NUEVOS TALLERES INFANTILES EN EL DA2
Coincidiendo con la inauguración de la exposición de Franz Ackermann el próximo 9 de Febrero comenzamos unos nuevos talleres infatiles, para los que ya se encuentra abierta la inscripción gratuita como en anteriores ocasiones.
Los talleres van dirigidos a niños/as de 6 a 12 años y se celebran los sábados 17, 24 de Febrero, 3,10, 17, 24, 31 de Marzo entre las 11.00 y las 13.30 horas en el DA2
En cada sesión podrán participar 15 niños y para inscribirse solo hay que hacerlo en la recepción del DA2, por teléfono en el 923184916 o bien enviar un correo electrónico a del Domus Artium 2002
ANÍMATE Y PARTICIPA EN NUESTROS TALLERES INFANTILES
LEE BUL, PRIMERA EXPOSICIÓN DE LA ARTISTA COREANA EN ESPAÑA
ENGLISH TEXT BELLOW
Lee Bul (1964, Yongwol, Corea del Sur) es una de las artistas más prometedoras de la joven generación de artistas coreanos surgida en los años 90, entre la que también destacan p.e. Do-Ho
Suh y Sooja Kim. Lee Bul alcanzó rápidamente fama internacional mediante sus performances y sus retadoras y provocadoras esculturas de cyborgs y monstruos. Ha expuesto tanto individual como colectivamente en importantes museos y bienales internacionales como la Bienal de Lyon (1997), la Bienal de Venecia (1999), la Bienal de Estambul (2001), en Let’s Entertain en el Walker Art Center de Minneapolis (2000), la Power Plant de Toronto (2003), el San Francisco Museum of Modern Art –SFMoMA- (2001), el Hugo Boss Prize en el Museo Guggenheim de Nueva York (1998), en el New Museum de Nueva York (2002) o más recientemente en el Museo de Arte Contemporáneo de Sydney (2004) y la Govett Brewster Art Gallery de Nueva Zelanda (2006). En el 2007 expondrá en la prestigiosa Fundación Cartier de París.
Como el propio título ya indica, Lee Bul: Aseptia recoge una
una serie de obras que desde un punto de vista visual recuerdan ambientes de asepsia al tiempo que aluden a la propia contradicción del ser humano que, en su búsqueda de la perfección y la belleza, acaba engendrando su propia putrefacción. En un plano metafórico, los prístinos cyborgs y monstruos no son más que el resultado de esa falta de compromiso del ser humano con el mundo que le rodea y que le lleva a canalizar toda su rabia hacia su propio cuerpo
La artista coreana Lee Bul es una artista interdisciplinar cuya obra ha ido evolucionando desde el performance, el dibujo y la escultura hasta la instalación y el vídeo. Bul empezó a obtener visibilidad a través de sus performances en los que, ataviada con trajes pseudo-escultóricos de apariencia extraña e incluso en ocasiones amenazante, que la convertían en una suerte de escultura viviente, abordaba aspectos relacionados básicamente con la manipulación de la identidad, tanto en sentido figurado como literal. Así, la inmortalidad, lo artificial o el cuerpo humano se convierten entonces en campos de investigación que permiten explorar la sempiterna fascinación del ser humano con lo desconocido, lo extraño e, incluso, lo monstruoso.
Como consecuencia lógica de esta búsqueda por un nuevo cuerpo capaz de albergar las contradicciones de la tecno-cultura actual, y con un telón de fondo en el que se avistan películas de serie B, dibujos animados de ciencia ficción japoneses y héroes de la mitología griega, Lee inicia una serie de esculturas tipo cyborg que constituyen un paso más allá en su reflexión acerca de los binomios cuerpo-mente, naturaleza-artificio o lo familiar y lo horrendo, y que retoma la fascinación por el mito del hombre-máquina.
Incompletas, esto es, carentes de ciertos miembros como brazos, piernas o cabezas, estas esculturas-cyborg tratan, a decir de la propia Bul, de “nuestro miedo y fascinación con lo incatalogable y lo extraño –unheimlich-“. El cuerpo humano se vuelve entonces ambiguo, irreconocible e inestable y sirve para representar lo maravilloso, que depende de la rareza y casualidad de su génesis en naturaleza.
Este mostrar más allá de las normas –monstrum- que constituye el cyborg, adquiere su contrapartida o desarrollo en las últimas obras recientes de Bul: los monstruos. A caballo entre plantas extraordinarias, criaturas prehistóricas y engendros de ciencia ficción, estas esculturas-instalación se erigen en metáfora del enigmático asexuado ser humano híbrido que personifica en su condición la perfección de la raza humana, una perfección que suspende, anula o neutraliza cualquier categoría moral o física de los sistemas de valores aceptados por nuestra sociedad. Estos monstruos informes, inestables, atemporales, barrocos y prístinos, desordenados y caóticos, de aséptica belleza blanca reflexionan en torno a la escultura clásica al tiempo que evocan elementos como virtud o heroísmo.
Al igual que las bacterias que acaban resistiendo las técnicas asépticas y que infectan la carne, el cuerpo humano acaba podrido en su incesante e insatisfactoria búsqueda. Cuando el ser humano pierde sus ideales, cuando se ha vuelto aséptico, canaliza su inconformidad hacia su propio cuerpo que poco a poco va mutilando mediante regímenes inhumanos, desequilibrios alimenticios, operaciones de cirugía estética, tatuajes y piercings en pos de un sueño inalcanzable.
La exposición en Salamanca traza un recorrido por algunas de las obras más significativas de esta joven artista coreana en los últimos siete años.
The Korean artist Lee Bul is an interdisciplinary artist whose work has been evolving from the performance, the drawing and the sculpture to the installation and the video. Bul began to obtain visibility through its performances in which, adorned with pseudo-sculptures suits of strange and even sometimes threatening appearance, that turned it a type of living sculpture, it approached aspects related basically to the manipulation of the identity, in sense as much appeared as literal. The immortality, artificial or the human body becomes then investigation fields that allow to explore the everlasting fascination of the human being with the stranger, strange it and, even, the monstrous thing. Like consequence logical of this search by a new body able to lodge the contradictions of the present techno-culture, and with a drop curtain of bottom in which films of b series have an interview, cartoons of Japanese science fiction and heroes of Greek mythology, Lee initiates a series of sculptures type cyborg which they beyond constitute a step in his reflection about the binomials body-mind, nature-artifice or the relative and the horrible thing, and that retakes the fascination by the myth of the man-machine one. Incomplete, this is, devoid certain members like arms, legs or heads, these sculptures-cyborg deal with, to say of the own Bul, “our fear and fascination with the no associate things are so strange for us- “. The human body becomes then ambiguous, unrecognizable and unstable and serves to represent the wonderful thing, that depends on the peculiarity and chance of its genesis in nature. This to show beyond the norms - monstrous- that constitutes cyborg, acquires its counterpart or development in last recent works of Bul: the monsters. It´s a work between rare plants, engenders prehistoric creatures and of science fiction, these sculpture-installation are elevated in metaphor of the enigmatic with no sex to be human hybrid that personifies in its condition the perfection of the human race, a perfection that suspends, it annuls or it neutralizes any moral or physical category of the systems of values accepted by our society. These monsters unstable, no time, baroque and pristine, disordered and chaotic information, of aseptic white beauty reflect around the classic sculpture to the time that evoke elements like virtue or heroes. The exhibition in Salamanca shows the last draws up to a route by some of the most significant works of this young Korean artist during the last six years.
Lee Bul (1964, Yongwol, Corea del Sur) es una de las artistas más prometedoras de la joven generación de artistas coreanos surgida en los años 90, entre la que también destacan p.e. Do-Ho
Suh y Sooja Kim. Lee Bul alcanzó rápidamente fama internacional mediante sus performances y sus retadoras y provocadoras esculturas de cyborgs y monstruos. Ha expuesto tanto individual como colectivamente en importantes museos y bienales internacionales como la Bienal de Lyon (1997), la Bienal de Venecia (1999), la Bienal de Estambul (2001), en Let’s Entertain en el Walker Art Center de Minneapolis (2000), la Power Plant de Toronto (2003), el San Francisco Museum of Modern Art –SFMoMA- (2001), el Hugo Boss Prize en el Museo Guggenheim de Nueva York (1998), en el New Museum de Nueva York (2002) o más recientemente en el Museo de Arte Contemporáneo de Sydney (2004) y la Govett Brewster Art Gallery de Nueva Zelanda (2006). En el 2007 expondrá en la prestigiosa Fundación Cartier de París. Como el propio título ya indica, Lee Bul: Aseptia recoge una
una serie de obras que desde un punto de vista visual recuerdan ambientes de asepsia al tiempo que aluden a la propia contradicción del ser humano que, en su búsqueda de la perfección y la belleza, acaba engendrando su propia putrefacción. En un plano metafórico, los prístinos cyborgs y monstruos no son más que el resultado de esa falta de compromiso del ser humano con el mundo que le rodea y que le lleva a canalizar toda su rabia hacia su propio cuerpo
La artista coreana Lee Bul es una artista interdisciplinar cuya obra ha ido evolucionando desde el performance, el dibujo y la escultura hasta la instalación y el vídeo. Bul empezó a obtener visibilidad a través de sus performances en los que, ataviada con trajes pseudo-escultóricos de apariencia extraña e incluso en ocasiones amenazante, que la convertían en una suerte de escultura viviente, abordaba aspectos relacionados básicamente con la manipulación de la identidad, tanto en sentido figurado como literal. Así, la inmortalidad, lo artificial o el cuerpo humano se convierten entonces en campos de investigación que permiten explorar la sempiterna fascinación del ser humano con lo desconocido, lo extraño e, incluso, lo monstruoso.
Como consecuencia lógica de esta búsqueda por un nuevo cuerpo capaz de albergar las contradicciones de la tecno-cultura actual, y con un telón de fondo en el que se avistan películas de serie B, dibujos animados de ciencia ficción japoneses y héroes de la mitología griega, Lee inicia una serie de esculturas tipo cyborg que constituyen un paso más allá en su reflexión acerca de los binomios cuerpo-mente, naturaleza-artificio o lo familiar y lo horrendo, y que retoma la fascinación por el mito del hombre-máquina. Incompletas, esto es, carentes de ciertos miembros como brazos, piernas o cabezas, estas esculturas-cyborg tratan, a decir de la propia Bul, de “nuestro miedo y fascinación con lo incatalogable y lo extraño –unheimlich-“. El cuerpo humano se vuelve entonces ambiguo, irreconocible e inestable y sirve para representar lo maravilloso, que depende de la rareza y casualidad de su génesis en naturaleza.
Este mostrar más allá de las normas –monstrum- que constituye el cyborg, adquiere su contrapartida o desarrollo en las últimas obras recientes de Bul: los monstruos. A caballo entre plantas extraordinarias, criaturas prehistóricas y engendros de ciencia ficción, estas esculturas-instalación se erigen en metáfora del enigmático asexuado ser humano híbrido que personifica en su condición la perfección de la raza humana, una perfección que suspende, anula o neutraliza cualquier categoría moral o física de los sistemas de valores aceptados por nuestra sociedad. Estos monstruos informes, inestables, atemporales, barrocos y prístinos, desordenados y caóticos, de aséptica belleza blanca reflexionan en torno a la escultura clásica al tiempo que evocan elementos como virtud o heroísmo.
Al igual que las bacterias que acaban resistiendo las técnicas asépticas y que infectan la carne, el cuerpo humano acaba podrido en su incesante e insatisfactoria búsqueda. Cuando el ser humano pierde sus ideales, cuando se ha vuelto aséptico, canaliza su inconformidad hacia su propio cuerpo que poco a poco va mutilando mediante regímenes inhumanos, desequilibrios alimenticios, operaciones de cirugía estética, tatuajes y piercings en pos de un sueño inalcanzable.
La exposición en Salamanca traza un recorrido por algunas de las obras más significativas de esta joven artista coreana en los últimos siete años.
The Korean artist Lee Bul is an interdisciplinary artist whose work has been evolving from the performance, the drawing and the sculpture to the installation and the video. Bul began to obtain visibility through its performances in which, adorned with pseudo-sculptures suits of strange and even sometimes threatening appearance, that turned it a type of living sculpture, it approached aspects related basically to the manipulation of the identity, in sense as much appeared as literal. The immortality, artificial or the human body becomes then investigation fields that allow to explore the everlasting fascination of the human being with the stranger, strange it and, even, the monstrous thing. Like consequence logical of this search by a new body able to lodge the contradictions of the present techno-culture, and with a drop curtain of bottom in which films of b series have an interview, cartoons of Japanese science fiction and heroes of Greek mythology, Lee initiates a series of sculptures type cyborg which they beyond constitute a step in his reflection about the binomials body-mind, nature-artifice or the relative and the horrible thing, and that retakes the fascination by the myth of the man-machine one. Incomplete, this is, devoid certain members like arms, legs or heads, these sculptures-cyborg deal with, to say of the own Bul, “our fear and fascination with the no associate things are so strange for us- “. The human body becomes then ambiguous, unrecognizable and unstable and serves to represent the wonderful thing, that depends on the peculiarity and chance of its genesis in nature. This to show beyond the norms - monstrous- that constitutes cyborg, acquires its counterpart or development in last recent works of Bul: the monsters. It´s a work between rare plants, engenders prehistoric creatures and of science fiction, these sculpture-installation are elevated in metaphor of the enigmatic with no sex to be human hybrid that personifies in its condition the perfection of the human race, a perfection that suspends, it annuls or it neutralizes any moral or physical category of the systems of values accepted by our society. These monsters unstable, no time, baroque and pristine, disordered and chaotic information, of aseptic white beauty reflect around the classic sculpture to the time that evoke elements like virtue or heroes. The exhibition in Salamanca shows the last draws up to a route by some of the most significant works of this young Korean artist during the last six years. INAUGURACION DE EXPOSICIONES
VIERNES 26 DE ENERO
18.30 HORAS
CONFERENCIA DEL ARTISTA:
LARRY SULTAN
“The Valley”
En ella presentará y mostrará la relación del trabajo expuesto actualmente en el DA2 con anteriores trabajos expositivos llevados a cabo por el artista. Tras su exposición se celebrará un pequeño coloquio
La conferencia será en inglés con traducción al castellano.
SALÓN DE ACTOS DEL DA2
ENTRADA LIBRE HASTA COMPLETAR AFORO.
Tras la conferencia, a las 20.00 tendrá lugar la inauguración oficial de las exposiciones del ciclo Enero-Marzo 2007
Lee Bul "Aseptia"
Larry Sultan "The Valley"
Espacio Emergente. Hugo Alonso "Paintingdrome"
La imagen es una obra de Hugo Alonso que expone en el Espacio Emegente
YA SE PUEDE VISITAR LA EXPOSICIÓN DE LARRY SULTAN EN EL DOMUS ARTIUM 2002 DE SALAMANCA
ENGLISH TEXT BELLOW
The Valley, una serie compuesta por cincuenta y tres fotografías en color a gran escala tomadas a partir de 1999, trata muchos de los temas que ya encontramos en el anterior proyecto de Sultan, Pictures from Home, que era, en parte, una investigación fotográfica sobre el significado del hogar y la familia. Junto a estas líneas, The Valley examina por qué el ideal de domesticidad de clase media se presta a la más curiosa forma de apropiacionismo como escenario para películas pornográficas. El proyecto también cuestiona la noción de verdad fotográfica, un tema popular de indagación entre los artistas contemporáneos.
(a la derecha: Sharon Wild, 2001, Larry Sultan, de la serie The Valley, impresión cromogénica, cortesía de Stephen Wirtz Gallery, San Francisco y Janet Borden Gallery, Nueva York)
En sus recientes excursiones a San Fernando Valley, Sultan notó que algunas de las casas normales y corrientes de los alrededores eran alquiladas por unos cuantos días para ser usadas como decorado para películas porno. Fascinado por esta práctica, Sultan emprendió su actual trabajo, no como meditación sobre la moralidad o como una sociología de la pornografía, sino como una investigación sobre qué significan los conceptos casa, trabajo, domesticidad y zona residencial cuando se utilizan como telones de fondo simbólicos y cargados de connotaciones para películas X. Las complejas fotografías de Sultan negocian la frontera entre la ficción y la realidad: sacan provecho de la seductora iluminación cinematográfica, pero también revelan los bordes desgastados del decorado y el aburrimiento que esconden los teatrales personajes. En Suburban Street in Studio, una calle de aspecto familiar de casas residenciales resulta no ser nada más que un decorado pintado. En West Vallery nº 11, Sultan se centra en un muro exterior con una rejilla de pequeñas aberturas, una de las cuales permite echar un vistazo revelador a una mujer reclinada en el interior. Esta ordinaria escena, unida a un revoltijo formado por un rollo de toallas de papel y una enorme jarra de líquido, está dominada por una luz rica, dorada, que añade un aire de misterio a la fotografía. En Sharon Wild, Sultan capta a una actriz en un momento de reposo entre tomas. Los retratos contemplativos de Sultan revelan a los actores que se esconden detrás de los personajes de la película en honestos momentos fuera de plano en los que sienten hambre, hastío o fatiga.
El cuerpo de fotografías más recientes de Sultan, The Valley, examina el uso que hace la industria del cine pornográfico de las casas de clase media como decorados para sus películas. Sultan tuvo acceso por primera vez a estos escenarios a través de un encargo para una revista en 1999 y quedó muy intrigado por la idea de ambientar fantasías eróticas en esas banales circunstancias. No se centra en los actos sexuales en sí mismos, sino que encuadra sus fotografías de manera que incluyan la arquitectura circundante y las actividades de los actores y del equipo que se producen fuera de cámara.
Sultan vive y trabaja en Bay Area, pero creció en San Fernando Valley en una casa con parcela muy parecida a las que presenta aquí. Su último proyecto de envergadura, Pictures from Home, tomaba a su propia familia como tema y exploraba el papel de la fotografía en la creación de una mitología familiar. En esta nueva serie, Sultan aborda cuestiones más amplias de domesticidad. La glamurosa iluminación del escenario no puede ocultar la casi insoportable vulgaridad de estas casas, con sus adornitos y sus televisiones de pantalla gigante, sus grabados artísticos y su mobiliario a juego para el salón-comedor. Sus imágenes nos llevan a preguntarnos: ¿Qué hay en estas casas y su decorado de clase media que las convierte en el escenario apropiado para fantasías sexuales proyectadas?
Aunque en teoría tratan sobre las películas X, las imágenes de Sultan son asimismo interrogantes sobre el medio fotográfico en sí. Muestra cómo la fotografía puede crear la ilusión de fantasía y, a continuación, utiliza sus imágenes para desmantelar esas mismas ficciones. Los exuberantes patios de atrás se descubren como meros telones pintados; incluso las hermosas estrellas porno, sexualmente desinhibidas, parecen menos exóticas y más familiares cuando las vemos entre tomas, aguardando a ser maquilladas o esperando instrucciones del director, especialmente cuando Sultan capta a los actores en momentos de contemplación, aburrimiento y cansancio.
Al mostrar los lugares donde la ilusión se desintegra, Sultan también llama nuestra atención sobre el acto de mirar. Un reflejo en una puerta corredera de cristal, un sofá que se interpone entre nosotros y los actores, o un jarrón situado estratégicamente son todos recordatorios de nuestro estatus como observadores o intrusos. En algunos casos, estos obstáculos oscurecen la escena casi por completo. Las imágenes de Sultan son complejas. A veces humorísticas, a veces eróticas, sus fotografías siempre recompensan a los que las examinan con detenimiento.
Esta exposición forma parte del Festival Explorafoto
In a trip by San Fernando Valley, the North American photographer Larry Sultan discovered that some houses of the environs were rented during days to be used like scenery for films porno. Fascinated by this practice, he undertook his present work, The Valley, a series composed by fifty and three photos taken since 1999. The work does not have to be seen like a moral or sociological reflection on the pornography, but like an investigation on the meaning of concepts like: house, work, domestic life or “residential zone” when they are used like loaded bottom “of connotations” in films X. In fact, these photos never show the sexual acts but the surrounding architecture and the most banal activities of the actors and the equipment outside camera. Most surprising of The Valley is to discover so the idea of domestic life of American middle-class lends to this significant form of the way that the cinema porno take this idea. “Glamorous” the illumination of the scenes cannot hide the vulgarity of these houses, with its adornments and their television sets of giant screen, their engravings kitsch and their furniture to game for the main space. What has in these houses of middle-class that turns them the appropriate scene for the projected sexual fantasies? The photos of Sultan negotiate the border between fiction and reality, between “erotic masquerade” and sociological document. They are also a question of the meaning of the photographic document. They show how the photography can create a fantasy and next, to dismantle it. Sultan removes benefit from the seductive cinematographic illumination, but also it reveals the worn away edges of the scenery and the boredom that hide the actors…
Even the porno stars, sexually carefree, seem less exotic and more familiar when we see them between taking out the mask, waiting to being made up or waiting for instructions of the director. The contemplative pictures of Sultan clear the mask to him to the industry of the cinema porno and reveal the actors who hide behind the actors of the film, at honest moments outside plane in which they feel boredom, hunger, weariness or fatigue. In last instance, when showing the places where the illusion is disintegrated, Sultan calls our attention on the own act to watch remembering ours to us status like observers or intruders.
The Valley, una serie compuesta por cincuenta y tres fotografías en color a gran escala tomadas a partir de 1999, trata muchos de los temas que ya encontramos en el anterior proyecto de Sultan, Pictures from Home, que era, en parte, una investigación fotográfica sobre el significado del hogar y la familia. Junto a estas líneas, The Valley examina por qué el ideal de domesticidad de clase media se presta a la más curiosa forma de apropiacionismo como escenario para películas pornográficas. El proyecto también cuestiona la noción de verdad fotográfica, un tema popular de indagación entre los artistas contemporáneos.
(a la derecha: Sharon Wild, 2001, Larry Sultan, de la serie The Valley, impresión cromogénica, cortesía de Stephen Wirtz Gallery, San Francisco y Janet Borden Gallery, Nueva York)
En sus recientes excursiones a San Fernando Valley, Sultan notó que algunas de las casas normales y corrientes de los alrededores eran alquiladas por unos cuantos días para ser usadas como decorado para películas porno. Fascinado por esta práctica, Sultan emprendió su actual trabajo, no como meditación sobre la moralidad o como una sociología de la pornografía, sino como una investigación sobre qué significan los conceptos casa, trabajo, domesticidad y zona residencial cuando se utilizan como telones de fondo simbólicos y cargados de connotaciones para películas X. Las complejas fotografías de Sultan negocian la frontera entre la ficción y la realidad: sacan provecho de la seductora iluminación cinematográfica, pero también revelan los bordes desgastados del decorado y el aburrimiento que esconden los teatrales personajes. En Suburban Street in Studio, una calle de aspecto familiar de casas residenciales resulta no ser nada más que un decorado pintado. En West Vallery nº 11, Sultan se centra en un muro exterior con una rejilla de pequeñas aberturas, una de las cuales permite echar un vistazo revelador a una mujer reclinada en el interior. Esta ordinaria escena, unida a un revoltijo formado por un rollo de toallas de papel y una enorme jarra de líquido, está dominada por una luz rica, dorada, que añade un aire de misterio a la fotografía. En Sharon Wild, Sultan capta a una actriz en un momento de reposo entre tomas. Los retratos contemplativos de Sultan revelan a los actores que se esconden detrás de los personajes de la película en honestos momentos fuera de plano en los que sienten hambre, hastío o fatiga.
El cuerpo de fotografías más recientes de Sultan, The Valley, examina el uso que hace la industria del cine pornográfico de las casas de clase media como decorados para sus películas. Sultan tuvo acceso por primera vez a estos escenarios a través de un encargo para una revista en 1999 y quedó muy intrigado por la idea de ambientar fantasías eróticas en esas banales circunstancias. No se centra en los actos sexuales en sí mismos, sino que encuadra sus fotografías de manera que incluyan la arquitectura circundante y las actividades de los actores y del equipo que se producen fuera de cámara.Sultan vive y trabaja en Bay Area, pero creció en San Fernando Valley en una casa con parcela muy parecida a las que presenta aquí. Su último proyecto de envergadura, Pictures from Home, tomaba a su propia familia como tema y exploraba el papel de la fotografía en la creación de una mitología familiar. En esta nueva serie, Sultan aborda cuestiones más amplias de domesticidad. La glamurosa iluminación del escenario no puede ocultar la casi insoportable vulgaridad de estas casas, con sus adornitos y sus televisiones de pantalla gigante, sus grabados artísticos y su mobiliario a juego para el salón-comedor. Sus imágenes nos llevan a preguntarnos: ¿Qué hay en estas casas y su decorado de clase media que las convierte en el escenario apropiado para fantasías sexuales proyectadas?
Aunque en teoría tratan sobre las películas X, las imágenes de Sultan son asimismo interrogantes sobre el medio fotográfico en sí. Muestra cómo la fotografía puede crear la ilusión de fantasía y, a continuación, utiliza sus imágenes para desmantelar esas mismas ficciones. Los exuberantes patios de atrás se descubren como meros telones pintados; incluso las hermosas estrellas porno, sexualmente desinhibidas, parecen menos exóticas y más familiares cuando las vemos entre tomas, aguardando a ser maquilladas o esperando instrucciones del director, especialmente cuando Sultan capta a los actores en momentos de contemplación, aburrimiento y cansancio.
Al mostrar los lugares donde la ilusión se desintegra, Sultan también llama nuestra atención sobre el acto de mirar. Un reflejo en una puerta corredera de cristal, un sofá que se interpone entre nosotros y los actores, o un jarrón situado estratégicamente son todos recordatorios de nuestro estatus como observadores o intrusos. En algunos casos, estos obstáculos oscurecen la escena casi por completo. Las imágenes de Sultan son complejas. A veces humorísticas, a veces eróticas, sus fotografías siempre recompensan a los que las examinan con detenimiento.
Esta exposición forma parte del Festival Explorafoto
In a trip by San Fernando Valley, the North American photographer Larry Sultan discovered that some houses of the environs were rented during days to be used like scenery for films porno. Fascinated by this practice, he undertook his present work, The Valley, a series composed by fifty and three photos taken since 1999. The work does not have to be seen like a moral or sociological reflection on the pornography, but like an investigation on the meaning of concepts like: house, work, domestic life or “residential zone” when they are used like loaded bottom “of connotations” in films X. In fact, these photos never show the sexual acts but the surrounding architecture and the most banal activities of the actors and the equipment outside camera. Most surprising of The Valley is to discover so the idea of domestic life of American middle-class lends to this significant form of the way that the cinema porno take this idea. “Glamorous” the illumination of the scenes cannot hide the vulgarity of these houses, with its adornments and their television sets of giant screen, their engravings kitsch and their furniture to game for the main space. What has in these houses of middle-class that turns them the appropriate scene for the projected sexual fantasies? The photos of Sultan negotiate the border between fiction and reality, between “erotic masquerade” and sociological document. They are also a question of the meaning of the photographic document. They show how the photography can create a fantasy and next, to dismantle it. Sultan removes benefit from the seductive cinematographic illumination, but also it reveals the worn away edges of the scenery and the boredom that hide the actors… Even the porno stars, sexually carefree, seem less exotic and more familiar when we see them between taking out the mask, waiting to being made up or waiting for instructions of the director. The contemplative pictures of Sultan clear the mask to him to the industry of the cinema porno and reveal the actors who hide behind the actors of the film, at honest moments outside plane in which they feel boredom, hunger, weariness or fatigue. In last instance, when showing the places where the illusion is disintegrated, Sultan calls our attention on the own act to watch remembering ours to us status like observers or intruders.ÚLTIMA OPORTUNIDAD PARA VISITAR LA EXPOSICÓN DE MICHAEL NAJJAR Y LOS ARTISTAS DE MASCARADA
El próximo Domino y pese a que el Museo no cerrara sus puertas para el cambio de exposición ya que algunas salas permaneceran abiertas será el último día para poder visitar la exposición MASCARADA, que ha estado integrada dentro del Festival de Fotografía de Castilla y León, EXPLORAFOTO.
Entre los artistas con los que ha contado la exposición se encuentra Michael Najjar:
Michael Najjar (Landau, Alemania, 1966) explora en su trabajo cuestiones clave como la manipulación de la información a través de los medios y la modificación de nuestra conciencia y nuestra percepción a través de la tecnología.
La simulación y la hiperrealidad son la base de sus trabajos de fotografía y vídeo en los que se combinan elementos realistas, realidad ficcionalizada y ficción.
Información y Apocalipsis es un intento de producir un “contratexto” basado en imágenes ya transmitidas por los medios a propósito del 11 de septiembre y la Guerra de Irak y ampliándolo con creaciones visuales propias que cuestionan y “quitan la máscara” al discurso oficial. La hipótesis de trabajo de Najjar se basa en la deconstrucción de algunos rasgos básicos que caracterizan la “mascarada informativa” que cada día nos ofrecen los medios recomunicación: el tiempo real, el periodismo incrustado, las imágenes borrosas y la visión cinematográfica.
Tiempo real
Se basa en la velocidad de información. La pérdida de distancia que resulta de la aceleración de las imágenes provoca una situación en la que la nueva información y las imágenes se superponen no quedando tiempo para la reflexión ni el análisis. Como consecuencia surgen la indiferencia y la parálisis crítica, un efecto calculado políticamente.
Periodismo incrustado
Esta expresión designa la práctica de integrar al periodista en la unidad militar operativa convirtiendo la información en algo “heroico”. Esto forma parte de una estrategia de simulación que sigue los dictados de la telerrealidad y obliga a los periodistas a buscar –a cualquier precio- la espectacularidad en detrimento de la veracidad.
Imágenes borrosas
Las imágenes borrosas, movidas y pixeladas sirven para crear la impresión de que se trata de un trabajo documental, pero la falta de enfoque no es resultado de ningún defecto técnico sino un recurso utilizado para conseguir una visión más superficial. Tras esa superficie desaparecen el espacio, el tiempo y la muerte.
Visión cinematográfica
Tras el 11 de septiembre, Jean Baudrillard expresó la sospecha de que el espectáculo del terrorismo nos traería el “terrorismo del espectáculo”. Actualmente la información bélica televisiva toma prestados del cine ciertos recursos estilísticos para que el espectador reciba en su casa las imágenes como si se tratara de una película de acción Como dijo Paul Virilio: “En el plazo de ciento cincuenta años, la línea de fuego se ha convertido en una localización cinematográfica y el campo de batalla ha pasado a ser un plató donde se prohíbe la entrada a los civiles(…)”. La guerra se sirve por televisión como un guión típico de Hollywood: emotivo, apasionante, lleno de acción y de efectos especiales. Sólo que el guionista, el productor y el director parecen, haber metido la pata con el final feliz. Sin embargo, siempre queda la posibilidad de una secuela…
Las fotos son cortesía del artista y de la Galería Fernando Silió de Santander
Entre los artistas con los que ha contado la exposición se encuentra Michael Najjar:
Michael Najjar (Landau, Alemania, 1966) explora en su trabajo cuestiones clave como la manipulación de la información a través de los medios y la modificación de nuestra conciencia y nuestra percepción a través de la tecnología.
La simulación y la hiperrealidad son la base de sus trabajos de fotografía y vídeo en los que se combinan elementos realistas, realidad ficcionalizada y ficción.
Información y Apocalipsis es un intento de producir un “contratexto” basado en imágenes ya transmitidas por los medios a propósito del 11 de septiembre y la Guerra de Irak y ampliándolo con creaciones visuales propias que cuestionan y “quitan la máscara” al discurso oficial. La hipótesis de trabajo de Najjar se basa en la deconstrucción de algunos rasgos básicos que caracterizan la “mascarada informativa” que cada día nos ofrecen los medios recomunicación: el tiempo real, el periodismo incrustado, las imágenes borrosas y la visión cinematográfica.
Tiempo real
Se basa en la velocidad de información. La pérdida de distancia que resulta de la aceleración de las imágenes provoca una situación en la que la nueva información y las imágenes se superponen no quedando tiempo para la reflexión ni el análisis. Como consecuencia surgen la indiferencia y la parálisis crítica, un efecto calculado políticamente.
Periodismo incrustado
Esta expresión designa la práctica de integrar al periodista en la unidad militar operativa convirtiendo la información en algo “heroico”. Esto forma parte de una estrategia de simulación que sigue los dictados de la telerrealidad y obliga a los periodistas a buscar –a cualquier precio- la espectacularidad en detrimento de la veracidad.
Imágenes borrosas
Las imágenes borrosas, movidas y pixeladas sirven para crear la impresión de que se trata de un trabajo documental, pero la falta de enfoque no es resultado de ningún defecto técnico sino un recurso utilizado para conseguir una visión más superficial. Tras esa superficie desaparecen el espacio, el tiempo y la muerte.
Visión cinematográfica Tras el 11 de septiembre, Jean Baudrillard expresó la sospecha de que el espectáculo del terrorismo nos traería el “terrorismo del espectáculo”. Actualmente la información bélica televisiva toma prestados del cine ciertos recursos estilísticos para que el espectador reciba en su casa las imágenes como si se tratara de una película de acción Como dijo Paul Virilio: “En el plazo de ciento cincuenta años, la línea de fuego se ha convertido en una localización cinematográfica y el campo de batalla ha pasado a ser un plató donde se prohíbe la entrada a los civiles(…)”. La guerra se sirve por televisión como un guión típico de Hollywood: emotivo, apasionante, lleno de acción y de efectos especiales. Sólo que el guionista, el productor y el director parecen, haber metido la pata con el final feliz. Sin embargo, siempre queda la posibilidad de una secuela…
Las fotos son cortesía del artista y de la Galería Fernando Silió de Santander
APROVECHA PARA VER BUENA FOTOGRAFIA EN EL DA2
EL DIA 7 ÚLTIMO DIA EXPOSICIÓN MASCARADA
El próximo Domingo día 7 de Enero será el último para poder ver la exposición Mascarda completa en el Domus Artium 2002 de Salamanca. A partir del próximo lunes la exposición será desmontada poco a poco y, aunque permanecerán algunas salas abiertas, será la última oportunidad para ver todas la obras tal como se muestran actualmente.Será pues una buen ocasión para acercarse al DA2 para ver las obras de Sam Taylor-Wood, Irene Andessner, Larry Fink, Michael Najjar, Leight Bowery, Vasco Araujo, Charlie White, Alison Jackson, Cindy Sherman o el artista coreano Yeondoo Yung.
Yeondoo Yung es un joven artista coreano nacido en 1969. Vive y trabaja en Seúl. Desde 1995 hasta 2001 ha estudiado en Londres donde ha obtenido la licenciatura en Escultura por el Saint Martins Collage of Art, como también un posgrado en el Goldsmiths Collage de Londres.
El proyecto Bewitched (encantado) es un work-in-progress que presenta escenificaciones de sueños de personas de diferentes edades y nacionalidades. En este sentido, bien podríamos hablar de fotografía relacional, pues la serie es el resultado de los viajes de Jung y sus encuentros con individuos que desean realizar un sueño como consecuencia de una promesa incumplida, un firme deseo de mejorar en la vida o ayudar al prójimo. Jung intenta que, dentro de sus posibilidades y aunque sea por un breve momento, algunas de estas personas puedan hacer realidad su sueño. Básicamente trata del poder de transformar nuestras vidas.El trabajo consta de 40 imágenes en los que vemos la ocupación o estado actual del sujeto y yuxtapuesto aparece en otras tantas imágenes la escenificación del sueño.
Las fotografías son cortesía del artista y Kukje Gallery, Corea