Since the mid 1980’s, a large number of authors (Calabrese, Sarduy, Deleuze, Virilio, Buci-Glucksmann, Baudrillard etc.) have attempted to arrive at a working definition of contemporary culture using the terms “Baroque” and “Neo-Baroque”.
Neo-Baroque should not represent a simple return to the celebrated style of the XVII and XVIII centuries, but should also, and above all, reflect a spirit or aesthetic category, a form of cultural organisation with its own representational strategies; a cultural metaphor for our own era that adopts and re-defines – sometimes in a contradictory way – an aesthetic and socio-cultural behaviour that has been developed since classical times.
From our point of view, the Greek Laokoon is as Baroque as the monster from Alien. The Carnival of Rio Janeiro or the Berlin Love Parade are two of the most fascinating neo-Baroque manifestations of our times. The designs of Christian Lacroix, Galliano and Jean Paul Gaultier are clearly Neo-Baroque – actually, I would say that the fashion industry as a whole moves under the parameters of Neo-Baroque. Visual media like the pop video are tools of Neo-Baroque representation in their omnivorous vampirization of ideas from other languages. When a DJ remixes music of different styles, he is re-defining, in a Neo-Baroque way, current musical styles. Internet is a virtual space which is as Baroque and overwhelming as a vault painted by Tiépolo or Andrea Pozzo; the Cyborg will probably be the last great creation of the Neo-Baroque... We could even use a cinematic metaphor to explain how we have approached the Baroque in this exhibition: Stephen Frears’ Dangerous Liaisons - that refers literally to the universe of seduction and look of French Rococo - is as Neo-Baroque as the Wachowsky Brothers’ The Matrix which anticipates a future dominated by Cyborgs and Virtual Reality.
In this sense, a discourse has evolved which primarily takes account of a cultural model defined in terms of ideas such as complexity, simulation, variation, inconsistency, movement, inversion, metamorphosis etc. that in the sphere of visual arts has translated into formal processes such as transversability, the prioritisation of heterogeneity, the hypertheatralisation of performance, simulation, rhetorication of forms, allegorical impulse, domination of connotations, metamorphosis of perception and representation etc.
In general, we have approached the Neo-Baroque from three complementary viewpoints. Firstly, we have taken those pieces that literally refer to historical Baroque or reinterpret it from the present, such as the work of Philippe Bradshaw, Lars Nilsson, Elena del Rivero or Eve Sussman, who refer to Boucher, Poussin and Velazquez, respectively. In other cases we have selected work that from a formalist point of view could be considered “Baroque”, in which ornamentation, allegorical impulse, tendency to excess predominate – with the Dionysiac, the grotesque, the mask, transvestism, or the blown-up painting. Within this section we have included artists like Matthew Barney, Erwin Olaf, Assume Vivid Astro Focus or Fabián Marcaccio. Lastly, we have selected work that can be considered conceptually Baroque, due to the extraordinary “vanitas” created, in pieces by Jake and Dinos Chapman or Berlinde de Bruyckere, installations by Jan Fabre, Judith Barry and Juan Muñoz, or the fascinating reflection on immigration of Julian Rosefeldt.
The project Baroque and Neo-Baroque. “The Hell of the Beautiful” has evolved from these premises and has led to an exceptional show of more than 60 artists, both national and international, taking place in various spaces around the city – after all, to all intents and purposes, Salamanca itself is a Neo-Baroque city.
The majority of the pieces are notable for their scenographic qualities and visual impact. It should be remembered that the Baroque has always been considered a time that favoured the trompe l’oleil, theatricality and articifice, dreams and visions… “The world is just a great stage”, “life is just a dream”… But we have also wanted the exhibition to be a critical approach to the present. The subtitle “The Hell of the Beautiful” can be seen specifically as a metaphor for the desperate attempt to find a secret order in the recognition of complexity in the world, one that reality is not able to produce on its own, but one which art is not able to reproduce either without overcoming the superficial levels of beauty.
Images
Elena del Rivero
The Blood of Heloise
2005
Cortesía Galería Elvira González
Aura Rosenberg
Angel of History (Spree)
Año: 2004
Fotografía
Medidas: 40 cm x 109 cm
Galerie Edition Kunsthandel GMBH., 45133 Essen, Meisenburgstr. 169-173

OPENING 3 OCTOBER 20.00 HOURS

BARROCOS Y NEOBARROCOS.
“El infierno de lo bello”

DA2. DOMUS ARTIUM 2002. 3 de Octubre de 2005 – 8 de Enero 2006
SALA SANTO DOMINGO. 5 de Octubre – 11 de Diciembre de 2005
PALACIO DE ABRANTES. 5 de Octubre – 18 de Diciembre de 2005

Proyecto y comisariado general: Javier Panera. DA2
Comisarios invitados: Omar Pascual y Paco Barragán

Desde mediados de los años ochenta han sido muchos los autores (Calabrese, Sarduy, Deleuze, Mafessoli, Virilio, Buci-Glucksmann, Baudrillard...) que al ensayar un modelo de definición de la cultura contemporánea insisten en la utilización de los términos “Barroco” y “Neobarroco”.
Lo neo-barroco no debe verse como un simple retorno al célebre estilo de los siglos XVII y XVIII, sino también, -y sobre todo-, como un espíritu o categoría estética, una forma de organización cultural con estrategias de representación propias; una metáfora cultural de nuestro tiempo, que retoma y redefine -a veces de un modo contradictorio- comportamientos estéticos y socioculturales que se vienen desarrollando desde la antigüedad clásica hasta hoy.
El Laocoonte griego es bajo nuestro punto de vista tan barroco como el monstruo de Alien. El Carnaval de Rio de Janeiro o el Love Parade de Berlín son dos de las manifestaciones neobarrocas más fascinantes de nuestro tiempo. Los diseños de Christian Lacroix, Galliano y Jean Paul Gaultier son evidentemente neobarrocos, -yo diría que la industria de la moda en general se mueve bajo parámetros neobarrocos-. Soportes visuales como el videoclip son maquinas de representación neobarrocas por su dinámica proliferante y su capacidad omnívora para vampirizar ideas de otros lenguajes. Cuando un Dj remezcla música de diferentes estilos está redefiniendo de un modo "neobarroco" la música del presente. Internet es un espacio virtual tan barroco y desbordante como una bóveda pintada por Tiépolo o Andrea Pozzo; el Cyborg será, probablemente, la última gran creación del Neo-Barroco...
El proyecto expositivo Barrocos y Neobarrocos. El Infierno de lo Bello parte de estas premisas para canalizar una gran muestra integrada por más de 70 artistas nacionales e internacionales que se desarrollará en diferentes espacios de la ciudad. A fin de cuentas, Salamanca es también una ciudad neo-barroca.
El punto de partida para seleccionar las obras tiene mucho que ver con algunos “síntomas” que Omar Calabrese proponía para definir el presente: “Límite, exceso, detalle, fragmento, ritmo, repetición, inestabilidad, metamorfosis, nudo, laberinto, desorden, caos, distorsión, perversión (...)”. La mayoría de los trabajos destacan por su carácter escenográfico y su tendencia a la combinación de diferentes técnicas y soportes con el fin de alcanzar un fuerte impacto visual. Ya hemos dicho que el Barroco ha sido considerado siempre el tiempo privilegiado del trompe l´oeil, de la teatralidad y el artificio, de los sueños y las visiones... “El mundo es sólo un gran teatro”, “la vida es sólo un sueño”...
En general nos hemos aproximado a lo neobarroco desde 3 puntos de vista complementarios: el primero sería el de aquellas obras que citan literalmente el barroco histórico y lo reinterpretan desde el presente, tal es el caso de Philippe Bradshaw, Lars Nilsson, Elena del Rivero o Eve Sussman, que citan a Boucher, a Poussin y a Velazquez respectivamente. En otros casos hemos seleccionado obras que desde un punto de vista formalista se podrían considerar "barrocas", en ellas domina la ornamentación, el impulso alegórico, la tendencia al exceso; a lo dionisiaco, a lo grotesco, a la máscara, al travestismo, a la pintura expandida: Ahí entrarían artistas como Mathew Barney, Erwin Olaf Asume Vivid Astro Focus, Fabian Marcaccio. Hay finalmente otras obras que podríamos considerar conceptualmente barrocas, tal es el caso de las extraordinarias "vanitas" que han creado Jake and Dinos Chapman o Berlinde de Bruyckere, las escenografías de Jan Fabre, Judith Barry y Juan Muñoz o la fascinante reflexión sobre la inmigración de Julián Rosefeldt...
Al mismo tiempo, algunas de estas obras remiten de modo directo o indirecto a coordenadas temáticas ya tratadas en el Barroco histórico como “El cuadro dentro del cuadro”, “realidad y simulacro”, “bucle y adorno”, “alegoría y parodia”, “el amor y la muerte”, “el tormento y el éxtasis”, “la fiesta”, “el viaje”, “la metamorfosis”, “lo grotesco”…
Podríamos incluso poner un símil cinematográfico para explicar de que modo nos hemos acercado al barroco en esta exposición: tan neobarroca es la película Las Amistadaes Peligrosas de Stephen Frears -que cita literalmente el universo de seducción y apariencias del rococó francés- como The Matrix de los hermanos Wachowsky que anticipa un futuro dominado precisamente por los Cyborgs y la realidad virtual; entre medias habría directores como Greeneway, Fellini, Luhrman o el mismo Almodovar que presentan imaginarios neobarrocos instalados en el presente.
Partiendo pues, de que no es posible pensar la modernidad sin tener en cuenta su “momento barroco” quisiéramos que esta exposición fuera una aproximación crítica al presente. El subtítulo: “El infierno de lo bello”, tomado de un célebre ensayo de Karl Rosenkranz (1853), sería precisamente una metáfora sobre la “extrema tensión moral” que genera en una gran parte del arte contemporáneo la sensación de que “la belleza puede llegar a enmascarar lo real y a encandilar y distraer sobre la penalidad o la injusticia” (Steiner); la búsqueda torturada de “conciliaciones imposibles” entre: placer y compromiso político, complicidad y vergüenza, conformismo y rebelión, máscara y sobreexposición, espiritualidad y sensualidad, mestizaje y uniformidad globalizadora… la inquietante sensación de que tanto el Barroco como –su imperfecto doble- el Neobarroco expresan una belleza que, por así decir: “está más allá del bien y del mal”.
Pero al mismo tiempo queremos que sea una exposición para el disfrute, yo diría incluso que se trata de una exposición para el placer en todos sus órdenes, ya hemos dicho que el Barroco histórico fue un arte para violentar los sentidos en una doble dirección: espiritual y dionisiaca (El Éxtasis de Santa Teresa realizado por Bernini para la Capilla Cornaro, con su fusión alegórica de misticismo y erotismo sería el espejo en el que –todavía hoy- se miran con resultados desiguales algunos artistas, que tal y como dice Calabrese podrían considerarse: “poco más o menos” neobarrocos.

INAUGURACIÓN LUNES 3 OCTUBRE 20.00

Pertenece a un grupo de artistas que podemos denominar neoaccionistas o confusionistas de los cuales se pudieron contemplar sus primeras obras a finales de los años 90. Sus trabajos semejan una gran planta de reciclaje para los exorcismos sociales donde el artista actúa como conductor. Sus intereses personales aparecen reflejados en sus pinturas: libros, películas de terror, cruzadas medievales, símbolos propagandísticos, autorretratos, carteles de los 70, criaturas, objetos icónicos. Meese fusiona el arte foráneo en un compendio de moralidad y falta de épica donde el bien y el mal se confunde y donde los bribones se convierten en héroes. Al apropiarse de la historia y de sus medios, Meese parodia su propio simbolismo, sus pinturas parecen como un gran teatro de ópera donde se pueden apreciar los reinos de la decadencia y del absurdo, donde la forma y la idea se separan fácilmente, donde se explora la mitología contemporánea, donde el mismo artista se labra una imagen como figura de culto, alimentando su herencia ficticia como entidad todopoderosa e inmortal. Sus obras predicen un futuro con un paisaje postapocalíptico donde el primitivismo se abraza como la solución social mas racional y finita
En el DA2 presenta la instalación que se incluye en la fotografía.
El texto es de Rafael López Borrego
El crédito de la foto es el siguiente:
Die Jenseitskutsche des ewigen VORMÖNCHSOLDATEN "Sankt Diablossys""
2002. Técnica mixta
Medidas Variables
Contemporary Fine Arts Galerie GmbH.
Collection Falckenberg

Hoy analizamos uno de los más jovenes artistas de la exposición que presenta una instalación de la cual ofrecemos una parte en la fotografía. Se trata del artista Pablo Alonso, nacido en Gijón en 1969 y que vive y trabaja en Berlín.
La reflexión histórica y su representación ilustrada son una constante en el trabajo de Pablo Alonso, un procedimiento que le lleva a imbuirse de noticias y eventos mediáticos que se relacionan abarcando diferentes campos, tales como la sociedad, la política, la cultura, etc. Pablo Alonso utiliza fragmentos icónicos de una historia reconocida, planificando cuidadosamente la ubicación de cada escena, para componer una obra crítica con el sistema, que toca, a veces de forma escandalosa, la fibra sensible de un público incapaz de permanecer indiferente ante las imágenes que nos presenta. Sus representaciones, sin ningún posicionamiento por parte del artista, se salen de los límites establecidos por los géneros narrativos y estéticos, pero hacen frente a una realidad turbadora y desconcertante dentro del orden establecido. La realidad a la que a veces queremos dar la espalda en una postura cómoda, se nos muestra de una forma cruda, agresiva, provocadora, tratando de agitar las conciencias de los que miran indiferentes como los hechos suceden sin hacer ningún movimiento por cambiar esa situación. Este es el principal tema de reflexión en sus obras, una sociedad un tanto falsa que trata de engañarse a si misma pero que el artista intenta despertar mostrándole lo que es parte de su historia y su legado futuro.
El texto es de Rafael López Borrego
El crédito de la fotografía es el siguiente
Pablo Alonso
Eureka Barroco
2004
Medidas Variables (200x255 cm)
Poliuretano y acrílico sobre lienzo
Cortesía Galería Jan Wentrup, Berlín

BARROCOS Y NEOBARROCOS SE INAUGURA EL DÍA 3 DE OCTUBRE EN EL DA2

Yayoi Kusama es una artista polifacética que entiende el arte como una suerte de terapia personal. Se trata sin duda de una de las artistas más influyentes e internacionalmente reconocidas cuya obra empezó a despuntar en los años 60. Pertenece a ese nutrido grupo de artistas que adoptaron el espectáculo en directo en tanto que forma radical de creación artística capaz de perturbar de manera incontestable la Historia del arte desafiando el doble canon de técnicas artísticas hasta entonces establecidas: la pintura y la escultura. Uno de sus performances más conocidos es sin duda Anti War Naked Happening and Flag Burning at Brooklyn Bridge en 1968 donde Kusama, con un grupo de personas desnudas y recubiertas de puntos rojos, quema una bandera americana como señal de protesta contra la guerra y los poderes establecidos.
Desde entonces su obra se ha ido desarrollando de una manera muy coherente hacia un terreno más personal y menos relacionado con los grandes asuntos de los años 60, aunque siempre con una imbricación del arte en la vida cotidiana y en la psicología. Abarca desde el dibujo, la pintura, el performance, la escultura o la instalación, además de un importante número de actividades relacionadas con la literatura, la moda, el cine o la música. Kusama recurre una y otra vez a sus preocupaciones personales para concebir obras que hablan de sexo, pero también de aspectos como la sumisión, la identidad o la (ir)racionalidad.
El lunar rojo se ha convertido en estos años en leit-motiv recurrente que ahora surge sobre un muñeco de algodón, tan pronto convertido en un enorme globo suspendido en el aire o que, simple y metódicamente, pasa a formar parte del techo y las paredes de un cuarto conformando así un espacio que habla de elementos como infinidad, repetición o ilusión. El uso de espejos no hace sino intensificar la fuerza y grandeza de sus obsesiones.
Entre abstractas y minimalistas, estas coloridas formas orgánicas de aspecto fálico sumidas en un narciso jardín barroco se repiten así hasta el infinito en un gesto obsesivo pero sincero que ahuyenta el horror al vacío, y que no hace sino acentuar la compleja relación entre la realidad y la ficción. La propia Kusama ha comentado en alguna ocasión que “la vida cotidiana y su carácter repetitivo son como la necesidad de respirar: es necesario hacerlo muchas veces seguidas”. Límites que Kusama, al igual que lo que ocurre con su práctica artística, gusta de cruzar al ingresar a menudo en residencias psiquiátricas donde, entre la calma y el aislamiento, poder explorar ese imparable y creativo torrente de sueños. Es sin duda su personal manera de buscar un orden secreto a partir del reconocimiento de la complejidad del mundo, que la realidad no es capaz de producir por sí sola.
El texto es de Paco Barragán
El crédito de la fotografía es el siguiente
Yayoi Kusama
“Dots Obsession“
2002
Instalación con dos videonstalaciones “Self Obliteration”, “Love in Festival”
Habitación de espejos con tres balones hinchables
Medidas variables
Cortesía Fabián&Walter Galerie, Zurcich

Vamos a incluir ago mas de información y fotografías de alguno de los artistas que participan en la Exposición "Barrocos y Neobarrocos" que se inaugura el 3 de Octubre en el DA2.
Hoy tratamos al colectivo ruso AES+F
Afincados en Moscú, el grupo AES+F se compone de los artistas Tatiana Aramasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky y el fotógrafo Vadim Fridkes. AES+F ha obtenido reconocimiento internacional desde 1996 con el polémico Proyecto Islámico, una instalación y una performance interactiva que exploraba opiniones acerca del futuro, el año 2006 para ser más exactos, y que entrañaba una visualización de los miedos de Occidente con respecto al mundo islámico. Así, algunas de las fotos más espectaculares conseguidas mediante Photoshop son ambos museos Guggenheim de Nueva York y Bilbao y el Centro Pompidou convertidos en mezquitas, la iglesia de Colonia reconvertida por dentro al estilo árabe, la ciudad de Nueva York con camellos y minaretes, la ciudad de Sydney ardiendo...
El proyecto “El rey del bosque” se compone de tres vídeos que muestran tres performances grabados en tres ciudades diferentes: San Petersburgo, El Cairo y Nueva York. Retoma la fascinación por aquella criatura mitológica medieval europea que secuestraba a niños y los retenía en su palacete. Algunos escritores como Goethe y Michele Tournier recurrieron a este mito. AES+F se inspiró en la novela del mismo nombre de Tournier en su objetivo por reflexionar acerca los medios de comunicación y la imagen que transmiten del ser humano utilizando para ello a niños cada vez más jóvenes. Desde los adolescentes de las campañas de Calvin Klein, los modelos y las estrellas de pop, que empiezan sus carreras ya desde bien niños, hasta los jóvenes héroes del tenis, todos los medios de comunicación muestran al inicio del nuevo milenio imágenes de niños inusual y extremadamente jóvenes.
Otro elemento interesante en estos vídeos es la interrelación del cuerpo con la arquitectura que, siendo de menores proporciones al tratarse de niños, adquiere un mayor contraste en unos espacios arquitectónicos monumentales, como el Palacio de Catarina II en San Petersburgo o el castillo-mezquita Mohamed Alí en El Cairo. Por un lado, se realizó un casting entre niños del mundo del ballet y escuelas de deportes con el fin de analizar las identidades corporativas de estas industrias culturales. Todos ellos, entre 3 y 11 años, se comportaron delante de la camera como auténticas estrellas, sin que se les diera ningún tipo de indicación. En el caso de El Cairo, para el que también se llevó a cabo un casting muy amplio, la intención fue reflexionar acerca de la imagen del mundo islámico que, de acuerdo a lo mostrado por los medios occidentales, es turbia y peligrosa. Se les pidió que escenificaran rituales, procesiones, círculos... imágenes que uno puede ver en los media, pero que ejecutadas por niños adquieren otro sentido completamente diferente. Así, el resultado son unas imágenes bellas, tranquilas y misteriosas que reflejan toda la complejidad de esa otra cultura y de esa otra raza. Sea bien mediante fotografías o vídeos, AES+F aborda temas complejos que cruzan continentes, civilizaciones y sistemas políticos.
El texto es de Paco Barragán
Las fotos corresponden a
AES+F
'Le Roi des Aulnes'
2001
from the cycle King of the Forest,
video on DVD, 9' 04", loop.
Courtesy NCCA (Moscow, Russia) and Bokov Factory (Moscow,
Russia).

AES+F.
'More than Paradise'
2002
from the cycle King of the Forest
video on DVD, 12' 20", loop.
Courtesy MAK (Vienna, Austria) and The Photofactory (Moscow,Russia).

Con vistas a la próxima exposición que se inaugura el próximo 3 de Octubre y que lleva por título "Barrocos y Neobarrocos. El infierno de lo bello", hoy se están recogiendo las exposiciones retrospectivas de Tony Oursler, y Adriana Varejao y también la exposición que recoge las últimas creaciones de la joven pintora Neoyorkina Inka Essenhigh que han podido visitarse en el DA2 de Salamanca desde el 24 de Junio.
Pero el Museo no cierra sus puertas ya que permanece abierto con la instalación de la Sala 1 de los hermanos Rosado y la Sala 5 donde se mantiene la exposición de fondos del Domus Artium que lleva por título "Post no figurativo...o algo así".
La exposición que intenta revisar el neobarroco en el arte actual y que cuenta con más de 60 artistas ocupará tres espacios en la ciudad: el propio Museo, la Sala de Exposiciones de Santo Domingo y el Palacio de Abrantes. La inauguración oficial de la exposición será el día 3 de Octubre a las 20.00 en el Domus Artium aunque las Salas de Santo Domingo y Abrantes tendrán su inauguración el 5 de Octubre.

Hoy incluimos una imágenes de alguna de las obras que podrán contemplarse en la exposición "Barrocos y Neobarrocos. El infierno de lo Bello" y que provienen de China.

Se trata de dos artistas, el primero de ellos es Liu Zheng, del cual se podrán comtemplar dos series, Four Beauties y Peking Opera. Sus fotografías destilan una belleza especial, mezclando el cuadro histórico con el desnudo femenino, mezclando tradición y modernidad en una conjunción de formas que recuerdan algunos de los planteamientos estéticos del Barroco.
El segundo de los artistas chinos es Wang Qing Song del cual podremos ver la fotografía China Mansion, una obra de 12 metros de largo con llena de escenas y guiños a grandes autores y obras de las la historia del arte, Rubens, Ingres, Goya, etc se hacen presentes en esta giantesca mezcla de escenas del artista.
Wang es un artista que hace uso de la tradición para crear nuevos puntos sobre el tratamiento histórico de la cultura china contemporánea, que abraza con fervor los placeres y trampas de la cultura global. Sus obras no dejan de estar cargadas de ironía, a veces de timidez y se refieren no solamente al desarrollo artístico de china sino que toma como referencia grandes obras de artistas representativos del arte occidental, revisándolas bajo su punto de vista en un homenaje donde las principales actrices son mujeres chinas. Al igual que el trabajo de otros compatriotas sus fotografías relacionan ambas culturas, tratando de unirlas en unas representaciones llenas de humor y parodia, manteniendo una línea muy estrecha entre el reconocimiento a los grandes iconos del arte y el simulacro que supone su relectura, entre la imitación y la caricatura.
Las dos obras que podemos cotemplar pertenecen a las series Four Beauties y Peking Opera de Liu Zheng y se expondrán en el DA2 durante la muestra que se inaugura el próximo 3 de Octubre a las 20.00 horas. Las fotos son cortesía del artista y del la Galería Courtyard Gallery, Beijing

¡DESCUBRE EL LADO MAS ORIENTAL DEL BARROCO!

Desde el pasado viernes esta disponible el catalogo editado por el DA2 y que sirve de memoria a la exposición retrospectiva de esta artsitas brasileña que se clausurá en el Museo el próximo Domingo 11 de Septiembre.
El catálogo, de 40 páginas, pretende ser una memoria de las instalaciones y cuadros que esta artista ha traido al DA2, todas las fotografías corresponden a las instalaciones realizadas en en el Museo y que han sido expuestas durante algo mas de dos meses.
Al mismo tiempo se incluyen textos en castellano de Philippe Sollers, Paulo Herkenhoff y una entrevista realizada a la artsita por Helene Kelmachter.
El catalogo que puede adquirirse en la tienda del Museo tiene un precio de 6 €.
Available the new catalogue of the brazilian artist Adraiana Varejao. The catalogue has 40 pages and includes text of Philippe Sollers, Paulo Herkenhoff and an interview of Helene Kelmachter. The catalogue has 15 pictures of the installations of the Varejao works in the Domus Artium of Salamanca.
The price of the catalogue is 6€. We have available also an engish/french version edited by the Cartier Foundation.

SI TE INTERESA EL ARTE CONTEMPORANEO Y SUS NOVEDADES, ENLAZANOS

Hoy incluimos la tercera de las entrevistas realizadas a los comisarios de la exposición "Barrocos y Neobarrocos. El Infierno de lo Bello" que se inaugura el próximo 3 de Octubre en el DA2 y que reune a mas de sesenta artistas nacionales e internacionales. En este caso se trata de Paco Barragan

¿Que significa el término Neobarroco en el arte actual?

En un sentido práctico podemos entender el “Neobarroco” como una interpretación literal, formal o conceptual del Barroco y ciertos de sus preceptos –el horror vacui, el trompe l’oeil, la teatralidad, la alegoría...- . Sin embargo, lo que a mí me interesa de este nuevo-barroco, y eso es lo que con la exposición “Barrocos y neobarrocos. El infierno de lo bello” entiendo yo que queremos plantear, es el advenimiento de un cierto “neobarroquismo” cuando determinadas tendencias o corrientes artísticas se agotan, como es el caso ahora con el posmodernismo. Y esto es algo que ha venido aconteciendo desde el siglo XVIII, aunque no se haya denominado neobarroco. Por otro lado, a mí personalmente me fascina una faceta menos estudiada o tratada de este neobarroco: la vertiente histórica y económica y las coincidencias que la época actual muestra con la propia época barroca. Sólo basta recordar que la época barroca constituyó la primera gran globalización, el inicio del mestizaje, el auge y poder de las grandes corporaciones comerciales –La Compañía de las Indias Orientales p.e.-, y no olvidemos que era la época de la afirmación del cristianismo y que, en el caso de España, se estaba sirviendo a algo superior: a la difusión de la verdad religiosa, ¡de la cual dependía nada menos que la salvación de los hombres! Y en estos momentos también el imperio americano liderado por Bush cree que está “sirviendo a algo superior” en su cruzada contra el terrorismo y el fundamentalismo, y no entiende que el resto del mundo, al igual que lo que ocurrió con Felipe II o Felipe IV, le esté dejando solo. Sin embargo, dudo que Estados Unidos se repliegue tal como ocurriera con España desentendiéndose por completo del exterior.

¿Que artistas destacarías dentro del proyecto?

La lista de artistas es muy nutrida y muy variada, y cada uno de ellos enfoca o refleja ese neobarroco de una manera muy particular. Entre ellos destacaría en particular a ciertos artistas de los que en España aún no se ha visto obra aún. En primer lugar al británico procedente de las Guyanas Británicas Hew Locke. Sus retratos de la Reina de Inglaterra son un magnífico vehículo capaz de canalizar sus experiencias personales que se traducen en complejas, barrocas y excitantes esculturas producto del encuentro o choque entre dos mundos: el británico y el caribeño. Por su parte, también la coreana Lee Bul representa otra fascinación tan barroca: la de los monstruos. Sus monstruos inestables de aséptica belleza blanca hablan de belleza y monstruosidad y abren nuevas vías para entender las cada vez más complejas relaciones entre la sociedad, la tecnología y la naturaleza, esto es, “el infierno de lo bello” y hasta dónde el ser humano esta dispuesto a llegar. Aunque también la instalación del brasileño Assume Vivid Astro Focus causará sorpresa, como también AES+F o el jardín del puertorriqueño Charles Júhasz-Alvarado (aunque de él ya se pudo ver obra en España).

Las fotografías que se incluyen corresponden a los artistas Hew Locke "Kohinoor" (2005) técnica mixta, 274cmx218cmx0,58cm Cortesía:Hales Gallery, Londres y Lee Bul "Untitled" (2005) técnica mixta 222cmx180 cmx210cm. Cortesía Tina Kim Fine Art, Nueva York. Las dos obras serán expuetas en la exposición "Barrocos y Neobarrocos"