El mito de "La Faraona" llega a la gran pantalla
El pasado 16 de marzo los cines españoles se llenaron de arte y flamenco con el estreno de Lola, la película, un largometraje dirigido por Miguel Hermoso que retrata la figura de la gran artista Lola Flores. La película comienza en la infancia de La Faraona en Jerez y recrea el ambiente de la España en la que Lola se inició en el mundo del espectáculo.
Fotografía: Lola, la película. Fuente: www.todocine.com
El filme narra en dos horas toda la vida de la cantaora; a los 8 años Lola Flores ya se ve impactada por el flamenco y va creciendo al ritmo de bailes y ensayos para conseguir alcanzar su sueño: ser una gran bailaora gitana. Pero los años 40 eran unos años difíciles protagonizados por el hambre, el miedo, las secuelas de la guerra civil y el régimen dictatorial del Generalísimo. Con 16 años, Lola quiere triunfar y abrirse paso en una sociedad marcada por la represión franquista y que no dejaba mucho margen a las mujeres. Por eso la historia de "La Faraona" es tan especial. Lola tuvo que luchar contra todo esto y abrirse paso ella sola en el mundo del arte para finalmente lograr marcar una época que ya es parte de todos.
Miguel Hermoso, el director, cuenta para esta obra con actores de la talla de Antonio Morales (Perico González), Carlos Hipólito (Arenzana), Alfonso Begara (“El Pescaílla”) y Gala Évora (Lola Flores), una actriz puede que no muy conocida pero con un gran talento interpretativo y un enorme futuro artístico por delante. Gala Évora desciende de una de las sagas artísticas del país, los Sanlúcar Évoras, y desde pequeña ha escuchado a Camarón, Rocío Jurado y, cómo no, a Lola Flores, lo que la ha hecho desear ardientemente triunfar en el mundo del arte. Y con este filme lo ha conseguido ya que “Lola, la película” representa para ella un momento crucial en su camino hacia el éxito. Gala no sólo interpreta su papel, sino que también canta y baila, ya que la música y, concretamente, el flamenco, son el núcleo central en torno al cual gira todo el guión. El propio director así lo afirma en sus declaraciones realizadas al estreno de la película: “El trabajo me pareció arriesgado y difícil; había que narrar una historia basada en un personaje tan carismático, que, lógicamente tenía que contar con números musicales, con espectáculo, y también con acción y un poco de humor.”
Fotografía: Gala Évora. Fuente: movies.yahoo.com
Lola, la película se presentó por primera vez en el Festival de Málaga 2007 de Cine español, donde tuvo una gran acogida. El filme va dirigido fundamentalmente a todas las mujeres, en especial a aquellas que, como La Faraona, están luchando o han tenido que luchar por abrirse paso en un mundo de hombres o en una sociedad que continúa poniendo las cosas muy difíciles para poder compaginar vida personal y profesional. Es una película dirigida a todos aquellos que quieran saber algo más de la gran Lola Flores, un mito hecho realidad.
Para finalizar, Miguel Hermoso escribió al término del rodaje un comentario personal sobre la película y sobre la figura de Lola. Estas líneas son un pequeño fragmento de dicho comentario. El resto se puede encontrar en su página oficial: http://www.miguelhermoso.com/lola.html
“Miedo me daba.
Lola Flores, la niña que, bailoteando por la calles de su Jerez natal, soñaba con las rutilantes estrellas del teatro; soñaba con sacar a sus padres de la pobreza resignada; soñaba con un triunfo en la vida que le permitiera a ella y a toda su familia escapar del humilde ámbito que la sociedad parecía, inexorablemente, haberles destinado; y soñando, soñando, se impuso a sí misma la inquebrantable obligación de conseguirlo. (…)
Lola quería ser reconocida y respetada en todos los ámbitos, y para ello tuvo que aprender a trampear para moverse en aquellas aguas, y también, inevitablemente, pagar un precio por su triunfo.
Chesterton decía, no sin humor, que hay un Robin Hood en el profundo interior de todo hombre. Me pregunto si en el interior de toda mujer, no hay una Lola. Lola, la decisión, y la lucha, y la rebeldía y el fuego y la pasión… ¿Qué sabe la gente de Lola? ¿Y qué le gustaría saber que no conoce?
Ya digo, miedo me daba.”
Fotografía: Lola, la película. Fuente: www.todocine.com
El filme narra en dos horas toda la vida de la cantaora; a los 8 años Lola Flores ya se ve impactada por el flamenco y va creciendo al ritmo de bailes y ensayos para conseguir alcanzar su sueño: ser una gran bailaora gitana. Pero los años 40 eran unos años difíciles protagonizados por el hambre, el miedo, las secuelas de la guerra civil y el régimen dictatorial del Generalísimo. Con 16 años, Lola quiere triunfar y abrirse paso en una sociedad marcada por la represión franquista y que no dejaba mucho margen a las mujeres. Por eso la historia de "La Faraona" es tan especial. Lola tuvo que luchar contra todo esto y abrirse paso ella sola en el mundo del arte para finalmente lograr marcar una época que ya es parte de todos.
Miguel Hermoso, el director, cuenta para esta obra con actores de la talla de Antonio Morales (Perico González), Carlos Hipólito (Arenzana), Alfonso Begara (“El Pescaílla”) y Gala Évora (Lola Flores), una actriz puede que no muy conocida pero con un gran talento interpretativo y un enorme futuro artístico por delante. Gala Évora desciende de una de las sagas artísticas del país, los Sanlúcar Évoras, y desde pequeña ha escuchado a Camarón, Rocío Jurado y, cómo no, a Lola Flores, lo que la ha hecho desear ardientemente triunfar en el mundo del arte. Y con este filme lo ha conseguido ya que “Lola, la película” representa para ella un momento crucial en su camino hacia el éxito. Gala no sólo interpreta su papel, sino que también canta y baila, ya que la música y, concretamente, el flamenco, son el núcleo central en torno al cual gira todo el guión. El propio director así lo afirma en sus declaraciones realizadas al estreno de la película: “El trabajo me pareció arriesgado y difícil; había que narrar una historia basada en un personaje tan carismático, que, lógicamente tenía que contar con números musicales, con espectáculo, y también con acción y un poco de humor.”
Fotografía: Gala Évora. Fuente: movies.yahoo.com
Lola, la película se presentó por primera vez en el Festival de Málaga 2007 de Cine español, donde tuvo una gran acogida. El filme va dirigido fundamentalmente a todas las mujeres, en especial a aquellas que, como La Faraona, están luchando o han tenido que luchar por abrirse paso en un mundo de hombres o en una sociedad que continúa poniendo las cosas muy difíciles para poder compaginar vida personal y profesional. Es una película dirigida a todos aquellos que quieran saber algo más de la gran Lola Flores, un mito hecho realidad.
Para finalizar, Miguel Hermoso escribió al término del rodaje un comentario personal sobre la película y sobre la figura de Lola. Estas líneas son un pequeño fragmento de dicho comentario. El resto se puede encontrar en su página oficial: http://www.miguelhermoso.com/lola.html
“Miedo me daba.
Lola Flores, la niña que, bailoteando por la calles de su Jerez natal, soñaba con las rutilantes estrellas del teatro; soñaba con sacar a sus padres de la pobreza resignada; soñaba con un triunfo en la vida que le permitiera a ella y a toda su familia escapar del humilde ámbito que la sociedad parecía, inexorablemente, haberles destinado; y soñando, soñando, se impuso a sí misma la inquebrantable obligación de conseguirlo. (…)
Lola quería ser reconocida y respetada en todos los ámbitos, y para ello tuvo que aprender a trampear para moverse en aquellas aguas, y también, inevitablemente, pagar un precio por su triunfo.
Chesterton decía, no sin humor, que hay un Robin Hood en el profundo interior de todo hombre. Me pregunto si en el interior de toda mujer, no hay una Lola. Lola, la decisión, y la lucha, y la rebeldía y el fuego y la pasión… ¿Qué sabe la gente de Lola? ¿Y qué le gustaría saber que no conoce?
Ya digo, miedo me daba.”
Woody Allen y Annie Hall
"Soy lo suficientemente feo y lo suficientemente bajo como para triunfar por mí mismo."
Sólo un genio del humor como Allan Stewart Konigsberg, más conocido como Woody Allen, es capaz de pronunciar una frase así. Woody Allen es considerado por la crítica como uno de los mejores cineastas contemporáneos. Su humor ácido y sus múltiples obsesiones como el sexo, la muerte, el psicoanálisis o el judaísmo aparecen reflejadas en todos y cada uno de sus numerosos filmes. Su peculiar manera de hacer cine le ha valido las críticas de unos pocos y los elogios de muchos más.
Fotografía: Woody Allen. Fuente: www.geocities.com
A algunos les puede parecer que Woody Allen únicamente cautiva en sus comedias por su ingeniosa capacidad para hacernos reír. Sin embargo, lo realmente interesante es su enorme aptitud para mostrarnos a nosotros mismos tal y como somos, con nuestras virtudes e imperfecciones. Sus diálogos nos provocan un estado de reflexión y autoanálisis para observar nuestra manera de pensar y de actuar ante la vida y ante los temas que nos preocupan. Woody Allen reflexiona para sí sobre el amor, el sexo, la muerte, el sentido de la vida o la existencia de Dios, pero el espectador se solidariza con él y le ayuda a pensar y analizar el por qué de las cosas.
Annie Hall (1977) es considerada por muchos la mejor obra de Woody Allen. Descrita por el mismo Allen como "una comedia romántica sobre los neuróticos en las ciudades", Annie Hall narra la relación entre Alvy Singer (el mismo Allen) y Annie Hall (Diane Keaton), desde sus comienzos hasta su separación definitiva. Esta película es, fundamentalmente, un profundo análisis sobre las relaciones de pareja. Alvy está enamorado de Annie, pero su constante lucha entre sus ganas de vivir con ella y su miedo de perder la libertad al hacerlo le llevan a perder a la única persona con la que verdaderamente se siente a gusto.
Alvy había fracasado en sus dos matrimonios anteriores y por ello intenta moldear a Annie a su imagen y semejanza, intentando convertirla en el egoísta ideal de perfección como compañera. Pero el cambio que se da en Annie no le satisface ya que ella encuentra poco a poco una gran seguridad y autoestima en su vida que Alvy aún no ha logrado hallar y que logra que se vayan distanciando.
Se ha llegado a decir incluso que Annie Hall refleja la ruptura entre Woody Allen y Diane Keaton en su vida real, ya que ambos formaron pareja estable durante un tiempo.
Fotografía: Annie Hall. Fuente: www.cityofangelsfilmfest.org.
Para Allen, toda la complejidad de las relaciones de pareja se resume en esta anécdota. Todos y cada uno de nosotros necesita del amor en su vida, no podemos prescindir de él aunque nos lleve a unas relaciones absurdas o alocadas. Como Alvy y Annie, incapaces de disfrutar al máximo su amor, pero a la vez necesitados el uno del otro. Según el propio Allen, "así somos todos, a veces más preocupados de mirarnos el ombligo que de de ser felices y de disfrutar de la vida".
Se trata de una de las películas de Woody Allen mejor acogidas por Hollywood en toda su carrera ya que obtuvo cuatro premios Óscar: mejor película, mejor director, mejor guión original y mejor actriz principal. Una quinta nominación fue para Woody Allen como mejor actor, pero finalmente no obtuvo el galardón. En cualquier caso, fue la segunda vez en la historia en la que una misma persona (Allen) era nominada para tres galardones (mejor director, mejor actor y mejor guión original), algo que solo había ocurrido hasta ese momento con Orson Welles por Ciudadano Kane (1941).
Woody Allen destaca por su ácido humor y posee una gran colección de citas célebres pronunciadas por él mismo en muchas de sus películas y entrevistas. La siguiente dirección muestra una recopilación de sus mejores frases, convirtiendo a Woody Allen en uno de los cómicos más citados, junto con Groucho Marx.
Citas de Woody Allen
Sólo un genio del humor como Allan Stewart Konigsberg, más conocido como Woody Allen, es capaz de pronunciar una frase así. Woody Allen es considerado por la crítica como uno de los mejores cineastas contemporáneos. Su humor ácido y sus múltiples obsesiones como el sexo, la muerte, el psicoanálisis o el judaísmo aparecen reflejadas en todos y cada uno de sus numerosos filmes. Su peculiar manera de hacer cine le ha valido las críticas de unos pocos y los elogios de muchos más.
Fotografía: Woody Allen. Fuente: www.geocities.com
A algunos les puede parecer que Woody Allen únicamente cautiva en sus comedias por su ingeniosa capacidad para hacernos reír. Sin embargo, lo realmente interesante es su enorme aptitud para mostrarnos a nosotros mismos tal y como somos, con nuestras virtudes e imperfecciones. Sus diálogos nos provocan un estado de reflexión y autoanálisis para observar nuestra manera de pensar y de actuar ante la vida y ante los temas que nos preocupan. Woody Allen reflexiona para sí sobre el amor, el sexo, la muerte, el sentido de la vida o la existencia de Dios, pero el espectador se solidariza con él y le ayuda a pensar y analizar el por qué de las cosas.
Annie Hall (1977) es considerada por muchos la mejor obra de Woody Allen. Descrita por el mismo Allen como "una comedia romántica sobre los neuróticos en las ciudades", Annie Hall narra la relación entre Alvy Singer (el mismo Allen) y Annie Hall (Diane Keaton), desde sus comienzos hasta su separación definitiva. Esta película es, fundamentalmente, un profundo análisis sobre las relaciones de pareja. Alvy está enamorado de Annie, pero su constante lucha entre sus ganas de vivir con ella y su miedo de perder la libertad al hacerlo le llevan a perder a la única persona con la que verdaderamente se siente a gusto.
Alvy había fracasado en sus dos matrimonios anteriores y por ello intenta moldear a Annie a su imagen y semejanza, intentando convertirla en el egoísta ideal de perfección como compañera. Pero el cambio que se da en Annie no le satisface ya que ella encuentra poco a poco una gran seguridad y autoestima en su vida que Alvy aún no ha logrado hallar y que logra que se vayan distanciando.
Se ha llegado a decir incluso que Annie Hall refleja la ruptura entre Woody Allen y Diane Keaton en su vida real, ya que ambos formaron pareja estable durante un tiempo.
Fotografía: Annie Hall. Fuente: www.cityofangelsfilmfest.org.
Para Allen, toda la complejidad de las relaciones de pareja se resume en esta anécdota. Todos y cada uno de nosotros necesita del amor en su vida, no podemos prescindir de él aunque nos lleve a unas relaciones absurdas o alocadas. Como Alvy y Annie, incapaces de disfrutar al máximo su amor, pero a la vez necesitados el uno del otro. Según el propio Allen, "así somos todos, a veces más preocupados de mirarnos el ombligo que de de ser felices y de disfrutar de la vida".
Se trata de una de las películas de Woody Allen mejor acogidas por Hollywood en toda su carrera ya que obtuvo cuatro premios Óscar: mejor película, mejor director, mejor guión original y mejor actriz principal. Una quinta nominación fue para Woody Allen como mejor actor, pero finalmente no obtuvo el galardón. En cualquier caso, fue la segunda vez en la historia en la que una misma persona (Allen) era nominada para tres galardones (mejor director, mejor actor y mejor guión original), algo que solo había ocurrido hasta ese momento con Orson Welles por Ciudadano Kane (1941).
Woody Allen destaca por su ácido humor y posee una gran colección de citas célebres pronunciadas por él mismo en muchas de sus películas y entrevistas. La siguiente dirección muestra una recopilación de sus mejores frases, convirtiendo a Woody Allen en uno de los cómicos más citados, junto con Groucho Marx.
Citas de Woody Allen
Hable con ella.
Hable con ella contiene lo mejor del cine de Almodóvar, supone un gran paso adelante en su filmografía. El director manchego vuelve a sorprender a su público con la elección de sus protagonistas. Esta vez, una gran Rosario Flores da vida a uno de los papeles femeninos, junto a la también impresionante Leonor Watling, la plausible transformación interpretativa de Javier Cámara y el aplomo magistral de Darío Grandinetti. Ellos saben plasmar con sus trabajos la inmensa complejidad del guión escrito con mano maestra por Almodóvar y que está plagado de reflexiones memorables y de una filosofía que en cada escena se desmenuza.
La historia comienza en un teatro. En el escenario, dos mujeres se tambalean, con los ojos cerrados, entre sillas y mesas de madera, como desesperadas. En el patio de butacas, dos completos desconocidos entre sí, Benigno y Marco, contemplan el espectáculo emocionados. Marco llora. Beningo le observa sorprendido.
De esta manera se produce la conexión entre ambas realidades: entre las protagonistas de la obra teatral y los dos espectadores desconocidos. Se trata de un claro paralelismo entre ellos; lo que van a vivir a partir de ese momento Benigno y Marco es un reflejo de la situación de esas dos mujeres en el escenario. Van a sumirse en la desesperación, van a ir por la vida con los ojos cerrados, dejándose llevar por las circunstancias sin caer en las posibles consecuencias, van a sufrir, y les va a costar mucho esfuerzo no irse chocando contra "las sillas y mesas" de este mundo real que a veces nos juega tan malas pasadas. Un ejemplo de ello es el propio Benigno, que desde que entra en la cárcel vive una mentira, es engañado hasta por su propio amigo y pasa las horas creyendo lo que no es, convencido de que Alicia sigue en coma pero angustiado porque ya no es él quién puede cuidarla. Este pensamiento acaba superándole, acaba con él y termina venciendo hasta a la propia vida.
Fotografía: Hable con ella Fuente: www.clubcultura.com
Unos meses más tarde ambos hombres, Benigno y Marco, se vuelven a encontrar en una clínica privada, en la que Benigno trabaja como enfermero cuidando a Alicia, una joven aspirante a bailarina de ballet que ha quedado en coma tras un accidente de tráfico, hace cuatro años. Pero el destino es caprichoso y la mala suerte hace que Lydia, la novia de Marco, torera de profesión, sufra una cogida que la tendrá postrada en la cama inconsciente el resto de sus días. De esta forma se conocen Benigno y Marco, en una habitación de hospital, iniciando una intensa amistad que les llevará a la obsesión, a la locura, a la cárcel e incluso a la muerte.
Hable con ella es una metáfora de la comunicación. Pedro Almodóvar resalta la importancia y la necesidad que tenemos los humanos de comunicarnos: entre nosotros, con las plantas, con personas en coma... Criticado por únicamente reflejar el universo femenino, en Hable con ella Almodóvar retrata a la perfección los sentimientos varoniles dando protagonismo a la angustia de estos dos hombres, afligidos por sus amores en estado de coma y unidos por una misma soledad.
Fotografía: Pedro Almodóvar Fuente: flickr
Hable con ella, con su candidatura y obtención del Oscar al Mejor Guión Original, entre otros muchos premios, ha conquistado taquillas de todo el mundo y ha consagrado a Pedro Almodóvar a nivel internacional, convirtiéndolo en uno de los máximos exponentes del cine español.
La historia comienza en un teatro. En el escenario, dos mujeres se tambalean, con los ojos cerrados, entre sillas y mesas de madera, como desesperadas. En el patio de butacas, dos completos desconocidos entre sí, Benigno y Marco, contemplan el espectáculo emocionados. Marco llora. Beningo le observa sorprendido.
De esta manera se produce la conexión entre ambas realidades: entre las protagonistas de la obra teatral y los dos espectadores desconocidos. Se trata de un claro paralelismo entre ellos; lo que van a vivir a partir de ese momento Benigno y Marco es un reflejo de la situación de esas dos mujeres en el escenario. Van a sumirse en la desesperación, van a ir por la vida con los ojos cerrados, dejándose llevar por las circunstancias sin caer en las posibles consecuencias, van a sufrir, y les va a costar mucho esfuerzo no irse chocando contra "las sillas y mesas" de este mundo real que a veces nos juega tan malas pasadas. Un ejemplo de ello es el propio Benigno, que desde que entra en la cárcel vive una mentira, es engañado hasta por su propio amigo y pasa las horas creyendo lo que no es, convencido de que Alicia sigue en coma pero angustiado porque ya no es él quién puede cuidarla. Este pensamiento acaba superándole, acaba con él y termina venciendo hasta a la propia vida.
Fotografía: Hable con ella Fuente: www.clubcultura.com
Unos meses más tarde ambos hombres, Benigno y Marco, se vuelven a encontrar en una clínica privada, en la que Benigno trabaja como enfermero cuidando a Alicia, una joven aspirante a bailarina de ballet que ha quedado en coma tras un accidente de tráfico, hace cuatro años. Pero el destino es caprichoso y la mala suerte hace que Lydia, la novia de Marco, torera de profesión, sufra una cogida que la tendrá postrada en la cama inconsciente el resto de sus días. De esta forma se conocen Benigno y Marco, en una habitación de hospital, iniciando una intensa amistad que les llevará a la obsesión, a la locura, a la cárcel e incluso a la muerte.
Hable con ella es una metáfora de la comunicación. Pedro Almodóvar resalta la importancia y la necesidad que tenemos los humanos de comunicarnos: entre nosotros, con las plantas, con personas en coma... Criticado por únicamente reflejar el universo femenino, en Hable con ella Almodóvar retrata a la perfección los sentimientos varoniles dando protagonismo a la angustia de estos dos hombres, afligidos por sus amores en estado de coma y unidos por una misma soledad.
Fotografía: Pedro Almodóvar Fuente: flickr
Hable con ella, con su candidatura y obtención del Oscar al Mejor Guión Original, entre otros muchos premios, ha conquistado taquillas de todo el mundo y ha consagrado a Pedro Almodóvar a nivel internacional, convirtiéndolo en uno de los máximos exponentes del cine español.
Ghosts
Llegan al Reino Unido clandestinamente, a merced de traficantes sin escrúpulos. La mayoría son mujeres, chicas muy jóvenes y, en algunos casos, menores de edad. El destino de muchas de ellas es la prostitución. Otras acabarán como esclavas en el servicio doméstico, sin salario, ni derechos. Cada año, cientos de mujeres llegan al Reino Unido para convertirse en carne de cañón, en manos de bandas organizadas sin piedad ni escrúpulos. Esta es la realidad que el director Nick Broomfield ha querido plasmar en su película Ghosts, con los personajes reales de la tragedia como protagonistas.
Una de las chicas que llegó a Inglaterra en pésimas condiciones fue Ai Quin, una joven de la provincia de Fujian, en China. Ai Quin se vio obligada a pedir prestados 25.000 dólares para pagar a la banda de los "Snakehead", quienes la llevaron ilegalmente al Reino Unido para poder enviar dinero a su familia y mantener a su hijo.
Una vez en el Reino Unido se convierte en una más de los tres millones de inmigrantes ilegales que conforman la espina dorsal de la cadena alimenticia, la construcción o la industria hostelera. Ai Qin termina viviendo en una casa suburbial de dos habitaciones con otros quince compatriotas.
Fotografía: Mark Wolfe Fuente: Archivo Festival de San Sebastián
Con un permiso ilegal, Ai Quin (junto con otros compatriotas inmigrantes) empieza a trabajar en una fábrica preparando comida para supermercados ingleses. En su búsqueda de trabajos mejor pagados para devolver la deuda, terminan mariscando por la noche en la Bahía de Morecambe.
La tragedia tuvo lugar el 5 de febrero del 2004, fecha en la que veintitrés de ellos se ahogaron en las aguas Morecambe. Sus familias en China aún estan pagando sus deudas. Ai Quin es una de las pocas supervivientes del suceso.
Esta es la historia de Ai Quin, retratada magistralmente por el director Nick Broomfield en Ghosts (Fantasmas), y representada en el pasado festival de San Sebastián, donde tuvo una gran acogida.
Ghosts no es un película más basada en hechos reales y dotada de un fuerte sentimentalismo que nos hace reflexionar, mientras estamos sentados en la butaca, sobre la situación actual de nuestro mundo y cuando nos levantamos ya se nos ha olvidado todo lo que hemos visto y seguimos comportándonos como si nada. Ghosts es la brutal realidad de un mundo secreto que nos rodea. Nick Broomfield se ha salido de su género habitual, el documental, para crear este filme apasionante que logra cambiar la visión del espectador sobre la vida del inmigrante y hace que nos demos cuenta de que, en pleno siglo XXI, sigue existiendo la esclavitud.
Ai Quin y otros de los personajes principales son protagonizados por personas que han sido immigrantes ilegales y se han sumergido en sus pasadas experiencias para dar unas actuaciones apasionadas y auténticas: se autointerpretan a sí mismos.
Fotografía: The Stowaway's Story Fuente: http://www.ghosts.uk.com/
La inmigración es un tema muy actual sobre el que deberíamos preocuparnos más. Estoy totalmente de acuerdo con el director cuando afirma que “el problema no es que haya inmigración ilegal, sino que los gobiernos ilegalizan la inmigración. Deberíamos quitar la palabra ‘ilegal’ porque, sea o no legal, las condiciones son muy parecidas”. En este caso, todos ellos llegan a Gran Bretaña esperando mayores oportunidades económicas y ¿qué se encuentran? Una ausencia total de protección. El gobierno se despreocupa del asunto.
Es la triste realidad del mundo en el que nos ha tocado vivir y que muchas veces nos gustaría cambiar de forma radical. Una persona sola no puede hacerlo, pero películas como ésta probablemente ayuden a que los problemas sociales calen hondo en nuestras conciencias y así alcemos la voz y gritemos con todas nuestras fuerzas las injusticias para que los "mandamases" de turno pongan remedio a situaciones como esta.
Una de las chicas que llegó a Inglaterra en pésimas condiciones fue Ai Quin, una joven de la provincia de Fujian, en China. Ai Quin se vio obligada a pedir prestados 25.000 dólares para pagar a la banda de los "Snakehead", quienes la llevaron ilegalmente al Reino Unido para poder enviar dinero a su familia y mantener a su hijo.
Una vez en el Reino Unido se convierte en una más de los tres millones de inmigrantes ilegales que conforman la espina dorsal de la cadena alimenticia, la construcción o la industria hostelera. Ai Qin termina viviendo en una casa suburbial de dos habitaciones con otros quince compatriotas.
Fotografía: Mark Wolfe Fuente: Archivo Festival de San Sebastián
Con un permiso ilegal, Ai Quin (junto con otros compatriotas inmigrantes) empieza a trabajar en una fábrica preparando comida para supermercados ingleses. En su búsqueda de trabajos mejor pagados para devolver la deuda, terminan mariscando por la noche en la Bahía de Morecambe.
La tragedia tuvo lugar el 5 de febrero del 2004, fecha en la que veintitrés de ellos se ahogaron en las aguas Morecambe. Sus familias en China aún estan pagando sus deudas. Ai Quin es una de las pocas supervivientes del suceso.
Esta es la historia de Ai Quin, retratada magistralmente por el director Nick Broomfield en Ghosts (Fantasmas), y representada en el pasado festival de San Sebastián, donde tuvo una gran acogida.
Ghosts no es un película más basada en hechos reales y dotada de un fuerte sentimentalismo que nos hace reflexionar, mientras estamos sentados en la butaca, sobre la situación actual de nuestro mundo y cuando nos levantamos ya se nos ha olvidado todo lo que hemos visto y seguimos comportándonos como si nada. Ghosts es la brutal realidad de un mundo secreto que nos rodea. Nick Broomfield se ha salido de su género habitual, el documental, para crear este filme apasionante que logra cambiar la visión del espectador sobre la vida del inmigrante y hace que nos demos cuenta de que, en pleno siglo XXI, sigue existiendo la esclavitud.
Ai Quin y otros de los personajes principales son protagonizados por personas que han sido immigrantes ilegales y se han sumergido en sus pasadas experiencias para dar unas actuaciones apasionadas y auténticas: se autointerpretan a sí mismos.
Fotografía: The Stowaway's Story Fuente: http://www.ghosts.uk.com/
La inmigración es un tema muy actual sobre el que deberíamos preocuparnos más. Estoy totalmente de acuerdo con el director cuando afirma que “el problema no es que haya inmigración ilegal, sino que los gobiernos ilegalizan la inmigración. Deberíamos quitar la palabra ‘ilegal’ porque, sea o no legal, las condiciones son muy parecidas”. En este caso, todos ellos llegan a Gran Bretaña esperando mayores oportunidades económicas y ¿qué se encuentran? Una ausencia total de protección. El gobierno se despreocupa del asunto.
Es la triste realidad del mundo en el que nos ha tocado vivir y que muchas veces nos gustaría cambiar de forma radical. Una persona sola no puede hacerlo, pero películas como ésta probablemente ayuden a que los problemas sociales calen hondo en nuestras conciencias y así alcemos la voz y gritemos con todas nuestras fuerzas las injusticias para que los "mandamases" de turno pongan remedio a situaciones como esta.