Ficha:

Como todo film de Hitchcock, “La ventana indiscreta” es un ejemplo de cómo se puede hacer una película comercial dentro del sistema de estudios, sin que deje de ser una película personal, que nos traslada a un mundo personal del autor que se puede ver en toda su filmografía. El director inglés puede hacer esto gracias al gran número de éxitos cosechados a lo largo de su carrera, que le dan más libertad para trabajar; junto con la coincidencia de intereses entre el director y los espectadores.

Como el cine clásico ha sido objeto de estudio de otros trabajos, este análisis se va a centrar, sobre todo, en cómo utiliza Hitchcock el lenguaje cinematográfico clásico para realizar su obra.

Tema:

La trama es básica en el film. El director nos introduce rápidamente (no han pasado ni 10 minutos) en la historia. Para esto usa un lenguaje predominantemente visual (esto era casi una obsesión del propio Hitchcok). El título y el inicio (las cortinas que se suben poco a poco) nos muestran la base sobre la que se va a construir el film: el voyeurismo. Los siguientes planos (la cámara rota, la pierna escayolada, las fotos del coche y de la revista), junto con la conversación telefónica del protagonista, nos sitúan y nos justifican el relato, a la vez que presentan al protagonista.

Este tipo de planificación es típica del autor inglés. Como ya nos cuenta una cosa con el diálogo no hace falta que las imágenes nos repitan lo mismo (un hombre hablando por teléfono), sino que es libre de mostrar otros elementos; así evita la redundancia (lo mismo en las imágenes y en el texto), dinamiza la narración y la hace más clara y entretenida.

La historia trata varios temas, de los cuales el principal es el voyeurismo. Es curioso como el director pone al protagonista en el lugar que normalmente ocupa el mismo espectador de cine; así cuando se cuestiona la moralidad del voyeur también se cuestiona la del propio espectador. Esto tiene que ver con la preocupación religiosa del director y su humor ácido e irónico, que lo caracterizan.

El director consigue solo con la elección del tema poner en entredicho la esencia del propio cine: la mirada. El director nos mantiene en el punto de vista, del protagonista (sólo vemos lo que él ve), y de esa manera nos va presentando las diferentes tramas. La trama principal la del posible asesinato se nos muestra del mismo modo. Ese va a ser el método que Hitchcock use para crear el interés y la tensión de la obra; sólo sabemos una parte de la historia al igual que L. B. Jeffries, el protagonista (James Stewart), compartimos sus dudas, sus inquietudes y su deseo de resolver el crimen.

La trama del posible asesinato enlaza con una idea recurrente en la filmografía del director: el falso culpable. Aunque no es el caso de este film (al final se le descubre), se pone en duda a lo largo de la narración, y es uno de los condicionantes más importantes en las decisiones que motivan a los protagonista a la hora de actuar.

Las subtramas juegan un papel muy importante en la película. Los recién casados, el matrimonio del perro, la bailarina, el músico y “Corazón solitario” son protagonista de diferentes historias que se desarrollan a la par de la principal, a veces de forma paralela o confluyendo e interactuando unas con otras. Estas historias sirven para amenizar la narración principal (introducen el elemento humorístico), completarla y analizar las relaciones sociales. Al igual que la trama principal, tienen un desenlace al final del film.

Lisa (Grace Nelly) es la co-protagonista de la trama romántica, además de jugar un papel importante en la trama del asesinato. Y la enfermera pone el punto de vista cómico y moral (hace de madre del protagonista, y critica sus actividades).

Puesta en escena:

La puesta en escena es muy interesante. Con el primer plano-secuencia rodado con grúa el director deja su sello (muchas de sus películas comienzan con un movimiento de cámara parecido: Los pájaros, Extraños en un tren, Atrapa a un ladrón, Psicosis…) y nos sitúa en el decorado donde se va a desarrollar toda la película. Además, es muy interesante cómo pasa de un gran plano general a un plano detalle de pierna (economía de planos, síntesis expositiva).

La película está rodada enteramente en estudio; esto le da un aspecto muy peculiar, que aunque puede que en la época funcionase mejor, actualmente le da cierto aspecto de irrealidad.

En cuanto a la iluminación, al ser la propia de un estudio resulta muy irreal (sobre todo la puesta de sol). Además, la forma de iluminar los apartamentos, aunque es necesaria, es un poco excesiva. También usa mucho el contraste de luces y sombras para crear tensión en el espectador y aumentar la sensación de suspense. En las escenas del apartamento del protagonista la iluminación atenuada forma una especia de reencuadre o iris en los bordes de la imagen.
La iluminación además pasa a ser un elemento significativo del relato (si apagan la luz no les ves, y si tú la tienes encendida te pueden ver a ti).

Abundan los planos subjetivos, desde el punto de vista del protagonista. Aunque Hitchcock hace trampa en varios de ellos. A veces usa la cámara o los prismáticos para acercarse, pero varias veces pasa de un plano subjetivo a un encuadre más cerrado sin justificarlo (no es posible). Además, cabe señalar que no siempre la visión que nos da la ventana del apartamento es subjetiva: varias veces, al volver de mostrarnos el exterior, James Stewart no está mirando. Otro truco para simular que el plano subjetivo es más real consiste en la luz roja que el asesino ve cuando el fotógrafo se defiende con el flash (también lo utiliza en Marnie la ladrona, esta vez para representar la visión de la protagonista cuando sufre ataques sicóticos)

En cuanto al punto de vista, señalar que siempre nos encontramos en el apartamento de Stewart. Excepto en el asesinato del perro y el final del film, momentos en que nos situamos fuera del apartamento y se nos deja ver el contraplano del lugar.

Las transiciones entre secuencias son siempre de misma manera: fundido a negro.

Los diálogos son elaborados y claros, sirven sobre todo para hacer avanzar la trama. Entre la pareja de protagonistas son típicos los rasgos de la comedia romántica, agudos y cargados de dobles intenciones.

La utilización del sonido es muy curiosa. Hitchcock se resiste en varias películas a usar una banda sonora musical. Si en los pájaros la banda sonora está formada por lo graznidos de éstos, en esta película es el ruido y la música proveniente de la calle la que ambienta la mayoría del film, aunque no renuncia completamente a la música. También son importantes los gritos de mujer en off, que desencadenan la trama del asesinato y los pasos que atemorizan a Stewart antes de que llegue el asesino al apartamento.

Normalmente, muestra el sonido de manera realista (no se oye si está lejos), pero a veces oímos lo que ocurre en el apartamento de enfrente, aunque de manera muy leve. Hay otro “fallo” con el teléfono: al principio de la escena oímos perfectamente la voz del detective que llama por teléfono, y acto seguido dejamos de oírla.

La forma de contar la historia es muy innovadora; gracias al decorado puede contar varias historias a la vez con una simple panorámica (sin usar montaje paralelo) y cada ventana es una historia (recuerda al teatro). Además, el reencuadre inevitable que producen las ventanas es muy interesante, sobre todo porque activa el fuera de campo: sólo vemos parte de la acción, la otra se nos queda velada (le da más interés). Además, permite contar varias historias a la vez (como la pantalla partida) y se pueden mirar dos o más ventanas a la vez.

También destaca el montaje de la escena de la lucha de Stewart y el asesino, que es fragmentado y sincopado para darle emoción.
Otro rasgo que caracteriza los films del inglés es su propia presencia dentro del film. En esta ocasión aparece en la casa del músico haciendo labores de reparación.

En cuanto a los efectos especiales, usa varios en el film: el helicóptero que está pegado o recortado y la caída de Stewart de la ventana, que no es muy real.

Por Alba Redondo

Truffaut, uno de los máximos exponentes de la Nouvelle Vague y gran admirador de Hichcock, escribió un libro sobre él en 1974, “El cine según Hicthcock”, en el que se recogían una serie de entrevistas que amos cineastas mantuvieron y en las que conversaron sobre la obra de Alfred Hitchcock y sus concepciones sobre el Séptimo Arte.
En este libro, Truffaut cuenta cómo vivió Hitchcock sus ñultimos días de la siguiente manera:

“No volví a ver a Hitchcock en el transcurso del año 1978, por lo que la velada del homenaje que le fue ofrecido en el Beverly Hilton, el 7 de marzo de 1979, por el “American Film Institute” bajo el título a la vez glorioso y fúnebre de “Life Achievement Award”, me deja un recuerdo siniestro, siniestro y macabro, como a todos los que asistieron, incluso si la cadena CBS, mediante distintos trucos de montaje, acertó al ofrecer dos días más tarde a los telespectadores una versión que salvase las apariencias.

Sabiéndose ya condenada por el cáncer, Ingrid Bergman, que presidía y animaba la velada, se sintió turbada ala ver a Hitchcock y a su mujer en tal mal estado. Entre bastidores, murmuró:”¿Por qué se organiza siempre este clase de veladas cuando es demasiado tarde?”. Estando allí por lo mismo, yo también iaba a conseguir hacer reír:”En Estados Unidos llaman a este hombre Hitch. En Francia nosotros le llamamos señor Hitchcock...” pero el corazón no estaba allí. Ante todo el Hollywood que le rendía homenaje con anécdotas, con extractos de películas, brindis, Alfred y Alma Hitchcock hacían acto de presencia pero su corazón no estaba allí, no estaban más vivos que la madre de Anthony Perkins, disecada en la bodega de la mansión gótica.

Dos semanas más tarde, resignado ante la idea de que ya no podía rodar, Hitchcock cerró su oficina, despidió a su personal y volvió a su casa. La reina de Inglaterra le nombró sir Alfred, igualando así la antigua competición secreta con otro genial chiquillo de Londres, Charles Chaplin. Ya no le quedaría a sir Alfred más que esperar la muerte, algunos vodkas prohibidos le ayudarían a hacerla llegar más pronto. Esto ocurririó el 29 de abril de 1980.

Cuando quiero olvidar al Hitchcock de los años de decadencia me traslado hacia atrás, seis años antes de su muerte, exactamente la velada del 29 de abril de 1974 en el Avery Fischer may del Lincoln Center donde la “New York Film Society” le dedicó su gala anual realmente estimulante.


Fuente:
Truffaut, François, "El cine según Hitchcock", Alianza Editorial, Madrid, 2005

Introducción

La tesis que pretendo defender en este análisis de la película “Los pájaros”, de Hitchcok, es que la Naturaleza, representada por los pájaros, castiga a la protagonista, Melanie Daniels, una mujer pija, soberbia y caprichosa que representa a la Humanidad. La Naturaleza castiga a los hombres por su egoísmo y se desprecio hacia el medio natural. Para mostrar este castigo el director opta por la intriga como régimen narrativo del filme, ya que el ataque de los pájaros es un hecho inusual en la Realidad, y la intriga, la sorpresa, es la mejor manera de narrar una historia como esta.

Todo es sorprendente porque, tal y como manifiesta el propio Alfred Hitchcok, “he procedido de tal manera que el público no pueda adivinar cuál será la escena siguiente” . No hay identificación con la protagonista porque su comportamiento no es bueno moralmente. Sólo al final, a medida que va mejorando su actitud y se muestra más condescendiente con las personas a su alrededor, habrá momentos de identificación con ella.

Melanie es hija de un magnate de la prensa, y es famosa por sus fiestas y sus bromas pesadas, que en más de una ocasión le han costado una visita a los tribunales. Además, es una mentirosa patológica. La Justicia no ha conseguido cambiar su actitud, y por ello toma cartas en el asunto la Naturaleza.

En contraposición a Melanie está Mitch Brenner, buen abogado e hijo, amante del campo y responsable. Se le presenta como el héroe, el único capaz de salvar a Melanie y a su propio pueblo del ataque de los pájaros.

Análisis textual

Escena en la pajarería: esta escena es un anticipo de la trama de la película. Se nos presenta a una Melanie soberbia y orgullosa, tanto en su conversación con la dependienta como en su encuentro con Mitch. Por el contrario, éste es caracterizado como un hombre decidido e inteligente, al que le gusta la Naturaleza. Esta diferencia, que se evidenciará posteriormente durante todo el desarrollo de la trama, es patente cuando Mitch le pregunta a Melanie si no siente remordimientos por tener a los pájaros enjaulados. Esta pregunta es muy interesante, ya que deja ver que la Naturaleza no sólo la castiga por ser tan altiva y caprichosa, sino también por su desprecio hacia el Medio Ambiente.

Melanie es la que abre la jaula, la que deja escapar al pájaro, y esto es un avance del caos que causará en Bodega Bay: ella es la que desata la ira de los pájaros. Esta idea reaparecerá cuando Melanie sea acusada en la cafetería por las señoras tras uno de los ataques.
Es también revelador que, cuando Mitch devuelve al pájaro a la jaula, dice mirando al animal: “Vuelve a tu jaula dorada, Melanie Daniels”. Pero, sin duda, la frase que más hace aventurar el castigo que vendrá después es la que pronuncia Mitch instantes antes de marcharse de la tienda: “Creí que le gustaría saber la opinión de los que tienen que soportar sus bromas”. Se anticipa el cambio de papeles que experimentan los pájaros y Melanie, cambio que se hará efectivo cuando se quede encerrada en la cabina de teléfono.

El rol de héroe de Mitch queda patente porque es él quien, sin alterarse lo más mínimo, captura al canario y lo devuelve a la jaula. Durante toda la película, las mujeres se alteran más que él.


Escena del ataque de la gaviota en el bote: el primer ataque de los pájaros es el que sufre Melanie en el bote cuando regresa de dejar los periquitos en casa de Mitch. Se nos muestra a Melanie en primer plano; está convencida de que ha ganado su batalla de orgullo con Mitch, y está disfrutándolo. A continuación, un plano general del embarcadero nos deja ver que Mitch ya ha llegado y que está esperando a Melanie. Vuelven al primer plano de Melanie, para dejarnos ver su cara de satisfacción, y sigue un plano de una gaviota que cae en diagonal hacia Melanie. La gaviota le agrade por su soberbia. Volvemos a tener un plano general de Mitch, incrédulo, y a continuación un plano detalle en el que se nos muestra el dedo ensangrentado de Melanie. Acto seguido se nos ofrece un plano general de Mitch en el que éste corre a socorrer a la chica. En ese momento comienza la compasión de Mitch por ella, hecho que también queda patente gracias al último plano de la escena, un plano medio de los dos en la lancha motora, que evidencia que Mitch la apoya.

Escena en casa de Annie: Melanie decide quedarse a dormir en casa de Annie, la ex novia amable de Mitch. Annie es la antítesis de Melanie: es buena, se dedica a una labor muy noble (enseñanza) y se ha adaptado al pueblo. Melanie ha entrado en su casa y le recuerda su dolor, la pérdida de Mitch. En un momento de la conversación, una gaviota se choca contra la puerta de la casa, como un aviso para Melanie: “No alteres el pueblo o pagarás las consecuencias”. Hitchcok recurre a las gaviotas de forma inesperada, justo en los momentos en los que la actitud de Melanie está dañando a terceros, para avisarla tanto a ella como el público. El director lo explica así: ”después de que la gaviota hiere por primera vez a Melanie en la frente, tuve el cuidado de colocar una gaviota muerta que a estrellarse contra la puerta de la maestra por la noche, luego algunas gaviotas que se colocan en los hilos telefónicos cuando la muchacha se marcha por la tarde de la casa, y todo esto era como si susurrara al público: < los pájaros llegarán, van a llegar, no se preocupen>”

Escena del ataque en la fiesta de cumpleaños: El ataque de los pájaros es también inesperado, y se produce justo después de que Melanie se empiece a sincerar con Mitch. Melanie empieza a avergonzarse de su comportamiento, y Hitchcok nos lo hace ver durante la conversación de una manera muy sencilla, pero eficaz: tanto cuando habla de Roma como cuando se refiere a su madre, Melanie se vuelve y le da la espalda al espectador, haciéndole ver que tiene un conflicto con ambas cosas. Mitch se compadece de ella, pero la Naturaleza no, y vuelve a atacar.

Cuando Melanie y Mitch comienzan a descender hacia la casa se nos muestra el jardín en un picado, desde el punto de vista de los pájaros (que no aparecen todavía, pero el espectador sabe que están allí). Hay una panorámica hasta Annie, que sufre al ver la complicidad entre ellos. Justo entonces se introduce un plano de una gaviota que ataca. El hecho de que se enfoque a las gaviotas cayendo para atacar hace entender que son ellas las que determinan la acción, las protagonistas de los ataques, y no los humanos.

Escena del ataque en el salón de la casa: los periquitos, nerviosos, advierten del ataque que va a tener lugar poco después. De hecho, Cathy pregunta: “¿Qué les pasa a los periquitos?”.
Están sentado en el sofá. Hay un plano cenital de Melanie mirando hacia la chimenea, y a continuación un plano de un gorrión. El espectador se da cuenta a la vez que ella que va a tener lugar otro ataque (hay intriga). Siguen primeros planos de los pájaros saliendo por la chimenea, y un plano general del salón que sitúa al espectador.

El ataque provoca el caos en la casa y en la cabeza de las mujeres, especialmente de la madre de Mitch, Lydia. Las mujeres, a las que se muestra a través de planos medios para hacer énfasis sobre su situación desesperada (a Mitch se le muestra en planos más generales), intentan ponerse a salvo mientras Mitch, el héroe, tapa los accesos de los pájaros.

La intriga es clara en esta escena, pues el espectador no se espera un ataque de los animales, ya que está pendiente de la relación entre el héroe y Melanie, y de la reacción de Lydia ante esa relación. Así, Hitchcok consigue sorprender al espectador, que desde ese momento está pendiente en todo momento de los pájaros.

Escena con el sheriff en la casa: se produce, por primera vez en la película, la identificación con Melanie. Se recurre a los planos subjetivos de la protagonista y contemplamos a través de ella, desde su punto de vista, como Lydia se trastorna. La madre de Mitch ya se nos había presentado como una mujer obsesiva, con un miedo irracional a quedarse sola. Melanie la observa mientras recoge, casi de manera inconsciente, las tazas que se han roto, y compartimos sus ideas: “ Melanie representa al público en la escena, cuyo significado es el siguiente: ” .

Además, nos identificamos con ella porque cambia su actitud, se humaniza porque siente compasión de Lydia, como el público. El momento en el que comienza esa compasión es cuando cae el pájaro muerto que se había quedado sobre el marco del retrato del padre de Mitch: Lydia todavía no ha superado la muerte de su marido, y encontrarse un pájaro allí la derrumba. Melanie lo está observando todo y se da cuenta de que Lydia la necesita, por eso decide quedarse, para cuidar de ella y de Cathy. Ha habido un cambio en su actitud, y por eso el espectador se identifica con ella.

Escena de Lydia en la cama: Lydia pierde los nervios definitivamente al encontrar al otro granjero muerto (cuya muerte puede deberse a que mantiene aves en cautividad). Lydia se acuesta y no quiere saber nada de nadie. Melanie le sube un té. Lydia está nerviosa, está convencida de que Melanie (que representa a la comunidad de hombres) piensa que su comportamiento es absurdo. Está muy alterada, algo que queda patente mediante los planos cenitales de Lydia, que nos hacen ver que no está bien mentalmente. Los planos cenitales comienzan cuando empieza hablar de su marido, pues la muerte de éste es la verdadera causa de sus problemas. Cuando se tranquiliza y habla normal con Melanie, cuando intenta conocerla, los planos vuelven a mostrar a Lydia de frente.

Escena del ataque en el colegio: en esta escena se recurre al suspense. La cámara sigue a Melanie, con la que anteriormente se ha identificado el espectador al cambiar su actitud, hasta que se sienta a esperar en la calle fumando a que acabe la clase de Cathy. Detrás de ella se van posando cuervos, cada vez más. En vez de mostrarnos cómo van llegando, Hitchcok alterna planos de los pájaros con planos de Melanie, ajena a los que está ocurriendo a sus espaldas. Así logra que aumente la tensión y que el espectador se identifique más con Melanie: ya no quiere que la castiguen, quiere que se salve. No sólo ha cambiado la actitud de Melanie, también ha cambiado la del espectador.

Escena del ataque en la cafetería: este ataque tiene lugar justo después de que Melanie hable con la ornitóloga y demuestre su desprecio hacia los animales. La ornitóloga es la conciencia de la Naturaleza, pues le recuerda a Melanie que son los hombres los que están provocando el caos con su comportamiento. El espectador vive el ataque desde el punto de vista de Melanie, que se queda dentro de la cafetería mientras Mitch, el héroe, va a socorrer al hombre de la gasolinera.

Es muy importante que, cuando comienza el fuego en la gasolinera, se nos muestre con un plano picado, desde el cielo, es decir, desde el punto de vista de los pájaros, que comienzan a descender hacia la gente, porque se refuerza la idea del castigo de la Naturaleza, que toma la iniciativa del ataque en todo momento.

Cuando sale Melanie de la cafetería se encierra en la cabina de teléfonos, y Hitchcok articula una gran metáfora: ahora es ella la que está enjaulada. Comienza a trastornarse, ya que, aunque está a salvo en la cabina, se aparta de la nada, no sabe cómo actuar. Está aterrorizada. Para dejar claro que está pasando por un momento de inestabilidad, el director recurre a planos cenitales, que avisan que ha comenzado el calvario para Melanie.

Es muy significativo que, cuando Mitch y Melanie vuelven a entrar en la cafetería, la señora que acusa a la protagonista de ser la culpable de los ataques mire directamente a la cámara. Esta ruptura de la diégesis es inusual en el cine clásico, pero Alfred Hitchcok la utiliza para reforzar la idea de que la Naturaleza castiga a la Humanidad: la señora mira directamente al espectador, está acusando al público.
Una vez más queda patente el rol de héroe de Mitch, pues es él el que la salva.

Escena del ataque final a Melanie en casa de Mitch: el ataque tiene lugar en la habitación de arriba, y Melanie sube sola pues es la única despierta. El hecho de que suba sola ya hace intuir que va a ocurrir algo malo. La ascensión de las escaleras se nos muestra con planos subjetivos de Melanie porque el espectador se compadece y sube al calvario con ella.

Durante el ataque se recurre a los planos cenitales porque Melanie se está volviendo loca. Además, se introducen planos detalle de la linterna, que atrae a los pájaros, y de la mano de la chica, que intenta sin éxito abrir la puerta para huir. Ese detalle de la mano remite a la escena de la tienda, pues fue esa misma mano la que dejó escapar al canario. Sin embargo, la Naturaleza no la deja escapar a ella.
Una vez que la salva el héroe no vuelven a atacarla porque ya han conseguido acabar con ella, ya han acabado con la niña caprichosa que era. Ha ganado la Naturaleza.

Hitchcok hace que Mitch la salve porque el espectador al final se ha identificado con ella, y si muriese al final, sin más explicación, el espectador quedaría descontento, ya que Melanie se ha reformado, ha cambiado su actitud.

Conclusión

Hitchcok introduce en esta película una temática totalmente innovadora: el castigo de la Naturaleza a los hombres. Y para ello recurre a la intriga, pues es el régimen narrativo que mejor le permite mostrar el inusual ataque de unos pájaros a una mujer soberbia y caprichosa.
Para lograr que el espectador entienda el filme en toda su dimensión, recurre a distintas fórmulas que le permiten mostrar la historia: así, para dejar evidencia del trastorno que sufren Melanie y la madre de Mitch, hace uso de planos cenitales que sugieren que están pasando por una crisis mental; para evidenciar que son los pájaros los que toman la iniciativa en todos los ataques, tiene el cuidado de mostrar siempre planos de los pájaros volando, antes de descender para herir a los humanos,....

A medida que avanza la historia el espectador va sintiendo cada vez más empatía con Melanie, y llega incluso a identificarse con ella en algunos momentos, pero al final gana la Naturaleza, y su castigo es inevitable. Además, esa empatía es necesaria para que el espectador se sorprenda durante el filme con los ataques de los pájaros.

Por Alba Redondo

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Tsotsi, un joven matón de 19 años de un suburbio de Johanesburgo malvive en un mundo de miseria y violencia. Su vida se reduce a liderar una banda de matones sin escrúpulos. No tiene familia, ni ilusiones, ni aspiraciones en la vida.... La violencia es su ley de vida, su razón de ser .Todo cambia cuando roba un coche con un bebé dentro sin darse cuenta. Tsotsi decide quedarse con él y cuidarlo con la ayuda de una joven madre. La vida del joven matón no volverá a ser lo que era...


Este es el argumento de Tsotsi, película ganadora este año del Oscar al mejor filme de habla no inglesa. Es el estreno más destacado en nuestro país esta semana, y ha recibido unas críticas buenísimas. Aunque también hay algunos que opinan que la película peca de sentimentelm, y que explota las emociones del público

Otros estrenos de esta semana en nuetsras carteleras son:
Los Productores: un director teatral de Broadway venido a menos decide hacer caso a un contable que le propone producir un fracaso para obtener grandes beneficios. Haciendo una mala obra teatral, pero dándole una gran publicidad, lograrían captar la atención de los ciudadanos y de la industria, y así el productor volvería a codearse con los importantes del mundillo. A pesar de que ponen todo el empeño en pograr el pero ca´sting de la historia del teatro norteamericano, las cosas no siempre salen como uno espera. La comedia cuenta con un reparto de lujo: Matthew Broderick, Uma Thurman, Nathan Lane y Will Ferrell.

Accused: unos padres preocupados por su hija, cada vez más introvertida, intentan ayudarla: hablan con el psicólogo, hacen planes en los que su hija pueda relacionarse con chicos de su edad,... hasta que la chica acusa a su padre de haber abusado de ella sexualmente en el pasado. Durante el juicio, la hija no resulta convincente, pero el daño ya está hecho. La familia no volverá aser lo que un día fue.

Por Alba Redondo


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Almodóvar está de vuelta. Y trae consigo a una Penélope Cruz espléndida y a una Carmen Maura tan increíble como siempre. . Además, no duda en ambientar parte de la película en su tierra, La Mancha, en un homenaje brillante y muy emotivo. Y parece que a la crítica le gusta, ya que la película ha logrado una recaudación de 2 millones de euros en su primera semana en cartelera. Ya la han visto 378.322 espectadores.

El director manchego se acerca al tema de la muerte y a las emociones más íntimas de las mujeres como sólo él sabe hacerlo. Nada es lo que parece en el mundo de Almodóvar. En esta ocasión, el personaje principal es Raimunda, interpretada por Penélope Cruz. Esta mujer manchega, de un pequño pueblo con la mayor tasa de locura de España, ve como su vida cambia del día a la mañana, en un abir y cerar de ojos. Su pasado vuelve para recordarla lo que fue y lo que es, para saldar algunas cuentas pendientes. El resto de mujeres de su vida, su hermana Sole (Lola Dueñas), su hija Agustina ( Blanca Portillo), su amiga su madre muerta (Carmen Maura), vivirán con ella todo el proceso.


La interpretación de todas las actrices es buenísima, en especial la de Penélope Cruz, que está pletórica, y la de Carmen Maura.
Si todavía no estás seguro de si deseas verla, o si la has visto y te ha encantado, no dudes en leer el diario de rodaje escrito por el director durante el rodaje, para convencerte.
¿Deseas conocer más sobre Volver?

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Por Alba Redondo

Bienvenidos a nuestra sección de cine y televisión. 5 con 20 te acerca la actualidad de las grandes y pequeñas pantallas.

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