En “Rincón Underground” hemos hecho, a lo largo de estos tres meses, una recopilación por los movimientos alternativos más importantes. ¿Pero qué pasa hoy en día? ¿Sigue existiendo un verdadero espíritu underground como el del rock de los años 80? ¿Somos outsiders o mainstream? ¿Qué es lo que verdaderamente destaca?

Outsider: Término que define a aquellos grupos de música que tratan de escapar del mainstream, de lo comercial, de lo que marcan las cadenas musicales.

Mainstream: La tendencia, lo que se lleva, la moda… lo marcado por las grandes multinacionales.


Fotografía: Fall Out Boy Fuente: Hipersónica

Nos gusta ir a contracorriente, destacar, ser diferentes. Por ello, la moda es lo diferente, lo que supuestamente a nadie le gusta. Pero con este “no gustar” hemos conseguido crear la moda de los que dicen escapar de ella.

Cabe hacerse una pregunta viendo lo que tenemos alrededor: ¿existe un outsider puro? ¿o se trata todo de un mainstream cubierto de una falsa capa de esmalte alternativo?

Esto, a escala musical, también tiene lugar y se refleja en un movimiento que está desbancando al siempre vendido, siempre de moda y siempre beneficiado por las grandes discográficas, pop. El movimiento que ahora se contrapone al “sonido popular” es el emo que ha llegado a constituir una nueva tribu urbana.


Fotografía: My Chemical Romance Fuente: Somore Scene

El emo es un tipo de punk nacido a finales de los años 80 por los diversos sonidos que derivaron del punk más puro. El emo destacaba por sus letras emotivas (de ahí el nombre: emotional) pero sigue manteniendo el carácter fuerte, descarado y duro de la batería pesada y la guitarra eléctrica punk. Junto con el emo, aparece otra derivación del punk: el screamo. Éste, es un punk en el que el instrumento de la voz no canta, no recita, no rapea… grita. Otra de las grandes derivaciones del movimiento punk fue el hardcore, caracterizado por ser mucho más violento en directo, por aportar un mayor peso a la eléctrica pero manteniendo siempre la rapidez en la batería.

Estas tres derivaciones se pueden entremezclar entre sí y con el punk más puro. De ahí que nos encontremos con grupos definidos como hardcore-emotional (emocore) o screamo-emo (screamo). Pero en realidad, lo que está pegando más fuerte en estos últimos años es el emo. Debido a la gran fuerza que ha adquirido, la estética de esta tribu urbana se ha trasladado al resto de tendencias punk: se trata de una mezcla entre la moda gótica y la punk. Predomina el color negro, las caras pálidas, uñas negras, pantalones de pitillo (cuanto más apretados mejor), zapatillas desgastadas, imperdibles, botones como pendientes, piercings labiales y muchas camisetas de rayas o lisas con algún tipo de mensaje. Pero quizás lo que más caracterice a este grupo sea el pelo: largo echado hacia delante tapando la mitad de la cara.


Fotografía: Panic! At the disco Fuente: Satélite Musical

Los emos han encontrado un espacio social entre los jóvenes que cada vez es mayor y esta estética se puede ver en los escaparates de cualquier tienda… ¿eso es outsider? ¿eso es underground? ¿eso es espíritu punk?...lamentablemente no. Se trata de un negocio más que olvida la música para dar ciertos modelos emitidos en televisión que serán copiados por aquellos que se vean más embaucados en la moda emo.

Independientemente de las numerosas críticas que se puedan realizar ante este aspecto, aquí lo que nos importa es la música, y lo que queremos proyectar en esta nueva entrada es qué es el verdadero emo y qué es lo que hoy escuchamos en la radio bajo esta etiqueta.

El emo, como ya hemos definido, es punk original pero con una lírica mucho menos reivindicativa y mucho más introspectiva, personal y emocional. Trata de apelar a las emociones de quienes escuchan emo y de dejar un mensaje de tipo subjetivo que cada uno configura según lo que le transmita la música. Dentro de lo que aquí llamaremos “emo original” se podrían encontrar grupos como Jimmy Eat World (emo-punk), Embrace (emocore) o Finch (screamo). Algunos de estos grupos ni siquiera comparten la estética, pero se mantienen fieles al espíritu del movimiento que les vio nacer: el punk.

Con respecto a los grupos que hoy en día conforman el panorama musical y son tildados de emo, se presentan My Chemical Romance, A.F.I, Fall Out Boy y Panic! At the disco.



Video: Miss Murder de A.F.I Fuente: Youtube Duración: 05:02 min


De estos cuatro grupos que podríamos denominar “los principales grupos underground del mainstream actual”, los dos primeros son los que más se acercan de verdad a la definición de música emo, aunque en realidad no presenten mucho espíritu punk de los 80, pero todo no se puede pedir… ¿o sí?

De My Chemical Romance y de A.F.I (A Fire Inside), destacar que se han mantenido dentro de un sonido más fuerte, más puro, más punk hardcore. Aún así, han recibido críticas no sólo por parte de los entendidos en la música underground, sino también por parte de colectivos de periodistas y padres preocupados por sus hijos: mantienen que este tipo de grupos avocan a los adolescentes al suicidio con sus letras y su apariencia. Qué decir… desde los inicios del rock las letras de este género y el resto de estilos musicales, han tocado toda la temática habida y por haber: el amor, la amistad, la muerte, la enfermedad, la vida… No es algo que hayan inventado los emos ni mucho menos, sino recordemos el sentimiento grunge o las letras de Radiohead.


Fotografía: A.F.I Fuente: Frontw King

Fall Out Boy y Panic! at the Disco son todo lo criticables que un grupo pueda ser. Se denominan como emos e incluso punks pero, en cambio, su estilo es más bien pop (aunque es verdad que con reminiscencias punk, como la batería rápida y pesada). Sí que tienen algún que otro sonido duro, pero no se puede admitir que sean grupos comparables con verdaderos punks como Bad Religion o Lagwagon (dos grupos de punk puro).

Emo, ¿una moda juvenil que poco tiene que ver con la música?, ¿Un estilo musical cuyo integrante principal es la estética? ¿Puro márquetin? ¿Música con futuro o moda pasajera?

Algo que solo el tiempo podrá responder…

Incubo…un demonio masculino que sume en un profundo sueño a sus víctimas femeninas con las que tendrá relaciones sexuales. Las propias víctimas, asumen el hecho como un mal sueño, como una pesadilla de la que no pueden despertar.
Incubus…banda californiana de la pequeña ciudad de Calabasas que nació a principios de la década de los 90 y se convertiría pocos años después en un referente para la música nu-metal (un género de heavy metal que creció en estos años con grupos como Tool, Rage Against the Machine o Il Niño).


Fotografía: Logo de Incubus Fuente: The Phantoms

El nombre fue elegido por uno de los componentes del grupo (Einziger) que vio la historia del Incubo en un libro de sexología. Admiten que no quieren relacionar su música con el significado del mito, pero que el concepto del sueño profundo como una pesadilla de la que no se puede escapar y que, en verdad, es realidad, les atrajo desde un principio.

El nu metal que profesaban en los inicios, es un género sin definición exacta. Es una mezcla de diferentes estilos con la característica de que encajan todos a la perfección: rap y hardcore, metal alternativo con rap, punk con metal… lo que verdaderamente define el nu metal es, como indica su nombre (“new metal” que derivó en “nu-metal”) su frescura: algo nuevo que no se había escuchado antes.

Incubus lo consiguieron: dieron a conocer a sus fans una música poco definida pero de muy buena calidad. Y lo siguen consiguiendo…

Este grupo de Calabasas está formado por cinco chicos: Brandon Boyd cantante, líder, compositor, letrista y percusionista del grupo; Mike Einziger, virtuoso de la guitarra eléctrica y acústica y compositor del grupo; Jose Pasillas, baterista del grupo; Dj Kilmore encargado de los platos y las mesas de mezclas en producción, que sustituyó en 1998 a Dj Life quien se marchó del grupo por querer iniciar una carrera en solitario; Ben Kenney, actual bajista del grupo que sustituye a Dirk Lance .

Empezaron en 1995 con el lanzamiento del que sería su disco más puro con respecto al nu metal: “Fungus Amongus”. Los temas se podrían denominar como “mucho ruido con letras de poco sentido”. Era su etapa de experimentación después de ensayar y actuar en pequeños bares desde hacía más de 4 años. Una pequeña discográfica (Stopuglynailfungus Music on Chillum ) les dio la oportunidad.


Fotografía: Incubus Fuente: Web Oficial del grupo

En las ediciones siguientes de ese disco, después de haber editado ya otros álbumes y de haber crecido musical y personalmente, en los créditos del cd piden perdón a todos aquellos fans que lo había comprado por “haber experimentado demasiado con los sonidos”. Desde luego que humor no les falta a estos californianos cuyo mejor calificativo puede ser “camaleónicos”.

Después de ese fallido primer disco, siguen ensayando y madurando y tres años después editan “S.C.I.E.N.C.E”: nu metal en estado puro con canciones más reivindicativas y con un objetivo más social, como en el ejemplo de Idiot Box, en el que se critica duramente la televisión como alienadora de la sociedad.

El siguiente disco llamado “Make Yourself” deja de ser metal y se pasa al lado alternativo. Canciones que mezclan sonidos étnicos, melódicos, con fuertes toques de metal y con letras cada vez más profundas y existenciales de la mano de Boyd que se descubre en esta época, como el escritor de poesía que adapta ésta a la música. Stellar, puede ser una de las que más llame la atención ante el contraste mostrado con el anterior álbum, pero Drive se convierte en un auténtico himno para los fans de Incubus que poco a poco, y de manera mundial, se comenzaban a extender.



Video: Drive Fuente: Youtube Duración: 4:01 min


“Morning View”, editado en 2001, marcó el punto de inflexión del grupo (lo que hizo que Dirk Lance dejase el grupo pues prefería mantener las raíces nu metal de los orígenes). Se pasó de heavy a música alternativa agresiva para terminar en una especie de mezcla entre jazz, funk y tendencias innovadoras. Incubus se había formado definitivamente.

Los dos discos siguiente (“A Crow Left Of The Murder” y “Light Grenades”), reafirman la transición que supuso “Morning View” para Incubus: el estilo de Incubus sería indefinible con una sola palabra, pero se mantendrían los valores alternativos, las letras con significado (ya sea político, social o existencial), los sonidos limpios, los toques rock, los matices underground y la energía en directo de los cinco componentes.

Han sido criticados duramente por aquellos que mantienen como un error esta “evolución”, que más bien determinan una “degradación” de Incubus. Ante estas críticas no responden, pues dicen que siguen siendo ellos, que siguen teniendo el mismo espíritu: hacen lo que quieren, lo que les gusta, lo que les hace felices.

Está claro que no se podría comparar el último disco del grupo con “S.C.I.E.N.C.E”, por ejemplo, pero… ¿quién puede afirmar que uno es peor que el otro? Son discos diferentes que parecen de grupos diferentes sino fuera porque la voz de Brandon Boyd es inconfundible en cualquier estilo (está considerada una de las mejores voces de nuestra época); los acordes y la perfección en la guitarra de Einziger es impecable; la preeminencia del bajo es innegable; la batería fuerte, firme y siempre adecuada; los platos y los diferentes efectos siempre son exactos y encajan a la perfección en todo momento.


Foto: Brandon Boyd con Mike al fondo el 5 de marzo de 2007, Lisboa Fuente: María Fernández Carballo

Incubus se podría definir como un conjunto de buenos músicos, que se iniciaron en sonidos duros para ir evolucionando a sonidos más introspectivos (pero no por ello, menos reivindicativos) y que actualmente, cuentan con las actuaciones en directo más cuidadas y más auténticas musicalmente de los grupos de hoy en día: no necesitan miles de luces ni de watios de sonido para enseñar que la música es un arte con diferentes posibilidades.

Pero si aquí acabase Incubus…nos quedaríamos cortos en “Rincón Underground”: Han creado “The Make Yourself Foundation”, una fundación de parte del grupo que se encarga de recoger fondos mediante los beneficios de su márquetin y de sus conciertos para utilizarlo en la lucha contra enfermedades, en mejoras de infraestructuras en el tercer mundo…

Y además, está el tema de la lírica, los tatuajes, los dibujos, las exposiciones… y es que Incubus es algo más… se han convertido en una especie de “imperio artístico”: Brandon y Pasillas diseñan tatuajes; Boyd, además, aprovechando sus dotes para la poesía ha publicado varios libros además de colecciones de dibujos y exposiciones de sus obras; Dj Kilmore y Mike tienen un proyecto musical paralelo basado en la experimentación de diversos instrumentos…



Fotografía: Dibujo de Brandon Boyd Fuente: Fan Fire

Incubus hace pensar como grupo musical (al ver la trayectoria, los diversos géneros que tiñen sus canciones…), pero también más allá: el significado de las letras, los mensajes sociales, la introspección que consiguen transmitir con cada nota… arte en su más pura esencia que deja tras de sí un sabor tan dulce que engancha desde el principio.

¿Qué pasa si solo conocemos a un artista por sus álbumes? Pues que, sencillamente, no lo conocemos. Un artista se conoce en estudio, pero se tiene que conocer en directo. El directo es lo que marca la diferencia con el resto de grupos o solistas. Si en directo desafinas, no actúas, no das un poco de espectáculo, no lo sientes… te quedas sin público. Al igual que con cualquier producto de la tienda de la esquina, “el cliente siempre tiene la razón” y la verdadera presentación de un artista siempre se da en el escenario.

Pero si además demuestras que eres capaz de adaptar tu estilo en un concierto acústico, deshaciéndote de amplificadores, guitarras eléctricas… y te defiendes a capella y “desnudo” de cualquier sonido metálico que pueda tapar fallos en los conciertos, eres más que un artista: eres un músico. Por ello, en “Rincón Underground” abogamos por los Unplugged.


Fotografía: Alanis Morissette 1999 Fuente: Audiokat

Unplugged, término inglés que literalmente quiere decir “desenchufado”. Es el gran amigo y el gran enemigo de los grupos de música rock. Supone deshacerse de lo que más aman: sonidos pesados, potentes, amplificados… y dar a conocer lo que realmente son al desnudo. Pasan de dar la nota, a dar el do de pecho… y eso, vale su peso en oro para los más fans.

La cadena MTV, aunque criticada por muchos, ha tenido a lo largo de su historia, la maravillosa idea de concertar Unpluggeds de los artistas a los que menos les pega hacer un desenchufado y a los que se dedican a una música más acústica.


Fotografía: Unplugged de The Cure en 1991 Fuente: Unplugged Free

Todo empezó con la propuesta de hacer presentaciones en directo de los nuevos discos de grupos como Jon Bon Jovi. Los espectadores no dejaban de pedir que se repitiese la emisión de la presentación en acústico, y los directivos decidieron dar un paso más concertando verdaderos directos de grupos.

¿Quién diría en los 80 o 90 que verían a Nirvana, Pearl Jam o a Alice In Chains, grupos representantes de la rabia grunge en el escenario, interpretando canciones de ritmo acelerado con una guitarra española y un bajo acústico?



Video: Black de Pearl Jam 1992 Fuente: Youtube Duración: 07:17 min


Pero ahora, no solamente lo podemos decir, sino que los amantes del grunge pueden presumir de ello, pues no solo fueron algunos de los Unplugged que quedarán en los anales de la historia como “los más vistos” o “los mejor valorados” sino que además, reafirmaron la calidad de los artistas.

Hay una lista innumerable de artistas que han caído en las redes “sin cables” de estos directos y que han reafirmado su estatus dentro de la música gracias a estas demostraciones sin posibles arreglos o tapaderas. No sólo artistas rock, también pop, música alternativa, hip-hop, rap, metal… todos han sucumbido… y para bien.


Fotografía: Lauryn Hill Unplugged 2002 Fuente: Word Mag

La cantante Lauryn Hill del obsoleto grupo de hip-hop The Fugees, se atrevió, una vez disuelto el grupo, a demostrar sus dotes con una guitarra y su mejor instrumento: la voz. La polémica afroamericana demostró lo que ya todos sabíamos: que su voz puede ser dura, desgarrada, rota… en unos momentos, para convertirse en dulce, melódica y fluida en otros. Pero el cambio estaba en el formato del concierto: la ausencia de sonidos contundentes alrededor de su voz realzaba la increíble capacidad vocal de la solista, dejando la piel de gallina a todo aquel que ve alguna de las piezas que tocó esa noche en los estudios de la MTV.

Y qué grupo más diferente a la anterior mencionada hip-hopera, que Kiss…Sí, ellos también tuvieron su Unplugged. Y no fue peor que el de Hill, sino…diferente. La banda se reunió en 1995, por primera vez desde 1979 con sus miembros originales. Y, como curiosidad, no iban maquillados de pintura blanca y negra como es costumbre en esta banda. El año posterior al directo, el álbum “Kiss Unplugged” alcanzaba el puesto número 15 de la prestigiosa lista de la revista americana Billboard. Caracterizados por sus potentes y electrizantes conciertos, sorprendieron con melodiosas versiones de sus temas más heavies. Y es que un Unplugged, puede hacer maravillas.


Fotografía: Kiss Unplugged 1995 Fuente: Kiss Fan Shop

No podemos recoger en un solo post las reseñas de todos los Unpluggeds destacables, pero sí podemos tratar de transmitir la magia de momentos que son difícilmente repetibles en el futuro (el caso del Unplugged de Nirvana o el de Alice In Chains, sería imposible repetirlos o tratar de imitarlos debido a la muerte de los dos líderes del grupo). Son ocasiones limitadas, un privilegio, que se acaba convirtiendo en una hora, o poco más, de música que cala hondo, de música de verdad.


Fotografía: Lenny Kravitz Unplugged 1999 Fuente: Unplugged Free

Es el privilegio de la música no pasada por filtros de estudio y sin arreglos de última hora: un auténtico placer a oídos de quien tiene la oportunidad de escuchar esas piezas, que por un momento se convierten en melodías tranquilas. Sólo el sentimiento del que interpreta puede marcar la diferencia.

En una sociedad donde cada día es más difícil pensar en un cambio serio, en donde la burocracia, la política, el dinero y los intereses prevalecen frente a cualquier valor humano, hay voces pacíficas que se levantan pensando que las utopías lo son si adoptamos una actitud de “no actividad”.

Jamaica, años 60-70. Salta a nuestra mente un nombre: Robert Nesta Marley. En sus primeros años fue superviviente junto con su madre en uno de los barrios más pobres de la capital del país, Kingston. Una Jamaica en donde las bandas de jóvenes inundaban estos barrios ocupados por la gente del mundo rural que buscaba una salida económica en la metrópolis jamaicana.


Fotografía: Rude Boys Fuente: Feed Show

Dentro de esas bandas, los Rude Boys (que darían origen a los Skin Heads actuales) eran los más destacados. Los jóvenes de color de la Jamaica más sesentera, lejos de vivir en comunas y cantar al amor libre, se vestían al estilo de los gánsteres de América del norte: unos pantalones doblados, tirantes por encima de la camisa y un sombrero. La música, que como siempre en “Rincón Underground” no puede faltar, era el ska. Ska, palabra que no se sabe muy bien de dónde viene, pero que define a una derivación del punk pero cuyos orígenes poco tuvieron que ver con este movimiento.

La leyenda cuenta cómo llegaban los ritmos foráneos a Jamaica: fundamentalmente americanos. El blues, el jazz… eran entendidos de otra manera por la isla y los ritmos caribeños se fueron entremezclando poco a poco con los sonidos depurados de las emisoras yanquis hasta el nacimiento del ska. Como vemos, aunque poco a poco esos sonidos hayan evolucionado hasta caracterizarse por unas guitarras eléctricas rápidas y la fuerza y pesadez de la batería como fuente principal (es decir, punk), los verdaderos ritmos precursores del ska, poco tenían que ver con el punk. Aún así, la actitud de los grupos que interpretaban esta nueva mezcla latina-yanqui, resultó ser un aliciente para acelerar los ritmos hasta llegar al trepidante sonido ska-punk.


Fotografía: Bob Marley Fuente: El País

Pero esta tendencia no perduró… el rocksteady invadió la escena musical quitándole protagonismo al ska (que posteriormente se exportaría a EEUU en donde ideologías extremistas lo adoptarían junto con la forma de vestir de los “ruddies” para caracterizarse): Se dice que los conciertos de ska eran demasiado rápidos e hiperactivos para el calor de Jamaica. Por ello, poco a poco fue decreciendo el tempo de las canciones hasta que se creó el género rocksteady, ¿otra leyenda más?

La evolución musical de esta pequeña isla no terminó con el rocksteady…llegó el reggae, mucho más tranquilo que el rocksteady. Con un máximo exponente que, aunque no fue el creador de los ritmos reggaes, sí le dio la actitud al nuevo género: el gran Bobby, Bob Nesta Marley, hacía su aparición.

¿Por qué los pobres de Jamaica no podían hacer música? Pues la hicieron, y aunque se ganaron el nombre de “harapientos” (de ahí la expresión “reggae”), consiguieron llevar la música a otro nivel: consiguieron mandar un mensaje de esperanza. Bob Marley, unió el movimiento rastafari con esta música que se adaptó a la perfección para expresar todo lo que pretendía este artista: recordemos nuestros orígenes, África, ahí se encuentra la respuesta a todas nuestras preguntas. Necesitamos un sentimiento panafricanista para, a partir de él, mejorar en Jamaica y así sucesivamente hasta cambiar el nuestro pequeño mundo. Los orígenes reflejan lo que somos. Y ahora somos una comunidad dividida, pobre, problemática… La memoria histórica sería la base de este movimiento y de las letras de Marley sobre la unión y la hermanación.



Video: Africa Unite, Bob Marley Fuente: Youtube Duración: 3:06 min.


Podríamos hablar de su numerosa descendencia, del mito del número de distintos tipos de piojos que se encontraron en una de sus rastas después de muerto, de sus intentos por cambiar la política de su país, de los mensajes que lanzaba a favor de la unión y en contra de la división… nos quedamos con canciones como “One Love” o “Africa Unite” y la visión de este utópico que murió dejando tras de sí generaciones enteras de jóvenes con sentimientos de esperanza ante un mundo unido y un cambio posible.

“Redemption Song”, “No woman no cry”… auténticos himnos que no acaban, que cantaban nuestros padres con sus vinilos, que conocemos nosotros ahora y que escucharán nuestros hijos, porque un mito puede morir, pero no puede morir el sentimiento y la mentalidad que dejó detrás: de ahí la grandeza de Bob Marley.


Fotografía: Bob Marley Fuente: Rjan

Alice In Chains: grupo de grunge formado en Seattle en 1987. A estos músicos que componían para una “Alicia encadenada” siempre se les situó dentro de la Generación X de los 80 (generación que comprende grupos como Nirvana, Pearl Jam o Soundgarden que durante esa década se desmarcaron de las tendencias del momento mediante una música punk-rock).

Independientemente de si Alice In Chains está por encima o por debajo de esos otros grupos (cuestión que supondría un auténtico debate), está claro que Layne Staley (su líder y vocalista) y compañía, se desmarcaron del resto por mezclar melodías y guitarras que les acercaban al heavy metal.



Fotografía: Alice In Chains Fuente: Hipersónica


Alice In Chains se formaron por casualidad, cuando Layne se encontró con el guitarrita Jerry Cantrell que a su vez conocía al bajista Mike Starr y al batería Sean Kenney. Ellos tres decidieron ensayar y componer, hasta que se vieron con suficiente preparación para comenzar a tocar en bares de Seattle.

Ficharon por una discográfica, no por la archiconocida por los grupos underground Sub-Pop, sino por Columbia Records (mucho más comercial e internacional). Pero el fichar por esta gran discográfica no sólo denotaba el gran talento de Alice In Chains, sino que también les sirvió para abrirse las puertas de la fama tocando como teloneros de artistas de la talla de Iggy Pop y Poison.


Video: Nutshell, Unplugged de Alice In Chains Fuente: Youtube Duración: 4:31 min

"We die Young" no sólo era por el significado del título, toda una manifestación grunge y una premonición que se haría realidad en 2002 con la muerte del cantante, sino también el título de un EP promocional que se ha convertido en verdadero objetivo de coleccionistas por su escasa distribución.



Fotografía: Layne Staley en directo Fuente: Pop Matters


A partir de ahí, y de concierto en concierto, las giras estadounidenses se quedaron cortas y comenzaron a expandir sus cadenas por el resto del mundo. Los discos comenzaron a fluir y a venderse hasta llegar al número uno de las listas con un disco que llevaba el mismo nombre que el grupo: Alice In Chains se hacían grandes y la música underground brillaba de nuevo. La Generación X era una realidad latente e influyente a distintos niveles.

Pero como siempre, los rumores no paraban: autodestrucción y drogas eran las claves que, de boca en boca, llegaban relacionadas con este grupo. De hecho, hay claras referencias a las prácticas ilícitas de drogas en canciones como Angry Chair.

Participaron en festivales de rock como el famoso Lollapalooza, tocaron en compañía de artistas como Slash (guitarrista de prestigio del grupo Guns & Roses), Ozzy Osbourne (cantante y líder de Black Sabbath)… Saturday Night Show, The Late Show with David Letterman… son algunos de los programas americanos televisivos que se convirtieron en escenarios improvisados para esta banda de Seattle.

Y llegaron más allá: fueron varias veces nominados para los premios Grammy. Hasta cinco nominaciones con diferentes álbumes y componentes, pero no fueron suficientes para llevarse una de las estatuillas. Es la llamada “maldición” de Alice In Chains.



Fotografía: Layne Staley Fuente: Grunge Forum


En 2002 muere Layne Staley. La rumorología creada a partir de las malas lenguas que hablaban sobre la heroína como otro de los componentes del grupo, se hacía realidad. Apareció muerto el 19 de abril de 2002, pero llevaba muerto dos semanas. El cadáver, ya en descomposición, estaba rodeado de drogas y la causa de la muerte no dejaba lugar a dudas: una sobredosis producida por un cóctel de heroína y cocaína.

Muchos fueron los artistas que en su memoria, trataron de recordar a este artista que había hecho renacer un grunge mucho más duro y fuerte. Eddie Vedder (cantante de Pearl Jam) compañero de movimiento musical y coetáneo de Staley, le dedicó una canción nada más escuchar la noticia por la radio, que se encuentra en un disco del grupo de manera oculta.


Fotografía: Portada del disco “Alice In Chains Unplugged” Fuente: Portal Alternativo


Alice In Chains siguen hoy en día tocando en festivales y realizando giras (aunque con otros miembros y con William Duvall sustituyendo a Layne). Seguimos recordando con nostalgia el "Unplugged MTV" del grupo, un disco/dvd que se ha convertido junto con el de Nirvana en uno de los Unplugged de culto de los miles de fans de esta música underground, que se formó entre tantos disgustos, maldiciones y muertes.