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Todo aspirante a cinéfilo debe ser antes bautizado por los Corleone

Es toda una obra de arte. Ningún amante del séptimo arte podría afirmar lo contrario, sencillamente es la mejor película de la historia.
Marcó un antes y un después en la historia del cine y parece incomprensible que unicamente recibiera tres estatuillas en la ceremonia de los Oscar en 1973 (mejor película, mejor guión y mejor actor secundario para Marlon Brando).
Se trata de una película dirigida magistralmente por Francis Ford Coppola, basada en el libro del mismo nombre de Mario Puzzo. Fue la primera de una de las mejores trilogías de la historia.
Destaca por su excelente puesta en escena, su fotografía impecable, un guión sobresaliente escrito con la colaboración del propio Puzzo, una banda sonora inolvidable a cargo del gran Nino Rota, una dirección artística sorprendentemente lograda y sobre todo uno de los mejores repartos en la historia del cine, con un consumadísimo Marlon Brando y el advenimiento de toda una lumbreara del séptimo arte como Al Pacino, entre otros (James Caan, Robert Duvall, Diane Keatony...).
El adjetivo que mejor la define es única.
Presenta un retrato preciso y profundo de una época y un ambiente, pero sobre todo es una crítica furtiva a la sociedad norteamericana, las relaciones interfamiliares, la práctica política y los esquemas morales tratados sutilmente como trasfondo del guión mediante temáticas relativas al mundo de la mafia, la inmigración, la relación de pareja, las jerarquías familiares, la violencia criminal y su asociación politica.
Se trata de la inmortalización en la gran pantalla de la esencia de "La Cosa Nostra", que constituye parte de la cultura popular de Estados Unidos del siglo XX y que fue una gran fuente de inspiración para la industria cinematográfica destacando El Padrino II, Uno de los nuestros, El precio del poder, Muerte entre las flores, e incluso para series de televisión (Los Soprano) y más recientemente videojuegos.


Curiosidades de El Padrino

¿Quién dijo que segundas partes nunca fueron buenas?

Cine del bueno, de calidad, insuperable. Con esta secuela volvió el maestro Coppola a poner de manifiesto su buen hacer como guinista y como actor. Sería díficil elegir entre la primera y la segunda, pues ambas son grandes obras de arte y ver una de ellas sin ver la otra sería disfrutar a medias. El Padrino I y II no pueden ser estudiadas como una saga simplemente pues son dos pilares del mismo concepto; su única diferencia radica en que en la primera parte el poder sirve como elemento edificador de una familia, en tanto que en la segunda, su cauce es la destrucción de la misma.

Al igual que en la primera parte podríamos hablar de la gran banda sonora a cargo, de nuevo, de Nino Rota, o de la brillante fotografía de Gordon Willis pero la grandeza de esta película reside en la alternancia de la vida presente y pasada de los Corleone. Debió ser complicado para Coppola rodar la película en dos tiempos y alcanzar semejante nivel. La historia transcurre vibrante, con mucho pulso, sin hastiar al espectador con los antológicos feedbacks y con las idas y venidas del presente al pasado.

Y qué decir del mítico reparto...La aportación de Robert De Niro es una de las de mayor peso sobre la calidad global de la cinta. La forma de interpretar al joven Vitto Corleone es sencillamente magistral. Recoje los gestos, la forma de hablar, y ese timbre de voz tan particular de la actuación de Brando en la primera parte y enarbola una actuación secundaria espléndida que le valió el Oscar al Mejor actor secundario. Espectaculares también las interpretaciones de Robert Duvall, más maduro y participativo en el roll de Thomas Hagen, así como Diane Keaton en el de Kay Adams Corlene.

Un párrafo aparte merece la actuación protagónica. Creo que es aquí cuando emepezamos a ser cautivos de esa "mirada de hielo" de Al Pacino. Estremecedor y imponente, sobre todo teniendo en cuenta la naturaleza del personaje. La inescrupulosidad de Michael Corleone alcanza cotas inimaginables en este film. Pacino con esta pelicula sigue agrandando su mito como actor y su imperio como Padrino... con un alto precio: atención al beso fraternal más escalofriante del séptimo arte. La de Pacino es una actuación que genera estrañas sensaciones y que hace que el espectador se enamore de esta obra de arte.
En definitiva, otra obra imprescindible del cine moderno.


Ficha técnica y curiosidades
Alguna que otra curiosidad más

..."podrán quitarnos la vida, pero jamás nos quitarán... la libertad!"


Se trata de una obra maestra del cine épico en todos los sentidos. Puro cine de espectáculo, un cóctel de sentimientos desgarradores, moralismos, intrigas y emociones fuertes narradas retratando la realidad con toda su crudeza. Se trata de una película que no deja indiferente y que provoca que el espectador se meta en la piel del propio Wallace y viva cada escena con toda su intensidad.
Estamos ante la película que fue el resurgir del cine épico antes de la espléndida Gladiator: una de las historias más desgarradoras y mejor contadas que ha dado el cine.

Técnicamente podríamos destacar una magnífica recreación medieval, con una excelente y bellísima fotografía , una ambientación realista, un reparto solvente aunque no muy destacable (incluido el hermano de Mel Gibsonque aparece junto a él en una escena), exceptuando claro esta la excelente interpretación del propio Gibson, y una banda sonora difícil de olvidar a cargo de un James Horner en sus mejores tiempos, para un relato que respira épica y trascendencia por todos lados.

Sin duda Braveheart es una película brutal y violenta y ese es uno de sus principales aciertos; consigue que el espectador se implique emocionalmente con esta bárbara historia, las batallas dejan boquiabierto (con un alto grado de violencia), y sobre todo el inspirado y efectista final, de un marcado carácter religioso y narrado con un montaje impresionante, dejan al espectador literalmente extasiado.

En definitiva una pretendiosa película que vuelve a mostrar que Mel Gibson, además de un tremendo tiburón de Hollywood con gran olfato para los exitos, es un magnifico cineasta desde todos los ángulos, tanto delante como detrás de las cámaras, sin duda una cinta difícil de superar.

Algunas curiosidades

El resurgir del cine negro

Sin duda una de las mejores películas de Brian De Palma y de las más reseñables de los 80. Todo, su gran reparto, la gran banda sonora de Enio Morricone, su vestuario (de Armani), su acción y violencia hicieron de Los intocables un clásico nada más estrenarse. Hoy en día es equiparable a Muerte entre las flores, Érase una vez en América... aunque desde mi humilde opinión podría habersele sacado más jugo (huyendo de tantos efectismos y sacando a relucir más matices de las personalidades de los personajes) y llegar a formar parte del inaccesible club de las grandes como El Padrino.

Al margen de ésto, sigue siendo una cinta imprencindible, realizada según el patrón clásico: un bueno muy íntegro, rodeado de amigos paradigmas cada uno de una virtud, luchando contra un malo malísimo, que deja grabadas en la retina escenas increibles e imborrables como la redada en la frontera (que nos trae reminiscencias del puro western), a Capone (De Niro) ajustando cuentas con un traidor con sus "propias manos", a Malone (Connery) agonizando y arrastrandose por el pasillo de su casa mientras Capone llora de emoción contemplando en la ópera a un tenor interpretando "Pagliacci" (de Rugiero Leoncavallo), la escena de la escalinata en la estación de tren (revisión de la mítica de El acorazado Potempkin), las "sutiles" amenazas a Ness, es final del juicio...(¿Es ésto justicia?).

Se trata de una adaptación casi perfecta a la gran pantalla, de la famosa serie de televisión: contó con la colaboración del excelente guinosta David Mamet, una dirección inspiradísima de Brian De Palma (su talento al frente de la cámara así como su inconfundible estilo está muy bien aprovechado durante todo el film - los encuadres, los travellings, son empleados de manera perfecta durante la acción-), un reparto de lujo (destacando a Sean Connery como el teniente Malone, que le valió un Oscar, y un desbordante De Niro en la piel de Al Capone -sin duda una actuación memorable-), una genial banda sonora y una sólida producción hicieron que esta película se convirtiera en un mito, y al mismo tiempo en algo innovador que marcó un antes y un después, ya que por primera vez el rol del mafioso era el del malo, un claro síntoma de la pérdida del poder de las mafias en Estados Unidos durante la década de los 80.

Sin duda una película muy entretenida, con unos planos excelentes y una banda sonora aun mejor.


Ficha técnica y sinópsis

Estremecedora. La naturalez humana en estado puro.

Excelente cinta. Una de las mejores de los 90 (y eso que fue una década muy prolífica y de gran calidad).
Spielberg consiguió estremecer al mundo con este relato, estremecedor y magistral, de las victimas del holocausto nazi. Asombrosamente contada, La lista de Shindler es una poderosa y compleja narración que desarma al espectador ante la visión de una angustia casi inaguantable, no exenta de una visión esperanzada del hombre.

Como documento histórico, representa el más crudo (realista a fin y al cabo) retrato de la masacre que fue el holocausto nazi en Polonia durante la Segunda Guerra Mundial. La pesadilla del nazismo, la fuerza de la dictadura y la vileza del peor fascismo se ven reflejados en esta proyección más que en ninguna otra del género.
El trabajo de Spielberg como director de la cinta es impresionante, no sólo lleva el hilo narrativo de forma entendible, sino que logra entretener al espectador en un marco gris, lleno de humo de cigarro y de vasos de coñac, lleno de conversaciones en las que las pausas proliferan, dándole a la película ese aire reflexivo, tanto en los personajes como en los propios espectadores. Con esta cinta se supero a sí mismo alcanzando un nivel cinematográfico inusitado.

La ambientación es inmejorable, tanto el vestuario, como la utillería, aunque el gran acierto fue emplear el blanco y negro para dar ese tono melancólico, cargado de emotividad y que consigue que el detalle de la niña de rojo se quede grabado en la retina, emocionando hasta el propio Satanás.
El guíon es muy rico y variado, y con cada diálogo se vislumbra la personalidad de cada personaje y su papel en la escena. Grandiosa también la fotografía y la banda sonora, que es capaz de conmover hasta los huesos, a cargo de John Williams. Notables actuaciones de Liam Neeson y Ben Kingsley, y superlativa interpretación de Ralf Fiennes con unos kilos de más, en el papel del despiadado Amon Goeth (se te quedara grabada también la escena en la que tras desayunar se asoma a la terraza y asesina a una de las presas en el campo de concentración completamente al azar). El realismo de los asesinatos a sangre fría es antológico, los disparos a bocajarro, la violencia gratuita de los soldados, especialmente de los oficiales de las SS, excelentemente representados y que no dejan al espectador indiferente. La película también experimenta momentos de intensa agonía como la escena de las mujeres en las duchas de Auchwitz , de manera que el nivel de dramatismo va creciendo gradualmnte a lo largo de la película hasta llegar a un final lacrimógeno.

Tiene la virtud de hablar en todo momento de la importancia de la vida humana, pero solamente en las últimas escenas somos conscientes de lo trascendente que puede ser una única vida sin sesgar.

Película merecedora sin duda de todos los premios que obtuvo (no sólo los 7 Oscars de la Academia a Mejor Película, Director, Fotografía etc., sino los de asociciones de críticos y demás). Imprescindible, todo un clásico del cine contemporáneo.



Algunas curiosidades

"Cuando no puedes escapar, aprendes a llorar riendo" (Ramón Sampedro)

Magnífica, vital, llena de un hirviente sentido del humor y de una refrescante idea de vivir. Mar Adentro es una película luminosa y optimista a pesar de hablar de la muerte. Hermosa y conmovedora esta película destila sensibilidad, veracidad y talento.

Con una narración pausada, contemplativa y completamente emotiva, Amenábar nos conduce directamente a la angustida mente del tetrapléjico Ramón Sampedro, en un retrato de un calado y profundidad que llega a destrozar al espectador, arrastrado por un torrente de sentimientos y dramatismo.
Amenábar es un gran realizador y para esta cinta supo rodearse del mejor equipo técnico, pero para que una historia de esta intensa carga emocional llegara al público lo fundamental era el reparto. Bardem en el papel de Sampedro desborda talento y saber hacer, cautivando con una interpretación que estremece a golpe de voz y miradas. Belén Rueda supone un feliz descubrimiento y el resto del reparto deslumbra por su realismo. La dirección es suave, tierna, enriquecida por multitud de pequeños detalles que evitan encerrar al espectador con Sampedro en una habitación, destacando la secuecia magistral que permite al personaje volar hasta la playa para reencontrarse intimamente con Julia (Belén Rueda). La fotografía es increible y otro de esos geniales detalles es la banda sonora, en la que participo activamente el propio Amenábar y que es excelente, y el final, con la imagen única del mar y la voz en off de Bardem recitando uno de los poemas de Sampedro.

Definitivamente Mar Adentro es un película imprescindible. Emociona por su inteligencia y sutileza. Se la recomiendo a quien no la haya visto todavía porque, que toda una sala de cine a rebosar se quede inmovil en sus butacas mientras aparecen los créditos, y el frío silencio de rompa al unísino con un contundente aplauso dice mucho de esta cinta y de cómo cala en el corazón.


Ficha técnica, sinopsis y otros enlaces

Es "la película" sobre la Guerra de Vietnam

Se trata de una de las mejores peliculas del cine bélico de todos los tiempos y la que mejor retrata la Guerra de Vietnam (sin olvidar Apocalipsis Now de Coppola). Sin duda se trata tambíen de la mejor de su director, Oliver Stone. Es épica, dura, formidable y vibrante. Un espectáculo muy bien hecho de dos horas y media que pasan muy rápido.

En esta cinta Oliver Stone auna su propia experiencia personal como soldado en la Guerra de Vietnam, sus dotes de guionista y su innegable talento visual para rodar una brillante y potente película bélica sobre las andanzas de un pelotón americano (Platoon) en dicha guerra. Además de constituir una de las más crudas críticas hacia su gobierno por el conflicto, se trata de una denuncia a los horrores mismos de la guerra, el "arte" de la destrucción del ser humano, y también de los enfrentamientos y la lucha interna entre las propias fuerzas americanas representadas por los sargentos Elías y Berenguer (Dafoe y Berenguer respectivamente), todo inteligentemente acompañado por una banda sonora de Barber capaz de poner los pelos de punta.

Soberbia ambientación, absorbente hasta el punto de hacernos sentir en la misma selva. Las escenas de acción estan magistralmene rodadas con un sonido que le valió uno de los Oscars de los 4 que consiguiría (Mejor Película, Director, Montaje y Sonido). Dentro del reparto distinguimos a Charlie Sheen en el papel del joven soldado protagonista e incluso a Johny Deep como traductor entre los habitantes de un aldea vietnamita y los soldados americanos pero sin duda las dos grandes actuaciones de esta película son las de Dafoe y Berenger. Dos almas distintas, dos puntos de vista, dos formas de vivir aquél infierno. Dos personalidades que libran una batalla dentro del joven novato, difuminando la barrera entre el bien y el mal y dejandolo caer en un pozo oscuro e inhumano donde toda inocencia deja de existir.

Es una película redonda en todos los sentidos, desde el aterrizaje en Saigon cuando uno de los soldados vulve con la visión del apocalipsis en sus ojos, pasando por el enfrentamiento entre los personajes representados por Dafoe y Berenguer, la convivencia al límite de los soldados del pelotón, esos toques de "humor bruto" tan característicos de los soldados en un conflicto armado... todo al compás de una inmejorable banda sonora que la convierten en una película de obligada visión para los cinéfilos.

Por cierto, atención a la escena retratada en el cartel de la película porque es antológica, un fotograma que se ha convertido en todo un icono del cine bélico.


Ficha técnica
Algunas curiosidades

"Que puta es la guerra"

Si Senderos de gloria era un film antimilitar, La chaqueta metálica propone una doble ración por antimilitar y antibélico. Con ésta Kubrick vuelve a proponer otra visión descorazonadora, implacable y singular de su talento y su visión del ser humano para mostrar un feroz alegato contra la alineación del hombre como soldado y la sinrazón de la guerra. De las más destacables sobre la Guerra de Vietnam junto con Apocalipsis Now y la ya comentada Platoon.

La película se encuentra dividida en dos partes:
La primera, excelente, retrata el durísimo entrenamiento de los reclutas, una escuela del infierno donde se reduce la voluntad individual a su mínima expresión. De ritmo vibrante, sin respiro, de gran intensidad. La actuación de R Lee Ermey es deslumbrante, sin parangón como el sargento estricto y mal hablado que dará a los aspirantes a marines una lección de disciplina basandose en métodos poco ortodoxos. Una clara crítica a los procedimientos de adiestramiento de los militares, fundamentados en la humillación y en hacer surgir en el recluta el sentimiento de odio y rencor para poder ser "born to kill" (nacidos para matar). Atención al final de esta parte porque culmina con una de las mejores escenas de la película.
La segunda, más convencional pero igual de demoledora, se ocupa de la lucha en el campo de batalla durante la Guerra de Vietnam. En esta parte de la película nada es dejado al azar, cada movimiento de cámara, cada plano está calculado meticulosamente para dejar de fondo un mensaje antibélico. Retrata la inexperiencia y juventud de los soldados que se salda con muertes aberrantes, la manipulación de los medios de comunicación para dar una falsa noción del conflicto bélico que se estaba librando y cómo a veces el duro entrenamiento de los marines no era suficiente para soportar semejante carga psicológica.

La fotografía es muy buena, no sólo en la jugla sino también en los emplezamientos urbanos, el entorno apocalípctico que deja el paso de la guerra atrás... La banda sonora es perfecta, sublime la escena del asedio a la ciudad en los tanques mientras suena de fondo Surfin´ birds de los Beach Boys. Los efectos están muy bien logrados pero sobre todo lo que atrapa de esta cinta son los personajes, contemplar sus reacciones en un medio tan hostil, su humor descarado, sus discusiones y sus bromas.

Kubrick golpea fuerte, no da tregua, a veces amado y otras odiado se ha convertido en un icono y ésta es una de sus obras obligadas.
Un film magistral que despierta conciencias


Curiosidades

Todo un ritual de mal comportamiento masculino

No destaca por su calidad visual, su ambientación, montaje, banda sonora... pero dentro del género de la comedia, aunque existen películas de mayor calidad, esta es una de mis preferidas. Auténtica diversión, risas y follón.

Sorprende descubrir a un jovencísimo Tom Hanks en una de sus primeras películas. Se realizó en 1984, tiempos de una sociedad joven que comenzo a mostrar como flecha de vanguardismo, de la diversión de los 80, donde no podían faltar en los momentos decisivos de la vida de un joven, tres ingredientes: sexo, drogas y alcohol.

Una divertida comedia acerca de las últimas experiencias en la soltería de un joven conductor de autobus escolar y sus amigos, aficionados a la fiesta a tiempo completo. Las situaciones cómicas se suceden cuando Debbie (Tawny Kitaen), la desconfiada novia de Rick, el homenajeado interpretado por Tom Hanks, se disfraza e irrumpe en la fiesta para espiar a su futuro esposo, o cuando suben a la habitación del hotel un burro para que sea espectador de excepción de una bailarina exótica, o cuando el estirado suegro contrata a un ex-novio de Debbie para recuperar a su hija. Es una comedia simple y vacía pero muy divertida y sin llegar a ser vulgar. Como fondo del hilo argumental se tratan temas como las relaciones de pareja, los celos, las dudas antes del matrimonio, los conflictos e intereses por parte de las familias, la fidelidad pero sobre todo la amistad. Los personajes que acompañan a Tom Hanks en esta cinta como sus amigos son geniales, muy dispares y cómicos, destacando Adrian Zmed, el descaro en estado puro.

Un espectáculo inmortal que guardará un recuerdo especial en los cinéfilos de ayer y hoy

Dentro del género de la comedia no podía faltar una de Chaplin, no sólo por su genialidad como cómico sino porque fue uno de los pioneros en el séptimo arte, no sólo rodó cine mudo, cuando la tecnología avanzó y apareció el cine sonoro (sin duda el cambio más importante en la historia del cine, pues condiciona completamente la forma de hacer películas), no sólo se adaptó a esta forma de hacer cine sino que lo hizo magistralmente, con películas como El Gran Dictador que se incluyen entre las mejores de la historia.

Se trata de un film memorable y excelente por varios motivos: en primer lugar es una comedia muy muy divertida, con secuencias francamente divertidas como la del barbero judío(Chaplin) regresando a su establecimiento, o la inolvidable escena del baile del dictador Hynkel (interpretado por Chaplin también) con la bola del mundo. Por otro lado, no se trata de la típica comedia vacía, esta película es al mismo tiempo una burla a la sin razón del nazismo tratada con excelente sarcasmo, de manera que cuanto más se rie uno, más se da cuenta de lo absurda que es la guerra y la aberración que supone el fascismo. Y por último, presenta un desenlace extraordinario con un discurso final lleno de emotividad que toca la fibra sensible del espectador. En mi opinión uno de los momentos más intensos de la historia del cine.

Aunque la técnica nusnca inspiró en exceso a Chaplin para la realización de sus obras, hay que reconocer que este título en particular resulta excelente en este sentido: un reflexivo uso de la cámara y unos encuadres dirigidos a la comicidad por encima de los estético contribuyen a marcar un punto de asimilación con anteriores producciones mudas de fantástica manufactura. Las interpretaciones de los secundarios y del propio Chaplin, nos regalan secuencias de auténtico recuerdo como las mencionadas anteriormente. Asímismo, la dirección de corte clásico a manos de Meredith Wilson incluyen composiciones del propio Charles Chaplin, Richard Wagner o Johannes Brahms, un verdadero gusto para el oído.

Chaplin esboza una caricatura burlesca de Hitler, plasmando a la perfección la ridiculez y la sin razón de este patetico personaje


Algunas curiosidades