; por el otro, disfruta, obtiene un gran placer viéndola. Estas dos emociones, opuestas, son un reflejo de la complejidad del ser humano y fascinaban al director.
En sus películas utilizaba el suspense, pero también otros lenguajes cinematográficos como la intriga (sorpresa). A veces sólo recurría a uno de ellos, pero en otras ocasiones, los intercalaba. Un ejemplo claro es "Psicosis", probablemente la película más aclamada del director. En este filme, el director se decanta por el suspense hasta la muerte de Marion, cuando cambia por completo la película y recurre a la intriga. Este cambio no tienen nada de gratuito, sino todo lo contrario: al principio de la pélícula, el espectador se va identificando con Marion porque entiende su situación, les son cercanas sus motivaciones. Hay empatía con ella.
Sin embargo, a raíz de la muerte de la protagonista, el personaje principal pasa a ser Norman Bates, y el espectador, aunque en algunos momentos pueda sentir cierta empatía con el, no llega a identificarse porque la mente del personaje no es la de una persona normal. Así, las motivaciones de Bates no se pueden comprender ni anticipar.
El director explicaba así la diferencia entre suspense e intriga:
"Nosotros estamos hablando, acaso hay una bomba debajo de esta mesa y nuestra conversación es muy anodina, no sucede nada especial y de repente: bum, explosión. El público queda sorprendido. Examinemos ahora el suspense. La bomba está debajo de la mesa y el público lo sabe, probablemnte porque ha visto que el anarquista la ponía. La misma conversación anodina se vuelve de repente muy interesante porque el público participa en la escena"
En el primer caso, en el de la intriga, se le ofrecen al espectador quince o veinte segundos de sorpresa, mientras que el segundo, en el del suspense, se le ofrecen quince o veinte minutos de suspense. Ésa es la clave: el suspense atrapa durante más tiempo al espectador, que mantiene su atención fijada en la pantalla durante toda la secuencia. La relación del espectador con la película es mucho más intensa.
→El suspense, en inglés
→Las citas de Hitchcock, también en inglés
→Más suspense, esta vez en español
3. Actores
Los filmes de Hitchcock siempre se caracterizaron por estar protagonizados por estrellas del celuloide: Grace Kelly, Kim Novac, James Stewart, Laurence Olivier,... Y es que el director no concebía sus películas sin sus estrellas, en especial sin "sus rubias". Consideraba que el cabello rubio era el ideal femenino, y por ello siempre optaba por actrices con este tono de pelo para encarnar a sus heroínas.
Muchos teóricos y femenistas han tachado al cineasta de misógino porque consideran que trataba a las mujeres como meros objetos y que nunca daba profundidad a los personajes femeninos. Sin embargo, esto no es del todo cierto, ya que los papeles que Hitchcock daba a las actrices siempre eran los más atractivos, las heroínas, que podían resultar insulsas por las convenciones propias de la época más que por la misoginia del autor. Además, no hay que olvidar que el director nunca daba mucha profundidad a ningún personaje, ya fuera hombre o mujer, porque no le parecía necesario: contaba todo aquello que requería el filme a través de la puesta en escena.
Dos de sus actrices fetiches fueron Grace Kelly, con la que rodó tres películas ("Atrapa a un ladrón", "La ventana indiscreta" y) e Ingrid Bergman ("Encadenados", "). El director se sintió abandonado por ambas: Kelly dejó el cine para casarse con el Príncipe Rainiero de Mónaco, y Bermang decidió buscar fortuna en el cine europeo (posteriormente se casaría con el director italiano Roberto Fellini).
Poco después descubrió a Tippi Hendren en un anuncio en una revista y decidió contratarla para protagonizar "Los pájaros". La película fue un éxito y decidió contar con ella para "Marnie, la ladrona". La actriz ha declarado que se sintió acosada durante los rodajes por el director, que intentaba controlar todos los aspectos de su vida.
En cuanto al trato que le daba a los actores en general, hay que destacar que nunca les prestó demasiada atención. Para él, los personajes eran meros instrumentos para contar algunos detalles de la historia y para crear empatía con el público. Una vez dijo que "los actores eran ganado". Sus palabras fueron muy mal recibidas en la industria, que no supo entender su ironía, así que rectificó: "nunca dije que los actores fueran ganado. Lo que dije fue que deberían ser tratados como ganado"
Los cameos de Hitchcock se convertieron en gags después de su primera aparición en "The lodger". Para muchos fans, se ha convertido casi en un juego buscar sus apariciones como figurante. Al principio lo hizo para llenar la pantalla, pero a sus colaboradores y al público les hizo gracia y poco a poco se fue convirtiendo en un gag.
A la izquierda, el cameo del director en "Atarapa a un ladrón". A la derecha, el cameo de "Vértigo. De entre los muertos"
☼La obsesión del director por las rubias
☼Su galería de rubias, en inglés
☼Los cameos del director en sus películas
4. Filmografía
Sus mejores películas son por todos conocidas: "Psicosis", "Extraños en un tren", "Los pájaros"...pero hizo muchas más. En total, llegó a rodar 65 filmes.
Su obra fue y es tan importante que, poco antes de morir, la Reina Isable II de Iinglaterra le nombró Sir, título muy destacado para los ingleses.
☺Su filmografía al completo (en inglés)
☺Sus comentarios sobre sus obras
☺Análisis de "Los pájaros"
☺Todo sobre "La ventana indiscreta"
☺Crítica de "Psicosis"
☺Más sobre "Psicosis"
5. Puesta en escena
La puesta en escena y el montaje eran dos elementos sumamente importantes para el director. Hitchcock nunca improvisaba durante el rodaje (a excepción de "Los pájaros", en la que sí cambió algunas cosas). Normalmente tenía todo en la mente mucho antes de empezar el rodaje. Sabía cómo iba a enfocar cada situación, cómo iba a colocar la cámara, cómo iba a montar las escenas...
No era un director de grandes artificios o muchos efectos especiales, sino que conseguía, de una manera sencilla y muy sutil, contar todo aquello que requería cada escena. Tenía un estilo elegante y sabía a la perfección como debía trasmitir las emociones a los espectadores, a los que siempre tenía en consideración cuando rodaba, pues las películas las hacía para ellos.
Un ejemplo de su puesta en escena es el hecho de que muchas de sus películas comiencen con una panorámica aérea del lugar en el que se va a desarrollar la primera escena, pues así sitúa de la manera más efectiva a los espectadores. Tal es el caso de "La soga", "Los pájaros", "Psicosis", "Atrapa a un ladrón"...
El cineasta no era muy partícipe de largos diálogos en los que se ofrecía mucha información, pues los consideraba tediosos e inútiles. Para él, lo mejor y más efectivo era mostrar a través de la imagen, es decir, de la puesta en escena.
♦El estilo de Hitchcock
♦Más mundo Hitchcockiano
♦Un poquito más, esta vez en inglés
Dossier documental por Alba Redondo
Todo espectador, sea cinéfilo o no, ha oído hablar, al menos una vez en su vida, de Alfred Hitchcock. Y es que, tanto para los teóricos como para los propios cineastas, Hitchcock es el gran maestro del suspense, uno de los autores que mejor ha entendido el thriller a lo largo de la Historia del Cine. Nadie como él ha sabido entender los miedos y las angustias de los espectadores. Nadie como él ha sido capaz de mantener la tensión del público durante la hora y media de duración de la película. Nadie como él ha entendido el miedo del ser humano y ha sabido traducirlo en imágenes.Si eres un gran experto en la obra de este director, este artículo te ayudará a refrescar tus conociemientos e incluso a aprender algo más sobre el tema. Si, por el contrario, todavía no has tenido la oportunidad de sumergirte en el fabuloso mundo "hitchcockiano", ésta es tu oportunidad.
1. Biografía
Alfred Hitchcock nació en Londres en 1899, en el seno de una familia católica (algo poco común Inglaterra) amante del teatro. Siempre fue un niño solitario, bueno e introvertido, tal y como seguiría siendo toda su vida. Creció en un ambiente de alta religiosidad, ya que estudió en un internado jesuita, el Saint Ignatius College. Allí desarrolló gran parte de sus miedos, tal y como él reconocía: "Probablemente durante mi estancia con los jesuitas el miedo se fortaleció en mí. Miedo moral a ser asociado a todo lo que está mal. Siempre he permanecido apartado de ello". De hecho, en sus películas simpre triunfan los buenos, los que representan el ideal moral (aunque en algunos momentos puedan pecar levemente), y no hay ninguna escena explícita de sexo o desnudos.
"No recuerdo haber tenido jamás un compañero de juego.
Me divertía solo e inventaba mis juegos"
Me divertía solo e inventaba mis juegos"
Al dejar la escuela entró en la
Cambió ese trabajo por el de diseñador de intertítulos de la productora americana "Famous Players-Lasky". Desde alli, fue ascendiendo hasta convertirse en director artístico. En esos años, descubrió los entresijos de la industria cinematográfica.
Pocos años después le ofrecieron la oportunidad de rodar su primera película, "El jardín de la alegría". A partir de entonces, rodó muchas películas en Inglaterra. Cuando los estudios comenzaron a tomarlo en serio, lo reclamaron desde Estados Unidos, donde rodó sus mejores películas. Su obra estuvo plagada de grandes éxitos, pero también conoció el fracaso. El gran artista del suspense murió el 29 de abril de 1980, pero su obra se mantiene tan viva como cuando se rodó.
●Para saberlo todo sobre la vida de este gran artista
●Lo que dice de él la Wikipedia
●Hitchcock poco antes de morir, según Truffaut
2. El suspense y Hitchcock
El director inglés conocía a la perfección a los espectadores, sabía cómo hacerles sentir miedo, compasión, alegría o cualquier otra emoción. Él, que era un gran miedoso, tenía una cierta predilección por el suspense, por la tensión, porque crea una doble sensación en el público que le resultaba muy interesante: por un lado, el espectador siente una gran angustia mientras ve la película; por el otro, disfruta, obtiene un gran placer viéndola. Estas dos emociones, opuestas, son un reflejo de la complejidad del ser humano y fascinaban al director.
En sus películas utilizaba el suspense, pero también otros lenguajes cinematográficos como la intriga (sorpresa). A veces sólo recurría a uno de ellos, pero en otras ocasiones, los intercalaba. Un ejemplo claro es "Psicosis", probablemente la película más aclamada del director. En este filme, el director se decanta por el suspense hasta la muerte de Marion, cuando cambia por completo la película y recurre a la intriga. Este cambio no tienen nada de gratuito, sino todo lo contrario: al principio de la pélícula, el espectador se va identificando con Marion porque entiende su situación, les son cercanas sus motivaciones. Hay empatía con ella. Sin embargo, a raíz de la muerte de la protagonista, el personaje principal pasa a ser Norman Bates, y el espectador, aunque en algunos momentos pueda sentir cierta empatía con el, no llega a identificarse porque la mente del personaje no es la de una persona normal. Así, las motivaciones de Bates no se pueden comprender ni anticipar.
El director explicaba así la diferencia entre suspense e intriga:
"Nosotros estamos hablando, acaso hay una bomba debajo de esta mesa y nuestra conversación es muy anodina, no sucede nada especial y de repente: bum, explosión. El público queda sorprendido. Examinemos ahora el suspense. La bomba está debajo de la mesa y el público lo sabe, probablemnte porque ha visto que el anarquista la ponía. La misma conversación anodina se vuelve de repente muy interesante porque el público participa en la escena"
En el primer caso, en el de la intriga, se le ofrecen al espectador quince o veinte segundos de sorpresa, mientras que el segundo, en el del suspense, se le ofrecen quince o veinte minutos de suspense. Ésa es la clave: el suspense atrapa durante más tiempo al espectador, que mantiene su atención fijada en la pantalla durante toda la secuencia. La relación del espectador con la película es mucho más intensa.
→El suspense, en inglés
→Las citas de Hitchcock, también en inglés
→Más suspense, esta vez en español
3. Actores
Los filmes de Hitchcock siempre se caracterizaron por estar protagonizados por estrellas del celuloide: Grace Kelly, Kim Novac, James Stewart, Laurence Olivier,... Y es que el director no concebía sus películas sin sus estrellas, en especial sin "sus rubias". Consideraba que el cabello rubio era el ideal femenino, y por ello siempre optaba por actrices con este tono de pelo para encarnar a sus heroínas.
"Las rubias son mejores víctimas.
Son como nieve virgen que muestra
las huellas ensangrentadas"
Son como nieve virgen que muestra
las huellas ensangrentadas"
Muchos teóricos y femenistas han tachado al cineasta de misógino porque consideran que trataba a las mujeres como meros objetos y que nunca daba profundidad a los personajes femeninos. Sin embargo, esto no es del todo cierto, ya que los papeles que Hitchcock daba a las actrices siempre eran los más atractivos, las heroínas, que podían resultar insulsas por las convenciones propias de la época más que por la misoginia del autor. Además, no hay que olvidar que el director nunca daba mucha profundidad a ningún personaje, ya fuera hombre o mujer, porque no le parecía necesario: contaba todo aquello que requería el filme a través de la puesta en escena. Dos de sus actrices fetiches fueron Grace Kelly, con la que rodó tres películas ("Atrapa a un ladrón", "La ventana indiscreta" y) e Ingrid Bergman ("Encadenados", "). El director se sintió abandonado por ambas: Kelly dejó el cine para casarse con el Príncipe Rainiero de Mónaco, y Bermang decidió buscar fortuna en el cine europeo (posteriormente se casaría con el director italiano Roberto Fellini).Poco después descubrió a Tippi Hendren en un anuncio en una revista y decidió contratarla para protagonizar "Los pájaros". La película fue un éxito y decidió contar con ella para "Marnie, la ladrona". La actriz ha declarado que se sintió acosada durante los rodajes por el director, que intentaba controlar todos los aspectos de su vida.
En cuanto al trato que le daba a los actores en general, hay que destacar que nunca les prestó demasiada atención. Para él, los personajes eran meros instrumentos para contar algunos detalles de la historia y para crear empatía con el público. Una vez dijo que "los actores eran ganado". Sus palabras fueron muy mal recibidas en la industria, que no supo entender su ironía, así que rectificó: "nunca dije que los actores fueran ganado. Lo que dije fue que deberían ser tratados como ganado"
Los cameos de Hitchcock se convertieron en gags después de su primera aparición en "The lodger". Para muchos fans, se ha convertido casi en un juego buscar sus apariciones como figurante. Al principio lo hizo para llenar la pantalla, pero a sus colaboradores y al público les hizo gracia y poco a poco se fue convirtiendo en un gag.
A la izquierda, el cameo del director en "Atarapa a un ladrón". A la derecha, el cameo de "Vértigo. De entre los muertos"
☼La obsesión del director por las rubias
☼Su galería de rubias, en inglés
☼Los cameos del director en sus películas
4. Filmografía
Sus mejores películas son por todos conocidas: "Psicosis", "Extraños en un tren", "Los pájaros"...pero hizo muchas más. En total, llegó a rodar 65 filmes.
Su obra fue y es tan importante que, poco antes de morir, la Reina Isable II de Iinglaterra le nombró Sir, título muy destacado para los ingleses.
☺Su filmografía al completo (en inglés)
☺Sus comentarios sobre sus obras
☺Análisis de "Los pájaros"
☺Todo sobre "La ventana indiscreta"
☺Crítica de "Psicosis"
☺Más sobre "Psicosis"
5. Puesta en escena
La puesta en escena y el montaje eran dos elementos sumamente importantes para el director. Hitchcock nunca improvisaba durante el rodaje (a excepción de "Los pájaros", en la que sí cambió algunas cosas). Normalmente tenía todo en la mente mucho antes de empezar el rodaje. Sabía cómo iba a enfocar cada situación, cómo iba a colocar la cámara, cómo iba a montar las escenas...
No era un director de grandes artificios o muchos efectos especiales, sino que conseguía, de una manera sencilla y muy sutil, contar todo aquello que requería cada escena. Tenía un estilo elegante y sabía a la perfección como debía trasmitir las emociones a los espectadores, a los que siempre tenía en consideración cuando rodaba, pues las películas las hacía para ellos.Un ejemplo de su puesta en escena es el hecho de que muchas de sus películas comiencen con una panorámica aérea del lugar en el que se va a desarrollar la primera escena, pues así sitúa de la manera más efectiva a los espectadores. Tal es el caso de "La soga", "Los pájaros", "Psicosis", "Atrapa a un ladrón"...
El cineasta no era muy partícipe de largos diálogos en los que se ofrecía mucha información, pues los consideraba tediosos e inútiles. Para él, lo mejor y más efectivo era mostrar a través de la imagen, es decir, de la puesta en escena.
♦El estilo de Hitchcock
♦Más mundo Hitchcockiano
♦Un poquito más, esta vez en inglés
Dossier documental por Alba Redondo
La rosa púrpura de El Cairo
La semana pasada el Círculo de Bellas Artes ofreció a sus usuarios un ciclo de cine sobre Woody Allen. Entre las películas que se proyectaron se encontraba La rosa púrpura de El Cairo (The purple rose of Cairo, 1985). Este filme se enmarca en la América de los años 30, un país que tras el crack del 29 está sumido en una profunda crisis. Cecilia, encarnada por Mia Farrow, es una víctima más de las pésimas circunstancias en las que vive Estados Unidos: tiene una situación económica difícil y es infeliz en su matrimonio. Sólo el cine es capaz de sacarla de su triste y cruel realidad.
Como si de un hechizo se tratara, Cecilia va al cine una y otra vez para ver una película: La rosa púrpura de El Cairo. Una tarde, uno de los personajes de esta película, Tom Baxter (Jeff Daniels), decide salir de la pantalla ante el asombro de espectadores y demás personajes. Tom, que es un explorador del antiguo Egipto, se presenta ante Cecilia y le confiesa que está enamorado de ella.
A partir de este momento ambos vivirán una idílica y controvertida historia de amor, mientras que, alrededor de ellos, el mundo está patas arriba: el resto de los personajes de la película intentan continuar con la narración pero Tom Baxter es un personaje clave para el desarrollo de la acción. Mientras tanto, los espectadores se dividirán entre los que, curiosos, se acercan a ver a una película sin rumbo y los que, indignados, abandonarán la sala sin ver su deseado film. Además, el productor de la película será advertido de la rebelión de Tom Baxter y será el propio actor el que tenga que viajar a Nueva Jersey en busca de su rebelde interpretación. Finalmente, el actor que interpreta a Tom Baxter intentará cautivar a Cecilia, que será engañada sin pudor por la estrella de Hollywood. Éste sólo la utilizará para deshacerse de Baxter.
Durante la película y, especialmente al final de ésta, Mia Farrow se verá en el dilema de elegir entre un hombre ideal o uno real (aunque aparentemente pueden parecer el mismo), elegir entre un mundo u otro. Al mismo tiempo, es el propio es el propio Woody Allen el que pregunta a los espectadores: "¿en qué mundo quieres vivir tú?". El mundo real y el mundo de ficción se unen por unos minutos a través de una metalepsis, un recurso con el que Tom Baxter entra en contacto con la realidad y que termina provocando en el espectador una extraña combinación entre hilaridad y envidia. Será por esto por lo que, en los últimos minutos del film mientras Cecilia observa atenta la pantalla, uno espera que la protagonista de la “verdadera” Rosa púrpura de El Cairo, se de media vuelta y le guiñe un ojo.
No obstante, resulta paradójico hablar de “mundo real” y “mundo ficticio” cuando se está hablando de una película en la que, supuestamente, todo pertenece a un mundo de ilusión. Además, en momentos como éste, La rosa púrpura de El Cairo se convierte en una metapelícula en la que el espectador se ve identificado con la protagonista de la película, que a su vez es espectadora de su propia Rosa púrpura de El Cairo.
En definitiva, este film no sólo nos presenta una historia de amor: nos presenta la dualidad entre dos mundos. Es una reflexión sobre la crueldad y la miseria del la vida, que encuentra como contraposición el mundo imaginario del cine, el único en el que es posible que se cumplan los sueños. Por eso, esta película, pese a tener un nostálgico final, es capaz de dejarte con el buen regusto clásico de esas películas con las que el espectador recuerda la grandeza del cine.
Ficha técnica
Estudio en Miradas de Cine
Woody Allen
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Por Celia Prieto
Como si de un hechizo se tratara, Cecilia va al cine una y otra vez para ver una película: La rosa púrpura de El Cairo. Una tarde, uno de los personajes de esta película, Tom Baxter (Jeff Daniels), decide salir de la pantalla ante el asombro de espectadores y demás personajes. Tom, que es un explorador del antiguo Egipto, se presenta ante Cecilia y le confiesa que está enamorado de ella.
A partir de este momento ambos vivirán una idílica y controvertida historia de amor, mientras que, alrededor de ellos, el mundo está patas arriba: el resto de los personajes de la película intentan continuar con la narración pero Tom Baxter es un personaje clave para el desarrollo de la acción. Mientras tanto, los espectadores se dividirán entre los que, curiosos, se acercan a ver a una película sin rumbo y los que, indignados, abandonarán la sala sin ver su deseado film. Además, el productor de la película será advertido de la rebelión de Tom Baxter y será el propio actor el que tenga que viajar a Nueva Jersey en busca de su rebelde interpretación. Finalmente, el actor que interpreta a Tom Baxter intentará cautivar a Cecilia, que será engañada sin pudor por la estrella de Hollywood. Éste sólo la utilizará para deshacerse de Baxter.Durante la película y, especialmente al final de ésta, Mia Farrow se verá en el dilema de elegir entre un hombre ideal o uno real (aunque aparentemente pueden parecer el mismo), elegir entre un mundo u otro. Al mismo tiempo, es el propio es el propio Woody Allen el que pregunta a los espectadores: "¿en qué mundo quieres vivir tú?". El mundo real y el mundo de ficción se unen por unos minutos a través de una metalepsis, un recurso con el que Tom Baxter entra en contacto con la realidad y que termina provocando en el espectador una extraña combinación entre hilaridad y envidia. Será por esto por lo que, en los últimos minutos del film mientras Cecilia observa atenta la pantalla, uno espera que la protagonista de la “verdadera” Rosa púrpura de El Cairo, se de media vuelta y le guiñe un ojo.No obstante, resulta paradójico hablar de “mundo real” y “mundo ficticio” cuando se está hablando de una película en la que, supuestamente, todo pertenece a un mundo de ilusión. Además, en momentos como éste, La rosa púrpura de El Cairo se convierte en una metapelícula en la que el espectador se ve identificado con la protagonista de la película, que a su vez es espectadora de su propia Rosa púrpura de El Cairo.
En definitiva, este film no sólo nos presenta una historia de amor: nos presenta la dualidad entre dos mundos. Es una reflexión sobre la crueldad y la miseria del la vida, que encuentra como contraposición el mundo imaginario del cine, el único en el que es posible que se cumplan los sueños. Por eso, esta película, pese a tener un nostálgico final, es capaz de dejarte con el buen regusto clásico de esas películas con las que el espectador recuerda la grandeza del cine.Ficha técnica
Estudio en Miradas de Cine
Woody Allen
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Por Celia Prieto
Kill Bill: el placer del puro cine
Quentin Tarantino nos deleitó en 2004 con Kill Bill vol. 2, la continuación de su film más controvertido y, como veremos, más complejo. 5con20 te desvela alguno de los secretos que hacen que esta película sea excepcional y se haya convertido en cult-movie para los amantes del Séptimo Arte. Escucha_el_sonido_Tarantino.mp3
Una de las características de la Posmodernidad es la reivindicación de la cultura popular. Mientras que la Modernidad había reivindicado el arte elevado o difícil, la Posmodernidad lucha por la recuperación del pop, el rock y por la búsqueda de sistemas donde todo pueda mezclarse y recuperarse, diluyendo los límites entre la cultura alta y la vulgar. A consecuencia de esa mezcla nace el Intertexto: unos productos de consumo se refieren a otros.
Algo así debió pensar el freak de Tarantino cuando empezó a escribir Kill Bill. Él, quizás el director Posmoderno por excelencia, hace alarde de su especialización en un área del cine muy concreta: las películas de artes marciales. Y decide mezclar ese estilo con los spaghetti westerns y las películas japonesas de Samuráis. ¿El resultado? Un epílogo de todo su cine con referencias constantes a la producción de los últimos 30 años, ambientado en un universo de iconos para cinéfilos.
Kill Bill vol.1 es acción y Kill Bill vol.2, reflexión. Uma Thurman pretende dejar de ser asesina porque se queda embarazada y a partir de aquí se desarrolla la acción. Podríamos interpretar que el cine de Tarantino es un cine adolescente y el embarazo de la protagonista es el nexo que va llevando poco a poco a la Mamba Negra hacia el mundo real. Bill (David Carradine) la mata por eso: pretende abandonar el mundo de ficción que ambos comparten.
Si eres de los que te gustó, estos detalles harán que vuelvas a ver la película:
Por exigencias de la productora que la comercializó, Kill Bill tuvo que ser “troceada” en dos. Tarantino decidió que los títulos contuvieran Vol.1 y Vol.2, algo muy característico del cine japonés.
Se considera que el mejor plano de la historia del cine lo consiguió John Ford en la toma final de Centauros del Desierto. Quentin Tarantino juega con ello: cuando Bill llega a la pseudo-boda de la Mamba Negra, la pantalla se torna a blanco y negro y reproduce ese mismo plano.
Aunque la película está producida por Miramax, el largometraje empieza con el logotipo de una productora japonesa, es decir, tal y como empiezan tantas películas de artes marciales.
El mono amarillo que lleva Uma Thurman es un homenaje al que llevaba Bruce Lee, al igual que la banda sonora de la película coincide en varias ocasiones con la que sonaba en la serie de televisión que Bruce Lee protagonizaba. La banda sonora de todo el largo es reciclaje de otras bandas sonoras. Se reconoce también en una de las escenas en la caseta del desierto una pieza musical de Por un puñado de dólares de Clint Eastwood. La admiración a todo lo que rodea a Bruce Lee no termina ahí: los antifaces que llevan los antagonistas de la Mamba Negra en su lucha samurai son también los que usaba Bruce Lee en la serie.
Las escenas tienen entre sí un tratamiento fotográfico distinto, es decir, no hay coherencia visual: ni de puesta en escena ni de acabado. Además de eso, alguna secuencia tiene algún truco añadido: cuando La Novia va a entrenarse con el maestro en artes marciales abundan los zooms, propios del cine de Hong Kong de los 70.
Las maquetas de Tokio que se ven mientras Uma Thurman llega en avión, son las mismas que se usaron en Godzilla.
En las escenas ultra-violentas de lucha se hace un homenaje a las películas de género chambara: la sangre sale disparada al cortar un miembro del cuerpo.
El Director crea su propio universo de ficción y relaciona a los personajes entre sus películas: el sheriff que estudia el caso del asesinato en la boda es también el sheriff en Abierto hasta el amanecer.
Si quieres saber más, no dudes entrar en:
Reportaje en Miradas de cine
Todo sobre Kill Bill vol.1 | Kill Bill vol. 2
Todos los secretos del film
Página Oficial de la película
Por Cristina Meléndez
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Una de las características de la Posmodernidad es la reivindicación de la cultura popular. Mientras que la Modernidad había reivindicado el arte elevado o difícil, la Posmodernidad lucha por la recuperación del pop, el rock y por la búsqueda de sistemas donde todo pueda mezclarse y recuperarse, diluyendo los límites entre la cultura alta y la vulgar. A consecuencia de esa mezcla nace el Intertexto: unos productos de consumo se refieren a otros.Algo así debió pensar el freak de Tarantino cuando empezó a escribir Kill Bill. Él, quizás el director Posmoderno por excelencia, hace alarde de su especialización en un área del cine muy concreta: las películas de artes marciales. Y decide mezclar ese estilo con los spaghetti westerns y las películas japonesas de Samuráis. ¿El resultado? Un epílogo de todo su cine con referencias constantes a la producción de los últimos 30 años, ambientado en un universo de iconos para cinéfilos.
Kill Bill vol.1 es acción y Kill Bill vol.2, reflexión. Uma Thurman pretende dejar de ser asesina porque se queda embarazada y a partir de aquí se desarrolla la acción. Podríamos interpretar que el cine de Tarantino es un cine adolescente y el embarazo de la protagonista es el nexo que va llevando poco a poco a la Mamba Negra hacia el mundo real. Bill (David Carradine) la mata por eso: pretende abandonar el mundo de ficción que ambos comparten.
Si eres de los que te gustó, estos detalles harán que vuelvas a ver la película:
Por exigencias de la productora que la comercializó, Kill Bill tuvo que ser “troceada” en dos. Tarantino decidió que los títulos contuvieran Vol.1 y Vol.2, algo muy característico del cine japonés.
Se considera que el mejor plano de la historia del cine lo consiguió John Ford en la toma final de Centauros del Desierto. Quentin Tarantino juega con ello: cuando Bill llega a la pseudo-boda de la Mamba Negra, la pantalla se torna a blanco y negro y reproduce ese mismo plano. Aunque la película está producida por Miramax, el largometraje empieza con el logotipo de una productora japonesa, es decir, tal y como empiezan tantas películas de artes marciales.
El mono amarillo que lleva Uma Thurman es un homenaje al que llevaba Bruce Lee, al igual que la banda sonora de la película coincide en varias ocasiones con la que sonaba en la serie de televisión que Bruce Lee protagonizaba. La banda sonora de todo el largo es reciclaje de otras bandas sonoras. Se reconoce también en una de las escenas en la caseta del desierto una pieza musical de Por un puñado de dólares de Clint Eastwood. La admiración a todo lo que rodea a Bruce Lee no termina ahí: los antifaces que llevan los antagonistas de la Mamba Negra en su lucha samurai son también los que usaba Bruce Lee en la serie.Las escenas tienen entre sí un tratamiento fotográfico distinto, es decir, no hay coherencia visual: ni de puesta en escena ni de acabado. Además de eso, alguna secuencia tiene algún truco añadido: cuando La Novia va a entrenarse con el maestro en artes marciales abundan los zooms, propios del cine de Hong Kong de los 70. Las maquetas de Tokio que se ven mientras Uma Thurman llega en avión, son las mismas que se usaron en Godzilla.
En las escenas ultra-violentas de lucha se hace un homenaje a las películas de género chambara: la sangre sale disparada al cortar un miembro del cuerpo. El Director crea su propio universo de ficción y relaciona a los personajes entre sus películas: el sheriff que estudia el caso del asesinato en la boda es también el sheriff en Abierto hasta el amanecer.
Si quieres saber más, no dudes entrar en: Reportaje en Miradas de cine
Todo sobre Kill Bill vol.1 | Kill Bill vol. 2
Todos los secretos del film
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Por Cristina Meléndez
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Tirante el Blanco, la obra que salvó Cervantes
"¡Que aquí esté Tirante el Blanco!(...) Digoos verdad, señor compadre, que, por su estilo, éste es el mejor libro de el mundo". Así es como suena la opinión de Cervantes, puesta en boca del personaje del barbero que aparece en el Quijote. Estas alabanzas le valen a la obra Tirante el Blanco (Tirant lo Blanc) para ser salvada de la quema de libros. Cinco siglos más tarde, el texto original de Joanot Martorell ha sido adaptado al cine.
Vicente Aranda, guionista y director de Tirante el Blanco, ha llevado a la gran pantalla un largometraje que narra las aventuras del caballero Tirant, guerrero medieval que entabla en Constantinopla una doble batalla: la de liberación del imperio griego y la de conquistar el corazón de la bella Carmesina. Tras 8 meses de rodaje, la película se estrena hoy en toda España, aunque la semana pasada tuvo lugar un acto especial en Valencia, donde se exhibió el filme en la lengua de la comunidad, la misma en que fue escrita la novela original.
El filme se ha rodado en Almería, Madrid y Estambul. Han intervenido en él actrices tan conocidas en España como Victoria Abril, Leonor Watling o Ingrid Rubio. Los papeles principales han sido para el inglés Caspar Zafer (Tirante) y la española Esther Nubiola (Carmesina). Según las declaraciones del director, Tirante el Blanco es una historia humorísticas en la que los héroes tienen "debilidades humanas".
Leonor Watling, que encarna a la doncella Placer de mi Vida en la historia, destaca la carga sexual del filme. "El motor de la película es la virginidad de la princesa". De hecho, el mensaje utilizado en el cartel oficial de la película puede leerse "En un mundo de guerra, el arma más poderosa es la virginidad de una princesa".
Ficha técnica
Web oficial de la película
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Por Ana Torres
Vicente Aranda, guionista y director de Tirante el Blanco, ha llevado a la gran pantalla un largometraje que narra las aventuras del caballero Tirant, guerrero medieval que entabla en Constantinopla una doble batalla: la de liberación del imperio griego y la de conquistar el corazón de la bella Carmesina. Tras 8 meses de rodaje, la película se estrena hoy en toda España, aunque la semana pasada tuvo lugar un acto especial en Valencia, donde se exhibió el filme en la lengua de la comunidad, la misma en que fue escrita la novela original. El filme se ha rodado en Almería, Madrid y Estambul. Han intervenido en él actrices tan conocidas en España como Victoria Abril, Leonor Watling o Ingrid Rubio. Los papeles principales han sido para el inglés Caspar Zafer (Tirante) y la española Esther Nubiola (Carmesina). Según las declaraciones del director, Tirante el Blanco es una historia humorísticas en la que los héroes tienen "debilidades humanas".
Leonor Watling, que encarna a la doncella Placer de mi Vida en la historia, destaca la carga sexual del filme. "El motor de la película es la virginidad de la princesa". De hecho, el mensaje utilizado en el cartel oficial de la película puede leerse "En un mundo de guerra, el arma más poderosa es la virginidad de una princesa".
Ficha técnica
Web oficial de la película
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Por Ana Torres
La Sexta cumple su primera semana
A una hora atípica, las 12:40, el pasado 27 de marzo La Sexta comenzó sus emisiones con un saludo de Emilio Aragón, presidente de la nueva cadena. La Sexta nace sin informativos y con la dificultad de que sólo llega al 70% de la población, pero con las emisiones del Mundial de Alemania confirmadas.
En noviembre de 2005, las productoras Globomedia, Mediapro y Televisa, obtuvieron la licencia para crear un cuarto canal analógico privado. En pocos meses y tras una inversión de 491 millones de euros pusieron en marcha La Sexta. De momento, la señal analógica sólo se recibe en el 70% del territorio, pero La Sexta puede sintonizarse también en la TDT.
La cadena arranca con un gran punto a su favor, ya que ha adquirido los derechos para emitir los partidos de la Selección Española del Mundial de fútbol. La Sexta también ha apostado fuerte por las series de ficción (estrenará unas 25) y ha anunciado que pondrá en marcha más de 20 formatos nuevos.
La programación de La Sexta no incluye telediarios, pero está previsto que los servicios informativos comiencen después del verano. Las presentadoras serán Mamen Mendizábal, creadora y presentadora de 59 segundos, y Helena Resano, conductora de los telediarios del fin de semana en TVE.
La Sexta nace con un gran equipo de profesionales; ha fichado a algunos de los rostros más conocidos de la televisión, como Olga Viza, el Gran Wyoming, Juan Ramón Lucas, Florentino Fernández e incluso Urdaci, que participa en un concurso de monólogos de humor.
La innovación es la nota predominante en la programación de La Sexta. La cadena quiere introducir una nueva fórmula para la franja del late night, adelantándola a las 9 de la noche para que puedan verlo los niños. Con esta estrategia pretende competir con el resto de cadenas generalistas que a esa hora ofrecen el telediario y, a la vez, poder introducir un segundo late night después más destinado al público adulto.
Si aún no ves La Sexta, ¿a qué esperas?
Más información
Dossier de prensa de La Sexta
Vídeo de Javier Coronas presentando la cadena
Spot de televisión de La Sexta
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Por Elena Santos
En noviembre de 2005, las productoras Globomedia, Mediapro y Televisa, obtuvieron la licencia para crear un cuarto canal analógico privado. En pocos meses y tras una inversión de 491 millones de euros pusieron en marcha La Sexta. De momento, la señal analógica sólo se recibe en el 70% del territorio, pero La Sexta puede sintonizarse también en la TDT.La cadena arranca con un gran punto a su favor, ya que ha adquirido los derechos para emitir los partidos de la Selección Española del Mundial de fútbol. La Sexta también ha apostado fuerte por las series de ficción (estrenará unas 25) y ha anunciado que pondrá en marcha más de 20 formatos nuevos.
La programación de La Sexta no incluye telediarios, pero está previsto que los servicios informativos comiencen después del verano. Las presentadoras serán Mamen Mendizábal, creadora y presentadora de 59 segundos, y Helena Resano, conductora de los telediarios del fin de semana en TVE. La Sexta nace con un gran equipo de profesionales; ha fichado a algunos de los rostros más conocidos de la televisión, como Olga Viza, el Gran Wyoming, Juan Ramón Lucas, Florentino Fernández e incluso Urdaci, que participa en un concurso de monólogos de humor.
La innovación es la nota predominante en la programación de La Sexta. La cadena quiere introducir una nueva fórmula para la franja del late night, adelantándola a las 9 de la noche para que puedan verlo los niños. Con esta estrategia pretende competir con el resto de cadenas generalistas que a esa hora ofrecen el telediario y, a la vez, poder introducir un segundo late night después más destinado al público adulto.
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Por Elena Santos